VISTA CHINO "BARCELONIAN" Y 'TRACKLIST' DEFINITIVO!!!


Bien, gracias al blogger 'Evil Elvis' ya tenemos claro cual va a ser el 'tracklisting' de "Peace", el esperadísimo debut de John Garcia, Brant Bjork, Bruno fevery y Mike Dean en la piel de Vista Chino previsto para Octubre. Hay unas cuantas curiosidades en cuanto al título de las canciones...

1. Good Morning Wasteland
2. Dargona Dragona
3. Sweet Remain
4. As You Wish
5. Planets 1&2
6. Mas Vino
7. Dark and Lovely
8. Barcelonian
9. Acidize… The Gambling Moose
10. Adara
11. Carnation (Bonus Track)
12. Sunlight at Midnight (Bonus Track)

¿"Más Vino"? ¿"Barcelonian"?. Aparte de "Dargona Dragona", la verdad es que se han superado titulando canciones.

Y de "Barcelonian" también os vengo a hablar, porque, tras ese nombre tan apegado a nuestra geografía, se ha filtrado este segundo corte de "Peace". El tema no suena tanto a Kyuss, ni es tan potente como "Dargona Dragona", de hecho yo diría que me quiere recordar incluso a los Monster Magnet de "Powertrip" o "Monolithic Baby!" sin emular ninguna canción, tan sólo en el sonido. Es un medio tiempo que crece, que sube en intensidad hacia el final con un Garcia que canta muy bien en todo el tema. Lo único que creo es que el tema todavía me suena a 'demo' o maqueta, como lo queráis llamar porque la batería de Bjork no suena demasiado bien producida y pulida. Veremos si se mantiene en igual en el álbum. En cualquier caso, aquí tenemos una canción que suena a Vista Chino por su querencia más progresiva y no a Kyuss, aquí tenemos el paso adelante que quizás quieran dar Garcia y Bjork. Veremos.

THE BREW UK Y SU NUEVO SINGLE, "TROUBLE FREE"!!!


Empezamos a tener las primeras noticias serias de la banda inglesa The Brew UK. Para empezar, esta reciente foto hecha a principios de este mes en los Chapel Recording Studios, inmersos ya en la composición y primeras sesiones de grabación de lo que será su cuarto trabajo discográfico (todavía sin nombre). El productor será, al igual que en sus tres álbumes anteriores, Chris West, y todo pinta a que estará a la altura de "A Million Dead Stars" y "Third Floor". El LP se publicará, previsiblemente, para marzo de 2014, ¿Vamos a poder esperar tanto tiempo?...

Lo que sí que van a desvelar en breve, en concreto el 23 de agosto, es un single-videoclip on-line de una de las canciones del disco titulada "Trouble Free" y que ahora mismo se encuentran también finalizando su filmación. Aquí abajo os dejo un 'teaser' del clip para abrir boca que no da para tener una opinión certera sobre lo que vendrá en marzo pero que deja bien claro que el sonido va a ser igual de poderoso y rockero que siempre.



SPIRITUAL BEGGARS "EARTH BLUES" (2013), TRALLAZO CLÁSICO!!!


Bueno, bueno, muy bueno, el octavo disco de la banda sueca Spiritual Beggars titulado “Earth Blues”. Michael Amott (ex – Carcass, Arch Enemy) se podría decir que se le nota satisfecho y muy decidido con la nueva dirección que los Beggars tomaron tras su anterior “Retur to Zero” (2010), cambiando la potencia atronadora y los riffs abrasadores de antaño -“Ad Astra” (2000) sería su mejor ejemplo- por un clarísimo acercamiento al ‘hard rock’ y al ‘proto-heavy’ 70’s. Hoy en día, se puede decir que en Suecia se está viviendo un auténtico ‘revival’, moda, movimiento o escena en la que las bandas suecas tributan aquel sonido sacado de las púas de Iommy, Page o Blackmore, o de las gargantas de Osbourne, Plant, Hugues o Coverdale, y ¿Quién no conoce hoy en día a Graveyard, Witchcraft, Siena Root, Ghost B.C., Kadavar o los últimos Opeth?. Bueno, a todos estos nuevos fans de estas interesantes bandas que ahora están pegando fuerte os aviso, ¡Spiritual Beggars ya estaban antes!!.



Volviendo a “Return To Zero”, seré sincero, no encajé demasiado bien este cambio en su momento, lo que esperaba de los suecos era un infierno  virulento y abrasador cercano a aquella obra maestra que siempre será “Ad Astra”, además, su nuevo cantante, el griego Apollo Papathasio (ex – Firewind), no me convenció en absoluto a nivel vocal por su mimetismo con las grandes gargantas 70’s, aquí no había furia desértica y esto no lo perdoné. En el caso del teclista Per Wiberg, bueno, reconozco que fue el hacedor principal del toque ‘retro’ e hizo un gran y sorprendente trabajo.

Pero ahora es el turno de “Earth Blues” y la primera conclusión que tuve clara a la segunda escucha es que, aceptado y asimilado el nuevo rumbo que Amott quiere para los suyos, este álbum es claramente superior a su anterior trabajo. La banda incide incluso todavía más en el viaje 70’s, la simbiosis natural entre su pesado sonido desértico anterior y su querencia por sonidos muy, muy cercanos a Deep Purple o Uriah Heep es exquisita dando como resultado un puto álbum equilibradísimo y con sensaciones sónicas muy variadas.

Instrumentalmente todos están ajustadísimos, la producción es jodidamente impecable y se les escucha claramente a TODOS y eso, para el que suscribe, siempre ha sido sinónimo de éxito para que un disco me guste. Se nota también que la formación repite y esto se palpa tanto en la trabajada y sentida interpretación de todos los temas de Papathasio (ojito con este tío) y que me ha dejado (y me sigue dejando) flipado, como en la gran capacidad musical y compositiva de Amott y la perfecta sensibilidad de Per Wiberg para emular con sus teclados una época musical tan rica por la que ya han pasado casi cuarenta años. John Lord, allá donde estés, dale una oportunidad a este hombre porque se puede convertir claramente en tu sucesor en el siglo XXI.


“Wise as a Serpent” ya deja las cosas bien a las claras, contundente, machacón pero muy, muy ‘vintage’, como si los músicos de la banda hubiesen disfrutado de su particular viaje en el tiempo del que nunca querrán volver. Pero lo temas no son para nada lineales y ajustados a un mismo patrón, ahí tendríamos el magnífico piano de “Sweet Magic Pain” con una interpretación vocal de Papathasio a mitad del tema muy sentida, o el travieso Hammond que le imprime Per Wiberg haciendo practicamente de segunda guitarra a Michael Amott en "Hello Sorrow" para acabar regalándonos un solazo de Hammond de muchos, muchos kilates.

Los temas que tienen un espíritu más peleón y más emparentado con su discografía más, digamos, desértica serían "One Man's Curs" con esa juguetona 'intro' a los teclados, "Road to Madness" y la tremebunda "Freedom Song" con un Amott que literalmente se sale, bueno, como en todo el disco. ¡Qué cabronazo de tio!!.

Pero quisiera acabar este 'post' con dos temas que desde el principio me calaron bien hondo, os hablo de la joyaza que es "Dreamer" con unos parajes 70's tan bien ambientados que casi parece que estás escuchando a Robert Plant al lado de John Lord y Richie Blackmore. El final del tema, en donde Amott se luce, es el perfecto final para un climax que QUEMA de bueno que es.

El otro es "Too Old To Die Young" que va seguido a "Dreamer", esta composición es la más trabajada y progresiva, con cambios de 'tempo' y de intensidad que son una gozada, en definitiva, TEMAZO que tiene una parte intermedia reposada para volverse loquísima a partir del alarido de Papathasio y explotar hacia el final.

DISCAZO!, sin lugar a dudas. Amantes del 'hard rock' clásico y los sonidos setenteros con mucho 'fuzz', en "Earth Blues" hay mucho que paladear.

UZZHUAÏA NEWSSS!!!, 'CROWDFUNDING' Y EL 'LYRIC VIDEO' DE "SANTOS Y DIABLOS"!!!


Nuevas noticias en el mundo de los valencianos Uzzhuaïa, la banda a decidido acogerse al método del 'crowdfunding' o lo que es lo mismo, estar o ser financiados por los propios fans sin intermediarios interesados de por medio. Esta iniciativa, que es nueva para ellos, se puso en marcha a finales de junio y se dará punto y final el 4 de agosto, teniendo la oportunidad sus fans de hacerse con jugosos packs especiales dependiendo del dinero aportado y que podréis descubrir en el enlace de aquí arriba además de saber cuáles han sido los motivos para que quieran ser apadrinados por nosotros.


Pero parece ser que todo va sorprendentemente bien y aquí abajo tenéis un video de agradecimiento de la propia banda al completo comentando todos los pormenores del 'cro'uzz'funding' y reivindicando el valor de su música y de sus motivaciones para seguir adelante, además, por supuesto, de agradecer con palabras humildes y muy sinceras que se estén cumpliendo todas las expectativas. Una gozada tener a músicos así en nuestro país.



Aquí tenéis el formato físico de la 'Deluxe Box' para poneros los dientes bien largos...


Y acabaremos, como no, con música porque hace tan sólo una semana que lanzaron el 'lyric video' de la canción "Santos y Diablos" estrenándose también en esta también moda de los 'videos con letras'. La canción no me acababa de convencer del todo en directo pero su versión en estudio me convence mucho más y desde ya se une a la lista de clásicos que esta banda suele parir en cada álbum. Os recuerdo que "Santos y Diablos" (el LP) está previsto que salga al mercado para el 4 de octubre.

ENJOY!!!

BRIGITTE NIELSEN, LA EXPLOSIVIDAD DE UNA RUBIA PLATINO RODEADA DE MÚSCULO EN LOS 80'S


Visto el éxito de entradas (que no de comentarios) que tuvo el post 'Stallonadas Pt.6' con Brigitte Nielsen haciendo de modelo neumática para la película "Cobra", me he visto en la obligación de complacer a todos los que habéis entrado pues casi sumáis...200!!! en muy poco tiempo.

Brigitte Nielsen en realidad se llamaba Gitte Nielsen y nació en Dinamarca en el '65. A los 16 años se fuga de su casa ni más ni menos que a París y, gracias a un físico excesivo y privilegiado, por su gran estatura y su impresionante belleza no tardó mucho tiempo en trabajar con los grandes de la moda parisina como Giorgio Armani, Versace y Giancarlo Ferré que le prepararon el terreno para la conquista de 'la tierra de las oportunidades' y, en concreto, de Hollywood.



Su primer papel no pudo ser más mediático, compartiendo protagonismo con Arnold Schwarzenegger en "Red Sonja" (1985), además de mantener un romance de lo más tórrido que unicamente se limitó al tiempo de rodaje.Lo que hicieron en los camerinos y los distintos y diferentes decorados os lo dejo a vuestra imaginación pero ella siempre afirmó que hicieron hasta lo que no está escrito...


Estaba claro que la Nielsen se dejaba querer porque el otro 'macho' de Hollywood, Sylvester Stallone, ya se había fijado en ella y no tardó en hacerla su amante, su mujer y su compañera de rodaje en taquillazos como "Rocky IV" (1985) o "Cobra" (1986). El 'matrimonio de conveniencia' estaba claro que no duraría mucho, de hecho, la pareja sólo duró un año más pero Brigitte, además de hacer caja y dejarse ver hasta en las más altas esferas cinematográficas y políticas, consiguió ser un icono femenino en los 80's que le sirvió para grangearse ya una carrera 'en solitario' sin necesidad de tener a 'mazas' mediáticos dando 'caché' a su trabajo.


Por cierto, no puedo dejar pasar el rollete que tuvo en el '87 (aún todavía casada con 'Sly') con Eddie Murphy de nuevo en el rodaje de la película "Superdetective en Hollywood II", y es que, a la Nielsen, parece ser que le ponían las películas de alto presupuesto y actores follables con carisma...


A finales de la década de los 80, comienza a hincharse su 'ego' más de la cuenta y comienza una dudosa carrera musical que siguió la estela claramente de aquellas Sabrina, Samantha Fox, Danuta Lato,..., es decir, mucho físico, mucha teta pero poca música, por no decir que no valía absolutamente nada. A pesar de esto tuvo su tirón comercial hasta el '92, volviendo con el nuevo siglo a grabar discos pero esta vez no como 'calientapaquetes' sino como 'diva Gay'. Cuenta con un total de siete trabajos discográficos por si alguién se atreve...






A partir de mitad de los 90's su carrera se diluye haciendo sesiones fotográficas, haciendo incursiones en el cine erótico italiano y americano, grabando canciones sueltas para programillas cutres, presentando un programa con mucho tirón en Italia "Festival", participando en 'realitys' televisivos más que dudosos como "Celebrity Rehab" (con Dr. Dre de Public Enemy) y otro en Alemania, equivalente a "La Selva de los Famosos", en el que ha llegado a convertirse en la ganadora.









Y bueno, después de tanta fotografía vamos a cerrar este 'post' de una manera claramente 'friky' porque ¿que pinta Jesús Vázquez compartiendo plano con Brigitte Nielsen?, bueno, en su primera visita a España, la Nielsen, además de enrollarse (un poco) con Bertín Osborne, presentó su primer trabajo discográficos participando en los programas musicales más variopintos de nuestro país, entre ellos el de Jesusito con una actuación desfasadísima, de la época vamos!. Si os fijáis por un momento en la cutre-coreografías y en la dimensión de esta mujer al lado de los diminutos bailarines casi parecería que estamos en las pelis del "Señor de los Anillos".



40 AÑOS DE LA MUERTE DE BRUCE LEE: EL DRAGÓN SE SIGUE RETORCIENDO EN SU TUMBA!!!


Por fin llegó la fecha Pupilos. Hoy mismo, 20 de julio de 2013 se cumplen 40 años de la trágica y sorprendente muerte del Pequeño Dragón y aquí vamos a rendirle el tradicional homenaje que se merece uno de los personajes más emblemáticos del cine de la segunda mitad del S.XX y el más importante artista marcial de la historia.


Y no hay nada mejor que confirmaros una noticia bien calentita de hace poco menos de un mes, "Enter The Dragon", o lo que es lo mismo, "Operación Dragón", se estrena por fin en DVD/Blu-Ray en una edición especial 40º aniversario llena de extras de todo tipo. Uno de estos extras es ciertamente jugoso porque la mismísima hija de Bruce, Shannon Lee, se ha encargado de producir y dirigir un (al parecer) interesantísimo documental titulado "No Way As Way" ("No camino como camino") con la participación de ilustres de la talla de Sugar Ray Leonard, Brenda Lee (la mujer del Dragón), Shannon Lee, Steve Aoki (productor nomidado al Grammy, artista y DJ), George Takei (actor y activista), etc,..y que ofrece una mirada al concepto del auto-control que siempre tuvo Bruce Lee y que siempre intentó inculcar a sus acólitos.

SHANNON LEE

Aquí tenéis el 'trailer' de "No Way As Way"...



Con respecto al largometraje, siempre lo he dicho y nunca me cansaré de repetirlo, no me parece una película excelente, ni tan siquiera la calificaría como 'buena', si no fuese por las estelares apariciones de nuestro protagonista en acción y del apoyo de la todopoderosa Warnes Bros. en plena eclosión del cine de artes marciales. Con lo que yo me quedo es con la pelea inicial, la escena de la lucha en los subterráneos y la pelea con O'Hara (Bob Wall) por el polémico encuentro entre estos dos gallitos tanto delante como detrás de las cámaras. Poco más. En lo negativo, me jode que el malo malisimo Mr. Han sólo funcionase en las escenas dramáticas (fue actor de teatro) y no fuese nada creible en las escenas de lucha haciendo un ridículo espantoso en la escena más desaprovechada de la película, la de la pelea final que acaba en el laberinto de espejos, con una intriga y un suspense muy acertados pero con un rival para Lee sin ninguna entidad.

Hablando de esta edición especial de "Enter The Dragon", la presentación ya se realizó el pasado 17 de abril en la "Academy's 40th anniversary Screening", en el 'Samuel Goldwyn Theatre' de L.A. con la participación de Shannon Lee, John Saxon, Bob Wall y Jackie Chan como representación del reparto, con Fred Weintraub y Paul Heller (productores) teniendo en la memoria a Robert Clouse (director) y con Lalo Schifrin (b.s.o.), todos ellos contando interesantes y reveladoras anécdotas y momentos al lado del pequeño dragón. En el clip de aquí abajo, Shannon justifica de alguna manera su documental y el concepto de todo esto, John Saxon cuenta anécdotas muy divertidas sobre sus primeros encuentros con Bruce en Hong Kong y Bob Wall queda como un señor (falso) recordando aquel rodaje que, ni fue tan feliz como lo pinta, ni existió esa camaradería entre los actores, ni mucho menos entre Wall y Lee que no se podían ni ver la cara.



En el turno de Jackie Chan el tío se sale, la verdad. Para el que no lo sepa, Chan participó como uno de los figurantes más efímeros en la historia del cine sirviendo como escudo para Bruce mientras daba algún mamporro durante...2 segundos!!!. Acabó desnucado en los subterráneos con un primer plano de un Lee desvocado. Y bien, aquí, a parte de hablar de las diferencias entre el cine de superhéroes y el de artes marciales, se despacha con un 'speech' la mar de cachondo hablando tanto de su brevísimo cameo en "Enter The Dragon" como de la diferencia de estilos cinematográficos entre estos dos monstuos.



Y ya para acabar, no hay mejor homenaje que el que te hace tu propia hija rebuscando en las fotos de archivo de su padre para hacer este sentido tributo desde que era un niño inquieto y problemático hasta que se convierte en un verdadero icono de la cultura de los 70's. Esto es oficial, lo podéis comprobar en la propia web de Bruce Lee.



THE DELTA SAINTS, SALA D'LEGEND (CASTELLÓN) 14/07/13: FEELIN' BLUES DESGARRADO DESDE EL DELTA!!!


Qué ganas tenía de ver a estos 'Santos del Delta' en directo, qué ganas de comprobar 'in your face' si los de Nashville (Tenesse) son un 'hype' hinchado por los 'nerdies' más sureños obsesionados con su 'Americana', o si, por el contrario, The Delta Saints son una banda de las de verdad que cumple en directo todo lo que promete en sus sorprendentes E.P.'s y su genial "Death Letter Jubilee". Pasó lo segundo, ¡lo tengo clarísimo!!!.

En una sala tan minúscula como la "D'Legend" en Castellón y con un escenario tan diminuto, cualquiera hubiese dudado sobre si nuestros protagonistas del pasado domingo iban a caber encima, o si se iban a pegar una buena leche con ciertos techos más bajos de lo normal (pero 'perfectamente' almohadillados, of course). En esta ocasión pasó lo primero, ya que Dylan (guitar) y David (bass) tuvieron que conformarse con estar a las espaldas de Ben (vocals) y Nate (keyboards), ¿fue esto un problema?...¡Para nada! así los vimos bien comprimidos y juntitos. Si ya me decanto casi en un 100 % con los bolos en salas pequeñas, en esta ocasión todavía más.


Y bueno, además de hablar de especulaciones y de 'habitáculos mini', aquí venimos a hablar de música y de diversión, que no?. La mayoría de ocasiones en las que acudo a un concierto suele ser en compañía de mí mismo pero acudir a un conciertazo como éste con dos compañeros del curro y 'un expontáneo' (sí Jose, así te presentó tu tocayo por Whatssap), presenciando lo que presenciamos, fue un 'extra' añadido por lo cojonudamente bien que lo pasamos con estos 'casi' imberbes de Nashville. Lo pasamos en grande Pupilos, porque los de Ben Ringel han confirmado que la energía que destilan todos sus trabajos en estudio se multiplica por mil encima de un escenario. Queridos amigos y lectores, os confirmo desde ya mismo que el viejo 'blues', el añejo 'rock'n'roll' y el 'soul' más sentido siguen muy vivos a pesar de que se encuentren en el más absoluto de los 'undergrounds'. ¿Y que más da esto?. En D'Legend vivimos, a través de unos veinteañeros, esa pasión por el rock'n'roll que parece hoy en día perdida, ese alma que todavía no está viciada por la puta Industria Musical.


Bien pasadas las 20:00 h. dio comienzo el ritual 'voodoo' al que nos sometieron desde la primera nota del bolo, y no me extraña, empezaron con el enérgico "Liar". No me dí cuenta en un principio, pero aquí faltaba alguien, y de mucho peso además en el sonido de la banda, faltaba el increible armonicista Stephen Hanner que, por problemas de salud, ha dejado la banda temporalmente. Este hecho me molestó bastante en las primeras canciones porque la harmónica de Stephen es fundamental en Delta Saints, pero pronto se me aplacó al comprobar que Nate Kremer es un teclista de la vieja escuela que cubre perfectamente los huecos que ya no ocupa Stephen. Mención especial para David (bass) que tiene una presencia muy humilde en estudio pero sonó descomunalmente bien en directo.

Con respecto al 'setlist' (tan sólo llevaban uno) que escribieron en un papel de servilleta casero, se puede comprobar a la perfección que los viejos temas de los E.P.'s tuvieron mucha presencia a pesar de que presentaban su flamante "Death Letter Jubilee". "Voodoo Walk" sonó igual de desatada o más que en su primer E.P., "The Devil's Creek" fue implacable, enérgica y vacilona hasta decir basta y la improvisación que vino con "Pray On" alargándolo hasta los casi diez minutos -con momentos para el lucimiento de Nate y Dylan- y conectándolo de forma tan expontánea con "Company Of Thieves" fue otro de los momentos álgidos de la velada.


De su LP de debut, claramente me quedo con "Chicago" y "Boogie" que pusieron toda la sala patas arriba (si no lo estaba ya) con esa entrega e intensidad que requieren dos de los temás con más 'groove' de "Death Letter Jubilee". Ben Ringel literalmente se vació en estos dos temas. Gran, gran, cantante con un poderoso timbre de voz que nos lleva directamente a los grandes 'singers' de los 70's.

Antes de los bises, el obligado "A Bird Called Angola" nos volvió jodidamente locos, estábamos literalmente imbuidos por el ritmo 'voodoo' de sus notas y poseidos por la increible energia de estos tipos. ¡TEMAZO!

Para los bises se reservaron dos temas bien distintos, por una parte el delicado y sentido "Out To Sea" (yo lo hubiese cambiado por "I Feel Rain") y el intenso 'crescendo' de vacilón estribillo que supuso "Momma", otro TEMAZO con una calma tensa que hicimos explotar todos con esos "Whooo-ooo-ooo-oooooo!!!".

Como conclusión, si su álbum de debut está peleando por los primeros puestos de mis preferidos este año, exactamente lo mismo va a pasar con mi lista de los mejores conciertos de 2013. Acabado el concierto, Ben Ringel fue raudo y veloz a la mini-barra para 'hidratarse' y allí esperar a los múltiples fans que quisieron hacerse fotos, firmas y todo el rollo de 'fan' con humildes 'of course, of course'. Al salir afuera se nos unió, a la apasionada crónica hablada con mis 'compis', el bajista David con el que tuvimos una conversación de lo más simpática hasta que se le acercó una tipa para cortar el rollo y preguntarle en castellano aquello de: "...oye!, estas 'rastas' que llevas ¿son auténticas?", le teníais que haber visto la cara...'spanish cañí style'!.

Os dejo con "Pray On" & "Company Of Thieves" para que sepáis que esta banda 'lo tiene', que se deja la piel, que suda y se deja llevar por una música real como la vida misma.



"TWENTY FEET FROM STARDOM" , ADMIRABLE TRIBUTO A UNAS GARGANTAS PRIVILEGIADAS!!!


Tenía guardada en la recámara una sorpresilla con respecto al mundillo de las coristas, me lo reservaba para dar por zanjado este nivel del juego "Por Amor a la Música" que tanto (creo) nos ha marcado a los jugadores pero también a los lectores y Pupilos varios que se pasan por aquí y por los blogs de mis compañeros.

Me enteré por casualidad, buscando información sobre Táta Vega, de la existencia del perfecto homenaje a las 'backing vocalist', el film lleva por nombre "Twenty Feet From Stardom" y se estrenó el 14 del mes pasado. Su estreno no pudo tener mejor marco que el 'Sundance Film Festival' en donde consiguió llamar la atención de propios y extraños hacia este mundo tan desconocido para todos como es el de las 'voces que están detrás'.

Aquí os dejo el 'official trailer' con, ni más ni menos que, Springsteen y Jagger haciendo de perfectos reclamos y padrinos de este necesario invento.



No he podido conseguir en 'youtube' el documental entero (todavía) pero las anécdotas, las confesiones y las vidas de estas mujeres darían para hacer no uno, sino cuatro largometrajes como éste. He visionado alguno y son más que ilustrativos de lo que cada una ha aportado a este mundillo y sus vivencias personales cubriendo las espaldas a los más grandes de la música.

Lo que sí os dejaré para auténtico deleite tanto de los jugadores de "Por Amor a la Música" como de los que han sentido el gusanillo sobre el oficio de las 'backing vocalist', son dos actuaciones inmensas, tremendas, de semejantes bestias pardas, todas ellas juntas, celebrando este "Twenty Feet From Stardom" encima de un escenario.

Que nadie se pierda estos dos momentos irrepetibles con Merry Clayton, Táta Vega, Lisa Fischer, Darlene Love y Judith Hill.



"Speak Lord" babies!!


VISTA CHINO PUBLICA EN OCTUBRE "PEACE"!!!


...pero antes su primer adelanto "Dargona Dragona" que ya os avancé en directo cuando todavía eran Kyuss Lives!...



Otro de los momentazos de este 2013 es la confirmación del esperado debut de Vista Chino, la banda de John Garcia, Brant Bjork, Bruno Fevery y Mike Dean (C.O.C.), para Octubre de este año, se llamará simple y llanamente "Peace" y no se espera que suene a proyecto en solitario si todo el álbum suena como el zambombazo desértico de aquí arriba. La cosa parece ir sobre ruedas y lo que prometieron en los medios se ha ido cumpliendo en estudio. Espero algo MUY GRANDE Pupilos, el disco del año todavía puede esperar, je, je, je...

"Me voy a quedar muuuuy a gusto (J.Garcia)"
Pero las novedades no acaban aquí, porque Vista Chino debutaron en directo con el nombre el pasado 9 de Junio en un festival que, parece ser, apadrinan las huestes de James Heltfield & Ulrich, el "Orion Festival".

A la banda se le nota compenetradísima y Bruno Fevery ya no lo veo como un 'pelele' sustituyendo al 'innombrable'. Lo de Mike Dean sí que me sigue pareciendo extraño, y no porque Nick Oliveri no esté, sino porque me hace dudar sobre el futuro de Corrosion of Conformity ahora que Vista Chino nace. En cualquier caso, da el callo y se le ve perfectamente integrado.

Os cuelgo "Gardenia" y otro tema que ahora mismo no recuerdo el nombre, ¡Suenan de miedo!.





ALICE IN CHAINS "THE DEVIL PUT DINOSAURS HERE", LA PERFECTA CONTINUACIÓN DE UNA RESURRECCIÓN!!!


Con estos calores, 'asfixiemos' de Rojo Fuego Pupilandia...



Me ha costado decidirme a hacer la reseña del último trabajo de Alice in Chains, la banda de Seattle nunca te lo pone fácil a la hora tener un criterio claro y determinante con sus trabajos y con "The Devil Put Dinosaurs Here" todavía lo ha puesto más difícil...si cabe.

Superada por mi parte la ausencia de Staley gracias a su magnífico renacimiento con "Black Gives Way to Blue" -además de haberlos visto en 2011 reinando en el BBK junto a Pearl Jam- no voy a volver al recurrente tema (para algunos) sobre si Alice in Chains deberían o no continuar sin Layne Staley, ¡Por Dios, Layne murió hace ya más de diez años!!. Pero lo más importante, ¿Alguién duda de que "Black Gives..." no sorprendió a propios y extraños con su calidad pero también con su honestidad para con la banda y su personalísimo sonido?. Agua pasada, no seguiremos por aquí.

Los adelantos de "The Devil..." fueron más que suculentos, dos TEMAZOS como lo son "Hollow" y "Stone", el primero más angustioso, el segundo más pétreo y poderoso pero el disco estaba por venir y no las escuché apenas (pero me moría de las ganas) hasta no tener en mis manos el álbum. Lo que sí tuve claro hace casi dos meses y, lo creáis o no, digo la verdad, es que estos dos cortes superaban EN TODO al retorno discográfico de Soundgarden "King Animal". Ahora, pasado el tiempo y las escuchas, puedo afirmar claramente que el disco de Cantrell es muy, muy superior al disco de Cornell. Se siente Chris.


Pero aún así, las primeras escuchas fueron muy confusas aunque ya estaba sobre aviso, son muchos años ya amando la música de esta banda y uno está preparado para soportar el infierno particular que tan bien siguen recreando Cantrell & Cia. Los primeros adjetivos que a uno le vienen a la cabeza al escuchar "The Devil..." son DENSIDAD, ASFIXIA e IMPENETRABILIDAD. El disco se hace realmente complicado escuchar de tirón hasta que no les has dado, al menos, cuatro o cinco escuchas y, no me interpretéis mal, no estoy buscando 'que-me-guste-porque-son-Alice in Chains'. Sinceramente, yo diría que Cantrell ha arriesgado sin arriesgar y me explico; "The Devil..." es arriesgado porque es un disco muy alejado de la comercialidad y de las canciones de fácil consumición (lo contrario de "King Animal", incluso algo de "Black Gives...") por esa densidad y atmósferas opresivas que se suceden una y otra vez en cada tema, como si quisiesen tatuarse en tu alma y en tu cerebro a fuerza de repetir estructuras (casi) de manera obsesiva. Sin embargo, ¿Acaso Cantrell, Sean Kinney, Mike Inez y William Duvall han variado un ápice la personalidad y el sonido de siempre?, ¡Para nada!, es por ello que pienso que han seguido a lo suyo, sin experimentos sonoros. Este álbum me recuerda en el fondo a su tercer disco, al 'disco del perro', por su opacidad críptica y su pesadez reptante con algunos 'oasis' sonoros en forma de bellos medios tiempos. Jerry Cantrell lo ha vuelto a hacer, sin lugar a dudas.

"Hollow" es el primer pepinazo, lleno de angustia existencial y muchos 'grumos' sonoros, perfecto para 'entrar' en el averno de Alicia a base de mucha distorsión y el característico 'muro de sonido' Cantrell. "Pretty Done" es la siguiente andanada, con unos coros y segundas voces que no son de nuestro mundo terrenal y un 'riff' trotón y metálico que puede recordar incluso la época "Facelift". Llega "Stone", el corte es conducido por el demonio con ese 'riff' tan 'Sabbath', perfecto, impenetrable, denso, rocoso. El primer corte en el que la voz de Cantrell adquiere mayor protagonismo que la de Duvall hasta llegar al estribillo. El cambio 'riffico' y el 'solo' son de quitarse el sombrero, joder!.

Aquí abajo una muestra en directo de hace tan sólo seis días...



Tras la presentación de intenciones con los tres primeros temas, "Voices" se encarga de darnos 'de beber', de ofrecernos algo de luz entre tanta tormenta de polvo desértico; aquí la melodía de la canción y las armonías vocales adquieren toda la atención. "Voices" es precioso, es semi-acústico en la línea de "Jar Of Flies", es intenso, incluso vacilón con ese registro vocal de Jerry pero, al llegar al estribillo, volvemos a subir 'al más celestial de los infiernos'.

"The Devil Put Dinosaurs Here", el tema-título del disco, nos devuelve de nuevo a parajes inhóspitos y al más solitario de los desiertos, la calma tensa que se respira y esas voces ahogadas y angustiosas pululando aquí y allá nos llevan a uno de los temas más hostiles del álbum. Un verdadero viaje amigos.

Los tres temas que vienen no es que bajen el nivel, ¡ni mucho menos!, hablamos de 'Alicia', pero son, quizás, los más lineales, los que más cuesta descifrar, en definitiva, los que más cuesta que se te queden. "Lab Monkey" sigue la línea del anterior "The Devil...", lento, casi 'Doom', "Low Ceiling" es curioso, la línea vocal es una de las más asequibles (y luminosas) en toda la historia de Alice in Chains y, por último, "Breath On a Window" que sube decibelios y energia pero que sigue envuelto en ese polvo densísimo y opaco. Lo que yo destacaría de estos temas por encima de todo son los preciosos 'solos' que se saca Cantrell, en el primero un 'solo' precioso con el 'wah-wah' que recuerda aquel tesoro de "Jar Of Flies", os hablo de "Rotten Apple"; el segundo con un punteo que produce escalofrios por su extremada sensibilidad; y el tercero claramente enclavado en 'el disco del perro'.

Superados estos tres temas, llega una de las joyas del disco, "Scalpel", en donde Jerry desata toda su pasión por el 'country' y los sonidos más enraizados, pero no nos equivoquemos, no estamos escuchando a Lucinda Williams o Steve Earle, esto es 'Alicia' y el descenso al averno es irremediable a pesar de su bellísimo estribillo y sus celestiales armonías vocales que me vuelve a poner los pelos como escarpias. Muy, muy hermoso a pesar de que se me hace algo largo.



"Phantom Limb" nos devuelve directamente a los infiernos, a presentarle respetos al mismísimo diablo, de hecho, cada vez que lo escucho, siempre me viene a la mente Slayer ya que su 'riff' perfectamente podría pertenecer a "Seasons in the Abyss" o "South of Heaven", y es que Alicia siempre estuvieron muy cercanos en su época a los de Araya. Uno de los cortes más duros del trabajo que se ensucia y embarulla de distorsión dejando de lado el metal más ortodoxo. En la composición, es el único tema en el que William Duvall aparece en labores compositivas y, en consecuencia, es donde aparece predominando más su voz.

"Hang On a Hook" empieza con dolor y continua escociendo a lo largo de todo el tema, parece que estamos ante un medio tiempo acústico pero se retuerce, se llena de épica oscura y grumosos guitarrazos, se autocastiga y se automutila. Una composición en la que Duvall hace también un gran trabajo.

Y llegamos al final de tortuoso y árido viaje por el desierto, se divisa un oasis y se divisa luz porque estamos ante otro de los tesoros del disco. "Chocke" es tan emocional e intenso que se me salta de vez en cuando alguna lágrima, siento una especie de liberación espiritual cuando llego a este track 12, se me hincha el alma de esperanza, de luz, sabiendo que has sufrido, sabiendo que te estás lamiendo las heridas y más tarde lo harás con las cicatrices. "Chocke" es una canción de redención y de perdón con un Cantrell bordando su interpretación vocal y unos coros en el estribillo sublimes. Huelga decir que Sean Kinney (como en todo el trabajo) hace un trabajo a la batería de muchísima calidad, sin sobrecargar las tintas, utilizando su sensibilidad y desarrollando su sutileza a la hora de ponerse tras los parches.

"The Devil Put Dinosaurs Here" encantará, por supuestísimo, a los fans incondicionales de la banda, ¿Quiere decir esto que no arrastrará a nuevos o a los que la música de Alicia no les quita el sueño?, bueno, ya lo he dicho más arriba, la música de los de Seattle necesita su tiempo, su asimilación, no es nada fácil, pero cuando el veneno ha podido pasar 'a la vena' y se extiende irremediablemente por todo tu ser hasta llegar a lo más oscuro de tu corazón, allí mismo, en ese oscuro rincón lleno de inseguridades y angustias, en donde te falta el aire y pierdes hasta el aliento, en ese sitio, empezarás a apreciar a los Alice in Chains del siglo XXI.

Para despedirme, una pequeña joya que he encontrado en directo y que me ha sorprendido que interpreten en su 'setlist', os hablo de la vieja belleza de "Rotten Apple" que sigue igual de turbadora que en aquel "Jar of Flies" a pesar de que esta vez sí que me acuerde mucho de Layne Staley...


STALLONADAS Pt. 6: BRIGITTE NIELSEN PROVOCANDO CORTOCIRCUITOS EN "COBRA"


Con la ochentera "Angel of the City", la canción de Robert Tepper que hace de fondo al clip de más abajo, os vengo a presentar otra 'Stallonada' de muchos kilates, esta vez en clave sexy.

Ya hubo una 'Stallonada' anterior dedicada a "Cobra" pero en ésta Stallone no va a ser el protagonista absoluto con sus conocidas frases, sus poses de 'poli-más-chulo-que-nadie' o sus salidas de madre 80's, al menos no en todo momento porque Brigitte Nielsen, que por aquel entonces llevaba casada casi un año con 'Sly', acaparará el protagonismo con uno de los 'photoshoot' más horteras que se han visto nunca, pero claro, el personaje es el personaje.


La 'chica' de "Cobra" es una reconocida modelo de 'alto standing' que tiene la mala suerte de que el líder de la secta satánica que está tocando los cojones a Marion Cobretti (Stallone) se fije en ella. A partir de aquí, casi se genera toda la trama porque el 'psycho' se encapricha con ella tras un intento fallido de asesinarla y Cobra se convierte en su guardaespaldas particular hasta el desenlace final.


Pero pasando a la escena en sí, vemos realmente dos escenas en paralelo en donde, por una parte Cobretti y su escudero van por los callejones y clubs de putas más malolientes en busca de información con un Stallone mostrando claramente su chulería...y 'el mango' de su pistola!, y por otra parte al personaje de Brigitte haciendo una sesión fotográfica rodeada de robots de lo más cutres e imposibles que os podáis echar a la cara. La tecnología punta (y el buen gusto) todavía no había llegado a EEUU. La Nielsen se va cambiando de modelitos, a cada cual deliciosa y excesivamente ochenteros, hasta acabar mostrando mucha, muuuucha chicha con el cuerpazo que tenía esta mujer en aquellos años. Atención a los detalles fálicos subliminales en muchos de los planos de la sesión.

Sylvester Stallone era en aquella época tan exagerado hasta para rodar escenas sexys.

Por cierto, si queréis ir al grano Brigitte aparece en el segundo 0:45.

ENJOY IT!!!

POR AMOR A LA MÚSICA: GEORGE HARRISON "BRAINWASHED" (2002)


Sumérgete en el 'Karma' de Harrison...paz y calma en tu interior baby...



Manda 'güevos' que me haya tenido que escuchar ni más ni menos que... ¡TRES discos!!! de Spandau Ballet para encontrar el rastro de la última corista propuesta por el juego "Por Amor a la Música" para esta semana. Cumpliendo con el protocolo, esta semana lanzaba el reto Josi, del blog "67 Rockbiker", que se ha currado un postazo tremendo sobre el directo de Deep Purple "In Concert with the London Symphony Orchestra" (1999). La CLAVE/CORISTA de esta semana, última dentro del mundillo de las/los coristas, es la londinense SAM BROWN de la que no he encontrado rastro ni musical, ni visual, ni tan siquiera en las generosas y expectaculares referencias en colaboraciones y/o labores de 'backing vocal' de la website de su club de fans que la relacione con los Románticos Spandau Ballet. Manda 'güevos' que, por querer dar un poco la nota, haya estado todo un puto día escuchando "Diamond", "True" y "Parade" a la búsqueda y captura de algún coro en donde esta mujer apareciese y 'puedo prometer y prometo' que, al menos en estos tres, no hay nada femenino pues los coros y segundas voces son másculinas todas. Eso me pasa por querer ser más friky que nadie...

De Sam Brown poco puedo aportar pues la 'bio' que se ha currado 'Josi' está más que perfecta y no redundaré en datos y colaboraciones, bueno sí, ¿os suenan John Lord, Pink Floyd, George Harrison, The Firm, Sade, Deep Purple o The Small Faces?, simplemente nació para ser una grande desde bien pequeña como así ya lo demuestra su extenso e intachable curriculum y su perfecta versatilidad a la hora de participar, colaborar o aportar magia en muchísimas canciones y estilos con sus maravillosas cuerdas vocales.


Antes de empezar este 'post' ya me he dado cuenta de que mi compañero Chals, del blog "Chals on the Route", coincide conmigo escogiendo el último disco (póstumo) de George Harrison "Brainwashed" (2002). Aquí también os dejo el enlace por si queréis hecharle un vistazo y complementar con mi post.

George Harrison, George Harrison, ya tenía ganas de hablar un poco de este grandísimo tímido de los 'fab four'. Ya sé que ultimamente os estoy dando mucho la vara con Ringo Starr pero esta vez el turno es para Harrison y su undécimo y último disco de su carrera que fue publicado un año después de su muerte el 29 de noviembre de 2001.

La gestación de este album fue muy lenta, sin prisas, de hecho hay alguna canción que es incluso de finales de los 80's como en el caso del primer single "Any Road" y otras fueron grabadas de forma aislada en la década de los 90. Pero llega el año '97 y George tiene el primer susto serio con el cáncer que se empezaba a manifestar por lo que, con ayuda de su propio hijo, Dhani Harrison y su inseparable amigo y compañero Jeff Lynne (E.L.O., Travelling Willburys), comienzan a centrarse en la composición de nuevas canciones para conseguir publicar un último álbum además de tener claras ciertas ideas con su hijo Dhani con respecto al concepto del album pero también del imaginario visual de 'artwork' de "Brainwashed". Llega el fatídico 2001 y el cáncer de pulmón que padecía se le habia extendido y la situación ya era irreversible por lo que, todo lo a prisa que le permitían sus fuerzas, se propone dejar lo más atadas posibles las canciones que quedan con indicaciones muy claras sobre el sonido y los arreglos que el deseaba. Muere unos meses después a los 58 años.

Pero no vengo a ponerme cenizo y sí a hablaros del disco y no hay mejor comienzo que escuchar a nuestro protagonista con la primera canción del album (y primer single) interpretada en 1997 en versión acústica y en solitario. Una jodida maravilla escuchar a este hombre...



Si tuviese que definir lo que me evoca este album es muy sencillo, lo definiría en tres palabras: PAZ, INTERIORIZACIÓN Y BELLEZA. Con canciones aparentemente sencillas, George Harrison ha conseguido tocarme esa fibra que uno guarda para momentos de mayor sensibilidad, incluso de flaqueza existencial porque las doce canciones contenidas en este trabajo son de una exquisita y refinada sensibilidad. No es de extrañar que éste sea un trabajo intimista y que interiorize en sí mismo porque veía muy de cerca su final en el mundo terrenal pero lo afronta de una manera muy sorprendente para mí, os lo digo de verdad, porque esperándome algo parecido a la angustia crepuscular de un Johnny Cash a punto de abandonar nuestro mundo, me he encontrado con todo lo contrario. "Brainwashed" es un disco en el que predomina la luz sobre la oscuridad y ejemplos hay muchos en este disco como "Any Road", el simpático e irónico blues de "P2 Vatican Blues (Last Saturday Night)", la búsqueda existencial de "Lookin' for My Life" y las divertidas y más ligeras (aunque no menores) "Between the Devil and the Deep Blue See" y "Rockin Chair in Hawai" de psicotrónico título.


Me quiero parar por un momento en el segundo single del album, "Stuck Inside a Cloud", una composición de orfebrería POP con los reconocibles punteos de Harrison y que me pone la piel de gallina cada vez que llega el estribillo. Escúchala, por favor...



En cuanto a los temas más reconociblemente pop aunque con muchas raices, tendríamos la Dylaniana "Pisces Fish" y los remansos de paz e íntima interiorización que suponen la insuperable belleza atmosférica de "Marwa Blues", "Rising Sun", "Run So Far" y "Never Get Over You" con sus clásicos punteos aquí y allá haciendo estos temas tan 'George Harrison' llenándote de paz y perspectiva vital para afrontar 'el marrón' que nos rodea.

Me dejo el tema/título del álbum, "Brainwashed", para el final, quizás la canción que más nervio tiene de todo el conjunto y en la que, por fin!, la gran Sam Brown hace acto de presencia aunque sólo se dedique a cantar 'God-God-God' por aquí y por allá. Un tema con muchísimo ritmo en comparación con los demás cortes con una segunda parte en donde el Pop cristalino muta al Hinduismo más integral con Harrison y su hijo Dhani entonando una oración, "Namah Parvati", a la Diosa Hindú Parvati. Perfecto final para un disco, un artista y un gran ser humano como George Harrison.

Un año después de la muerte del genio y diez dias después de la publicación de "Brainwashed" se celebró en el Royal Albert Hall de Londres "Concert for George", el esperadísimo tributo y homenaje que dirigieron Jeff Lynne y el 'mano lenta' Clapton. Os dejo a Sam Brown bordando literalmente el tema "Horse to the Water" con Dhani Harrison detrás de ella.

NINE INCH NAILS "CAME BACK HAUNTED" CLIP, REZNOR & DAVID LYNCH VUELVEN A UNIR FUERZAS!!!


"THIS VIDEO HAS BEEN IDENTIFIED TO POTENTIALLY TRIGGER SEIZURES FOR PEOPLE WITH PHOTOSENSITIVE EPILEPSY

VIEWER DISCRETION IS ADVISED"

Sea este un 'serio' aviso para epilépticos fotosensitivos o no, esta la estrategia comercial para vender "Came Back Haunted", el primer single del nuevo trabajo de Nine Inch Nails "Hesitations Marks" que verá la luz el 3 de septiembre.

Pero el clip venía con una sorpresa añadida pues el mismísimo David Lynch ("Twin Peaks", "Terciopelo Azul", "Lost Highway", etc,...) se ha puesto tras la cámara para rodar el videoclip. No me digáis que esto no es una sorpresa y de las buenas. Desconozco si tan sólo se ha encargado de rodar las imágenes de Trent berreando en el estribillo del tema o si también ha tenido que ver en esa estética nerviosa y turbia de flashes contínuos y desenfoques confusos pero que el maestro Lynch esté involucrado de nuevo con su 'pupilo' en aquella acojonante "Lost Highway" es un notición del carajo.

Aquí abajo la prueba del delito...


Vi el clip hace dos días y me agobió un poco pero ahora lo entiendo todo, sobre todo las imágenes en las que Reznor aparece con unos movimientos de cámara que ya ha utilizado Lynch en algunos de sus largometrajes. El videoclip, siendo sinceros, no me dice demasiado a pesar de ser (o querer serlo) rompedor e incómodo pero, ¿Acaso la música de Reznor y las imágenes de Lynch fueron en algún momento previsibles y conservadoras?...



Para acabar, una imagen 'nerdy' gafapastas del tio Trent y los suyos.

ROB ZOMBIE “VENOMOUS RAT REGENERATION VENDOR” (2013), ATRONADOR RESURGIR ZOMBIE, YEAAHHH!!!


Uno de los discos que últimamente no me quito (ni he querido quitarme) de la cabeza es el último trabajo de Rob Zombie. Este álbum, de nombre tan exquisitamente serie ‘B’, oséase “Venomous Rat Regeneration Vendor”, ha sido como ‘quitarse las legañas’ con el hiperactivo Rob. Sus trabajos en solitario (musicalmente hablando, claro está) no me disgustan, de hecho sus dos primeros discos “Hellbilly Deluxe“ y "The Sinister Urge" tenian muy buenos momentos a pesar de su cada vez mayor abuso de las bases electrónicas, de la pesadez cadenciosa de sus riffs y, ¡joder!! cómo no, de sus típico/tópicos -‘Yeahhh’s’- cada cinco segundos, pero bueno, todo esto parece haberse pulido mucho más ofreciendo un Zombie hambriento de verdad, desperezándose de su letargo lleno de ‘tics’ y pesadas atmósferas.

Desde ya mismo podría afirmar que es el que más sigue la estela de aquella banda madre que le dio la fama y por supuesto os hablo de White Zombie, una de mis bandas favoritas de los 90’s, a la misma altura que Kyuss, Monster Magnet, Tool o Marilyn Manson. Todavía recuerdo, como si fuese ahora mismo, cuando fui a una de las tiendas más oscuras –pero más especializadas- en música en el centro de Valencia buscando un tesoro que no pensaba encontrar, buscaba aquel mítico “La Sexorcisto: Devil Music Vol. 1” y cuando lo encontré me puse nerviosísimo, intentaba imaginarme lo que podría contener, ¡me quemaba en las manos os lo juro! y no tardé en ir a casa, tumbarme en mi cama con la habitación totalmente a oscuras dejándome llevar por aquel viaje retorcido y cachondo a los infiernos de la mano del ‘Zombie Blanco’. Amor FREAK a primera vista. Obsesión bizarra por aquellas ilustraciones recargadísimas llenas de zombies, no-muertas sexys, payasos psychos, espectros oscuros, calaveras carcajeantes y demás fauna monstruosa.

Luego vino “Astro Creep 2000” con aquel enorme “More Human Than Human”  como adelanto que no hizo más que confirmar la grandeza de una banda que, por fuera, se hicieron verdaderos pesos pesados de aquella década siendo cabezas de cartel en los irrepetibles festivales de aquella época, pero que por dentro se resquebrajaba irremediablemente con un Rob cada vez más endiosado y alejado de sus compañeros.

Pero después de la ‘morriña 90’s’, vayamos al disco, ¡Demonios!!!



A pesar del cadencioso e industrial “Teenage Nosferatu Pussy” (gran título para comenzar pupilos!!) que parece seguir la sonoridad de sus últimos trabajos, en líneas generales la cosa funciona a mil revoluciones notándose que la maquinaria Zombie está bien engrasada y compacta con un más que presente John 5 que hace una grandísima labor en todo el álbum (¡muérete de envidia Manson!) adaptándose como un guante a las ideas de su jefe; un Ginger Fish atronador y contundente, muy en primer plano, que ya no tiene miedo de que le rompan el ‘kit’ de batería y algún que otro hueso (también lo dejaste escapar ‘Reverendo’!); y un bajista muy bien compenetrado con Fish como es Piggy D., aunque quizás sea el que menos destaque. En cuanto a Rob, bueno, los fraseos, los ‘Yeahhh’s’ y esa manera de berrear tan particular siguen ahí, son marca de la casa, pero se nota un esfuerzo a la hora de querer cantar que no notaba en sus otras producciones anteriores, incluso en White Zombie.


Le sigue uno de los ‘highlights’ del disco, el grandísimo y esquizoide “Dead City Radio and the New Gods of Supertown” (otro enorme título!), pegadizo a más no poder, poderoso, enérgico, bailable en cualquier fiesta ‘zombie’ con un ‘puente’ que me recuerda (creo) que a “The Four Horsemen” de Metallica.



"Revelation Revolution" será uno de los himnos en sus conciertos veraniegos a lo largo y ancho de la geografía estadounidense. Con una sonoridad muy 70's, sobre todo con esos teclados 'Hammond', el 'track' es una delicia 'retro' que nos remite a la década de Deep Purple, Uriah Heep, etc,...

Tras el interludio exótico con sitares de "Them from Rat Vendor", que nos retrotrae irremediablemente a "Astro Creep 2000", viene otro de los temas más pegadizos (si no el que más) del disco con "Ging Gang Gong De Do Gong De Laga Raga". Un título abstracto y sin sentido (muy a lo Marilyn Manson) pero que luce de cojones en el estribillo y que también hará las delicias del público Zombie por su pegadizo ritmo.


"Rock And Roll (In a Black Hole)" es uno de los tracks que más me gustan, aquí el humor y el cachondeo se entrelazan endemoniadamente con la potencia y el desgarro. Con dos partes bien diferenciadas, la primera electrónica y sideral y la segunda eléctrica y asesina, la banda está que se parte, yendo todos a una y con una mala hostia acojonante.



Con "Behold!, The Pretty Filthy Creatures" la maquina industrial se vuelve a calentar a niveles de escándalo con, otra vez, ese sabor 'vintage' que le aportan los teclados setenteros. Me gusta mucho también éste tema y John 5 saca fuego de su instrumento. Le viene después "White Trash Freaks" con, de nuevo, un John 5 a niveles estratosféricos ahogando y retorciendo ese 'solo' inicial, buenísimo estribillo de nuevo por parte de Rob y de nuevo un tema perfecto para sus shows (a este paso, ¿Alguno no lo sería?).

"We're An American Band", ¿uno de los temas más versioneados del rock'n'roll? es aquí pervertido de una forma deliciosa, como si hubiese salido del imaginario de Rob Zombie a pesar de su reconocible 'riff'. No es mi tema favorito del trabajo pero Zombie sabe cómo hacer un buen 'cover' y aquí queda la prueba.

Me quedan tres temas por comentar y uniré los cañeros y atronadores "Lucifer Rising" en donde parece que el tema de Manson, "1996", le haya servido de inspiración, y el último "Trade In Your Guns for a Coffin'" que dejan bien a las claras que los guitarrazos han vuelto al mundo de Rob Zombie ¡Y Cómo!. Había ganas de que se dejase ya de tantas programaciones y que el nervio y la potencia rockera nos dejase con los cojones bien prietos. Desde luego John 5 está descomunal, sobre todo en "Lucifer Rising".

Me dejo para el final "The Girl Who Loved The Monsters", un tema oscuro y tenebroso pero con mucha marcha, con acertadas programaciones y con un 'groove' jodidamente bailable que se entrecruzan con guitarrazos y los 'samplers' habituales en el imaginario sónico de Rob. El final, densisimamente industrial, es tremendo con esas guitarras saturadísimas hasta el infinito.

Llegados hasta aquí, ¿os habéis quedado ya con el título del álbum?, tanto si sí como si no, no importa lo más mínimo, ahora que los zombies son más famosos que nunca con la serie "The Walkin' Dead", con zombies que aparecen también tanto en Bob Esponja como en muchas otras series de animación infantiles (y podría enumerar unas cuantas) creo que la propuesta de Rob Zombie está más vigente que nunca, y si encima viene embrutecida y encrudecida con guitarrazos asesinos y un lavado de cara más directo e 'in your face' sólo me queda por deciros que ya estáis corriendo a vuestra tienda (virtual o no) más cercana y que os compréis este gran trabajo.

Para este Pupilo OTRO de los discos del año.