FRANK SUZ NEWSSS: PRESENTACIÓN DE "TODO LO QUE SEPAS" + FRONKONSTIN!!!

Se prepara una bien gorda para el próximo viernes, 13 de octubre, en la Peter Rock Club de la Ciudad del Turia. Ni más ni menos que el ínclito y juguetón FRANK SUZ con la banda al completo (quinteto + vientos) realizando un avance/defensa de su inminente nuevo álbum, Reza Todo lo que Sepas (2023), que verá la luz (o las tinieblas, según se mire), el mismo día de Halloween el próximo 31 de octubre. Salta que te sigo contando más cositas sorprendentes...

TOP F***ING 10 SPANISH ALBUMS 2022... AND OTHER 'CALIENTES' HITSSS

Jolly Joker

Turno para los discos de aquí, para los nuestros, para ese Rock'N'Roll y su periferia estilística que nos toca muy de cerca y que está ahí, delante de nuestras narices. Sólo hace falta rascar un poco para comprobar, como dije en el post anterior, que nuestra música favorita sigue vivita y coleando, en un gueto, eso es innegable, hay que reconocerlo, pero que está pidiendo a gritos despuntar y abrirse un hueco tanto en la escena nacional como internacional, aunque no les dejen. El talento 'Spanish' existe, se están haciendo cosas interesantísimas dentro de nuestras fronteras, la pasión por la música (de verdad) sigue intacta y en este 2022 han salido una burrada de discos enormes a los que intentaré dar visibilidad por aquí como merecen (la gran mayoría de ellos gozan de su reseña en esta casa o en Criaturas Salvajes). Eso sí, por motivos de espacio y porque creo que otros discos ya aparecen en muchas partes, caso de los enormes trabajos de The Electric Alley, Crisix, Hiagen, Niña Coyote... o Star Mafia Boy entre otros... he de cerrar la lista en quince más dos 'bonus'.

ADVERTENCIA: No existen un orden y unas preferencias claras (algo me guardo para mí), este listado tiene una intención sana a la hora de que descubráis la gran variedad de propuestas de nuestro producto nacional ROCK.

RECORDATORIO: Como en el de 'Internacionales', las portadas están 'linkadas' a los correspondientes discos en Spotify. Es fácil, 'pinchas' y vas haciendo las correspondientes 'catas' mientras lees las mini-reseñas.

Con todos vosotr@s, el TOP F***ING 10 ALBUMS 2022... AND OTHER 'CALIENTES' HITSSS!!!

FRANK SUZ "MAMBO VOODOO" (2022), EL DIABLO HA MUTADO EN UNA 'MÁQUINA DE HUESOS'!!!

NOTA: 90%

Os había prometido volver a nuestro producto nacional en forma de 'Oleadas Stoner' pero he de recular... ¡se me había pasado que por fin me voy a estrenar en directo con FRANK SUZ!, ¡y no he reseñado todavía su recién estrenado segundo disco!. El evento será el próximo viernes 27 de mayo  en Valencia. Ya hice un promo-post hace unas semanas versado en su primer sencillo de adelanto y en las primeras defensas de Mambo Voodoo (2022) por lo que, como último apoyo promocional antes del ansiado concierto para quien suscribe, toca hacer la reseña de rigor ahora que estamos dándole bien duro a un disco que es pura magia envuelta en rituales oscuros y mucho sonido New Orleans. ¡Pasen!, ¡¡¡Pasen y vean cómo se las gasta el Barón Samedi!!!...

POR AMOR A LA MÚSICA: DJANGO REINHARDT, DIGITACIÓN GITANA, FLORES INCENDIARIAS, UN VIOLÍN INSPIRADOR!!!

Le temía mucho a esta ronda de 'Por Amor a la Música' para qué vamos a engañarnos, y es que no he tenido mucho éxito a la hora de encontrar los  'discapacitados' que nos ordena Josi, del blog '67rockbiker', que se convierte esta semana en el mandamás del juego. Ya sabeís que nos encontramos en el nivel/clave: MÚSICOS CON ALGUNA DISCAPACIDAD en donde el que manda propone uno de estos 'handicaps' y Josi nos lo ha puesto realmente jodido para encontrar algo que se salga de lo que todo DIOS conoce. La discapacidad elegida para esta semana es: MÚSICOS CON ALGUNA AUSENCIA DE UN MIEMBRO PARCIAL O TOTAL, DE FORMA CONGÉNITA O POR ACCIDENTE/MUTILACIÓN.

Su opción/músico semanal era realmente obligada, la más clara y contundente quizás pero no por ello menos interesante porque es el perfecto ejemplo de que la música y la pasión por el instrumento mueve montañas y derriba todas las limitaciones posibles a la hora de continuar creando canciones y de sentir el calor de tu público en un escenario. Rick Allen, el batería de Deff Leppard ha sido su gran elegido en un cojonudo tributo que 'el Rockbiker' se ha marcado.

POR AMOR A LA MÚSICA: HERB ALPERT & LANI HALL "I FEEL YOU" (2011), EL AMOR Y LA CLASE HASTA QUE LA MUERTE NOS SEPARE.

¡Mira que le tenía miedo a esta semana y a Bernardo como 'patrón'!, si hay algo que caracteriza a este 'deluxe blogger' es su condición imprevisible y sus inabarcables conocimientos musicales en todo tipo de géneros, estilos, épocas,...No era capaz de hacerme una idea o intuir, ni tan siquiera un poquito, en qué consistirían los tortolitos amorosos que le tocaba proponer en su semana de turno en "PAALM" y ni tan siquiera en esos cuatro posts que ya tenía preparados, como afirma, se me hubiesen pasado por la cabeza, bueno sí, el de Wonder/Syretta....pero...¿El de Tony Luz & Karina?!?!?!?....NO WAY MAN!!!.

Al final se ha decantado por otros grandísimos desconocidos para el que os escribe, la CLAVE SEMANAL: HERB ALPERT & LANI HALL en donde 'El Patrón' Bernardito, de "Mi Tocadiscos Dual" nos propone un disco que tengo que descubrir pero ya mismo, el primer disco en solitario de ELLA, Lani Hall y su debut "Sun Down Lady".

POR AMOR A LA MÚSICA: PETE JOLLY & TOM WAITS "SWORDFISHTROMBONES" (1983), LA 'MÁQUINA DE HUESOS' SE GESTÓ AQUÍ!!!

¿Quien iba a pensar que el final de esta ronda de 'P.A.A.L.M.' llegaría tan rápido?. Si, es cierto, al principio se nos atragantó a algunos de nosotros, y un servidor se pone el primero, pero para adquirir nuevos conocimientos y controlar un poquito de Jazz hubo que sufrir y sudar en un principio (¡ya lo decía aquella profesora de "Fama"!) y cambiar la estrategia a la hora de decantarte por la opción semanal elegida. Tocaba buscar más y mejor, había llegado el momento de hilar fino y aventurarse en mundos y submundos desconocidos para muchos de nosotros. Desde luego, y creo mis compañeros de juego estarán de acuerdo conmigo, el aprendizaje ha sido brutal pero la asimilación de nuevos sonidos,que pensabas que nunca te entrarían tan bien lo ha sido mucho más...¡Y eso que nos hemos quedado en la superficie!!. Este nivel ha sido tan importante y crucial que hasta tuve que pasar una crisis 'P.A.A.L.M.' (je,je) en la primera o segunda ronda (estuve a punto de tirar la toalla) para darme cuenta después del ancho mundo que se me abría ante mis ojos y oidos.

POR AMOR A LA MÚSICA: BILL SUMMERS & HARRY CONNICK JR. "SMOCKEY MARY" (2013), DESENFRENO RÍTMICO EN NEW ORLEANS!!!

Se nos acaba casi la manga de instrumentistas Jazz en discos de Rock'n'roll/Pop y hay que disfrutarla amigos porque pronto será historia. Bernardo de Andrés, del blog "Mi Tocadiscos Dual", propone algo curioso, que me ha sorprendido, porque quizás el/los instrumentos es/son de percusión podría parecer que son los que más pasan desapercibidos, como esos actores de reparto que siempre están pero que nunca te enteras de lo importantes que son en una obra de teatro o en una película para cubrir la realidad de un guión y el desarrollo de una trama cinematográfica, bueno pues lo mismo pasaría en el jazz dándome de morros con algo que no esperaba y es la relevancia de estos percusionistas, no ya sólo en el jazz sino en la música en general, a pesar de que se encuentren 'al fondo' en muchas ocasiones. El caso es que LA CLAVE de esta semana es LA PERCUSIÓN E INSTRUMENTISTA/PERCUSIONISTA JAZZ. El colega Bernardo (¡cómo te admiro amigo!) nos ha sorprendido con, no uno sino dos!, discos de Jim Capaldi, "Oh How We Dance" y "Short Cut Draw Blood" con la reseñable colaboración de Rebop Kwaku Baah que a buen seguro hará las delicias de todo aquel que tenga una mente inquieta y libre de perjuicios estilísticos y sonoros.

POR AMOR A LA MÚSICA: GEORGE DUKE & MICHAEL JACKSON en "OFF THE WALL" (1979)

De nuevo entramos en el juego "Por Amor a la Música" Pupilos. Esta semana 'El Patrón' es Josi, del blog "67 Rockbiker" con un acertadísimo post sobre "The Afterman: Descension" de Coheed and Cambria con la colaboración del pianista John Medeski. Como es obvio, el instrumento de esta semana es EL PIANO (en su más amplia definición permitiéndose todo tipo de TECLADOS) que debe ser tocado por un instrumentista de Jazz en un disco de Pop o de Rock'N'Roll.

'Press Triangle' and 'Don'st Stop.....'Til You Get Enough'!!!



Como era de preveer, con el piano siendo un instrumento protagonista desde el mismísimo nacimiento del Jazz también cuenta con verdaderos colosos de los teclados, gente que ha marcado un antes y un después en la ilimitada creatividad que se le presupone a un género como el Jazz y en todas y cada una de las décadas y estilos por los que se ha ido bifurcando, grandes como Count Basie, Chic Korea, Bill Evans, Herbie Hancock, Keith Jarret, Sun Ra, Thelonius Monk, Tete Montoliu, etc, y este sí que es un largo etcétera porque la lista es interminable amigos.....

Mi opción como pianista/teclista ha sido, fortuitamente, George Duke, y digo fortuitamente porque estaba preparado para atacar con Herbie Hancock con aquel básico "Head Hunter" del '73 que me tiene 'tontito' pero, me asaltaban las dudas, no estaba seguro sobre si no era una colaboración en un grupo de rock/pop por ser un proyecto creado por Herbie y, además, que este debut de Hancock con The Headhunters suena a 'funk jazz' y muy poco a pop o rock. Pero bueno, George Duke 'On Air'...



Pues bien, este californiano se inició en el mundo del jazz desde bien jovencito tocando el trombón y el contrabajo en un trio de jazz en garages y clubs cutres. Muy pronto se inició con el piano y los diferentes teclados en los 60's que ya empezaban a dar que hablar en el pop y el rock'n'roll pero su prueba de fuego para consagrarse en la primera división del R & B y el jazz fue como 'performer' para la orquesta de Don Ellis, la Cannonball Adderley Band, así como tocando en directo y grabando con el violinista Jean-Luc Ponty que fue el responsable de unir la carrera de Duke a la de Frank Zappa pues se convirtió en su pianista/teclista principal en toda la década de los 70's (desde "Chunga's Revenge" (1970) hasta "Sleep Dirt" (1979)).

Por esta colaboración con el genio loco de Zappa siempre será conocido pero no hay que descuidar la extensa carrera como solista con más de 30 álbumes y sus colaboraciones con Phil Collins, Al Jarreau, Stanley Clarke, Billy Cobham, etc, así como de productor del mismísimo Miles Davis en álbumes como "Backyard Ritual" y "Cobra"....Su estilo propio, personal e intransferible siempre se movió en las postrimerías de la 'jazz fusion' pero también el funk y el R & B tuvieron mucho peso, así como sus incursiones sin ningún tipo de prejuicios en el mundo del Pop, la Disco y el Soul.

Murió el pasado 5 de agosto por lo que me gustaría que sirviesen estas humildes palabras como un tímido pero sincero homenaje a un hombre que ha dado tanto por la música.

Y hablando de pop, disco, soul y funk, como era de preveer con la foto de la cabecera de esta entrada me he decantado por el "Off The Wall" (1979) del 'Rey del Pop', ¡Cómo no!!...

Menuda portadita la que publicó en aquellos años 'Jacko', eh?. Bien, "Off The Wall", además de ser el quinto disco de Michael Jackson en solitario, digamos que fue su verdadera prueba de fuego y asalto muy en serio a la fama internacional y al estrellato más multitudinario. Dejando atrás su carrera con la Motown fue su primer trabajo para Epic Records y la primera colaboración con el archiconocido productor, compositor e instrumentista Quincy Jones, la magia entre los dos surgió de inmediato convirtiéndose en íntimos amigos, además de en un tándem compositivo insuperable que cuenta con la trilogía sagrada de Michael con "Off the Wall" y los archiconocidos y superventas "Thriller" (1982) y "Bad" (1987).

Para este álbum, Michael quería hacer algo que rompiese con el 'soul funk' de sus discos anteriores, quería algo más inmediato, algo no ya tan centrado en la melodía sobre todo y ante todo, sino también en darle mucha importancia al 'groove' a través de zambombazos 'disco' y algo de 'soft rock' y baladas con una clara intención pop. Michael quería llegar a las masas sí o sí, tanto fue su entrega junto al productor Jones que compuso y completó más de 30 canciones al lado de éste así como del crucial para Jackson, Rob Temperton además de dejarse querer por la magia compositiva de dos grandes como Paul McCartney y Stevie Wonder que le cedieron ambos una composición propia. A esto se le llama' trabajar duro dia y noche' para sacar algo magistral....je,je.



Para mi gusto personal, si bien es cierto que descubrí "Off The Wall" tras la reciente muerte de Jacko, me parece, de todas todas, un disco que en conjunto es muy superior a "Thriller" por mucha 'coreo zombie', mucho "Billy Jean" y "Beat It" que contenga, no soporto las baladas babosas de ese álbum y la cara 'B' me parece muy floja, pero bueno, 'is my opinion'... Con respecto a compararlo con "Bad" ya esto es 'harina de otro costal', "Bad" es inalcanzable para mí.

Pero volvamos a "Off The Wall", Michael también quiso imponer una atmósfera guarrindonguilla más presente de lo que tenía acostumbrado con Motown porque no sólo se sentía libre compositivamente, sino también a nivel de lo que quería provocar en el oyente, como si quisiese que sus fans escuchasen el álbum dentro de una discoteca llena de 'titis' a las que cortejar de la forma más provocativa. La cantidad de ruiditos y rasgados vocales, jadeos, grititos y susurros se hicieron más evidentes que nunca teniendo a un referente e influencia clara como Stevie Wonder en este tipo tan peculiar de sucia y sexual interpretación vocal.

El disco no puede empezar de mejor manera con una composición propia de Jackson, "Don't Stop 'Til You Get Enough" una composición netamente 'disco' repleta de 'groove' (George Duke se luce justo al final), al igual que las rompepistas "Rock With You", más melosilla/poppie y con unos teclados finales de Duke muy molones y "Get On the Floor" más desconocida pero una de las joyas escondidas de este album sin ninguna duda con ese ataque rítmico y 'tribal' lleno de grititos y gemidos varios. Tres joyacas 'disco/funk', sin discusiones.



Mentiría si dijese que a mí el Michael que más me gusta es el más sucio, agresivo y tremendamente sexual y en "Off The Wall" tenemos este 'rol' perfectamente encarnado en la ya mencionada "Get On the Floor" y las ardientes y funkys "Workin' Day and Night" con la impresionante pirotecnia vocal del cantante desplegando todo tipo de sonidos con sus cuerdas vocales, la disco/soulera "Off The Wall", qué estribillo y coros Pupilos,...y "Burn the Disco Out" con una línea de bajo tremendísima y perfectamente ensamblada 'a contratempo' con el piano de George Duke, ¡Increíble amigos!!, ¡Qué bandaza que se gastaba 'Wako Jacko'!.

Pero también hay POP con letras mayúsculas, ¡Y del bueno!!!, aquí tenemos la aportación de 'Macca' en "Girlfriend" siendo ya uno de sus padrinos en el 'mainstream' musical como también lo eran Stevie Wonder y Diana Ross. Si hubiese sido cantada por el ex-beatle hubiese sido una de sus clásicas composiciones melosas. La balada poppie "She's Out of My Life" era una composición que ya tocaba Michael en sus conciertos antes de ser grabada para el álbum, un tema meloso también pero no baboso, esta es la gran diferencia con las baladas babosillas de "Thriller" y "Bad", una canción que me llega, la veo real. George Duke traza un acompañamiento en primer plano perfecto y aterciopelado para esta interpretación tan suave. "It's The Fallin In Love" también es claramente de intenciones pop con mucho funk por los alrededores, es la que menos me llama del álbum pero un temazo, sin duda.

Y cierro con la otra joya escondida del álbum junto a "Get On the Floor", os hablo de la 'jazzy' "I Can't Help It" que es la composición que le cedió Wonder. Michael y Quincy se lucieron, ¡joder si lo hicieron!!!. Una atmósfera jazz indiscutible, unos teclados de Duke acuáticos, atmósféricos junto al rítmico bajo y, WOW! la interpretación de Michael con este registro jazzístico y ese pegadizo estribillo que no se me quita de la cabeza.

POR AMOR A LA MÚSICA: JONI MITCHELL & WILTON FELDER EN "RAISED ON ROBBERY", album "COURT AND SPARK" (1974)

Mientras ayer hacia la estructura de la entrada con la composición de videos e imágenes, me dió por comprobar si algún jugador había lanzado ya su propuesta y veo que vamos a coincidir Master "Forrest/TSI" y un servidor en la artista aunque, menos mal, no en el disco.

Cogemos 'la pelota del tejado' lanzada por Vinny Gonzo, del blog "Vinny, Vidi, Vici" que le toca dominar el barrio de "Por Amor a la Música", proponiendo EL BAJO (me lo esperaba, como no) como instrumento para ser tocado por un INSTRUMENTISTA JAZZ haciendo una colaboración en un disco de pop/rock. En su caso, su 'post' me ha dado una de las alegrías de la semana hablando de uno de mis grupos fetiche en el mundo del 'power pop', el maravilloso y bellísimo "Bellybutton" de Jellyfish, ¡WOW, no me lo esperaba Vinny!!. Gonzo se ha currado un postazo trabajadísimo pero a su vez lleno de pasión por una música que, como él dice, 'le ha robado el corazón', ¡Y como no!!, con semejante bandaza de melodías tan sublimes. Tengo que recuperar este disco ya!!!

Mi opción en el mundo de los bajistas jazz ha sido Wilton Felder y me he sentido tentadísimo a escoger a Jaco Pastorious o a Charles Mingus (no con Joni Mitchell) por desconocimiento ante semejantes monstruos del instrumento pero me suponía que algunos de los concursantes ya lo harían, aunque no pensaba que sería con la misma artista como con Forrest y su post sobre Joni Mitchell en "Mingus". Max Bennet también estaba entre mis elegidos, me llamaba también la atención este músico.

Wilton Felder siempre se le asocia con la banda de funk/jazz/soul The Crusaders, a parte de tocar el bajo eléctrico se le conoce muy mucho (yo diría que más) por su dominio del saxo pues ya desde sus comienzos en Houston en los 50's en la banda 'Swingsters' (con Joe Sample, Stix Hooper, Hubert Laws y Wayne Henderson) era su instrumento principal. Felder & Cia se trasladaron a California a finales de la década del rock'n'roll para cambiarse el nombre por 'Modern Jazz Sextet' pero se conoce que no les gustó demasiado como quedaba porque no tardaron en cambiarlo a Night Hawks, un nombre con mucho más gancho.

Ya en los 60's, el nombre y las intenciones estilísticas siguen en evolución constante porque empiezan a mezclar jazz con otros géneros, en concreto el 'soul', grabando para el sello Pacific Jazz bajo el nombre ya de 'The Jazz Crusaders'. Ya en los 70's, combinando más el saxo con el bajo y cambiando de compañía (¡y nuevamente de nombre!), los reformados The Crusaders evolucionarían hacia terrenos 'funk' con una clara intención 'jazz fusion'. La banda viviría sus momentos más gloriosos en esta década y Felder viviría todas sus encarnaciones y nuevas formaciones hasta el día de hoy. En cuanto a las colaboraciones de este hombre son, wow!!, casi infinitas, te pierdes con la cantidad interminable de colaboraciones y diferentes cameos que este hombre a hecho para muchos de los grandes, caso de Joan Baez, Stones en la gira del '75, Bobby Womack, Jackson 5, Nancy Wilson y un larguísimo e interminable etc....

....del que me he quedado con la fundamental JONI MITCHELL por continuar rellenando lagunas femeninas como me pasó con Emmylou Harris, Pat Benatar y Debbie Harry. Ahora sí es el momento!, press 'PLAY'!!!



Esta gran mujer y artista nunca me llamó excesivamente la atención hasta que, de nuevo, Master TSI la citó en la ronda de 'saxofonistas' y ahí me picó mucho la curiosidad, más que nada por omisión, porque no quiso hablar de ella en aquel momento provocando el efecto contrario en mí, pues deseé conocer su música y sus discos como nunca antes lo había sentido.

Sus primeros cinco discos están cimentados en el folk con tintes pop y ya en esta época se convirtió en lo que mucha gente neófita (como es mi caso) sabe de la cantante en tanto en cuanto a icono de la generación Woodstock y el 'flower power'...craso ERROR el mio...

He escogido "Court and Spark", el sexto disco de la Mitchell, porque creo que es una opción inmejorable para entrarle a su carrera, y no sólo porque colabora nuestro protagonista Wilton Felton y ser uno de sus discos más exitosos, sino también porque este álbum inicia una nueva via artística, una futura nueva etapa en los 70's coqueteando poco a poco con el jazz pero también con el pop y eso me ha llamado muchísimo la atención por el riesgo que eso le tuvo que suponer y...¡porque no tenía demasiadas ganas de meterme en un trabajo 'folkie'!.

Después de "For The Roses" (1972) y el éxito que obtuvo, Joni se tomó su tiempo para componer su sexto álbum, era la primera vez que se tomaba tanto tiempo para confeccionar un disco pues estaba acostumbrada a sacar un disco por año pero mereció la pena, el cambio estaba empezando a gestarse y la Mitchell quiso dar un giro a su música en este disco añadiéndole matices sin romper con sus raices 'folkies'. Os puedo asegurar que estoy completamente complacido, como ya he dicho antes no me hacía mucho la idea de encontrarme con un disco integramente 'folk' y "Court and Spark" desde luego que no lo es porque aquí hay un poquito de todo, canciones rematadamente pop, folk con mucha clase, ramalazos jazzisticos, y alguna pincelada de rock'n'roll y funk. Es un discazo como la copa de un pino, no lo definiría ya como una obra maestra porque me faltaría asimilarlo más pero se le queda muy cerca. ¡Qué canciones!!

Los primeros singles no pudieron ser más acertados porque aquí tenemos uno de sus incontestables 'hits', "Help Me", que ya denotaba cierto cambio, con sonoridades 'jazzys' muy claras pero con omnipresencia pop...



Pero con el tema que yo me quedo para resaltar la labor de Winton Felder es, como no, el más rockero, no es el tema en el que más se luce el bajista o en el que más se le oye pero es en el que más nervio y desparpajo tiene toda la banda y la Mitchell con sabores campestres pero muy rockeros. La composición comienza en plan 'doo woop' con unas armonías vocales que ya anuncian un tema optimista y la mar de divertido, pero aquí también se mete un 'solo' genial de saxo y otro segundo de guitarra eléctrica que lo realiza el mismísimo Robbie Robertson de The Band. Increible.

Pero es que el tema que le sigue (y hablamos ya del penúltimo corte) me tiene hipnotizado, aquí el jazz está claramente presente como lo está la atmósfera 'funk' acompañando a la cantante con unos coros 'soul' chulísimos y unas trompetas cojonudas. El bajo tan sexual, tan 'funky' que se oye aquí corre a cargo de Max Bennet, otro grande del instrumento.

Pero "Court and Spark" no tiene ni un tema de relleno, joder!, me han gustado absolutamente todos y, aunque a estas alturas ya pueda sonar a tópico con las mujeres que estoy descubriendo últimamente, para mí ha sido un auténtico descubrimiento del que voy a seguir disfrutando todo este fin de semana. El folk que caracteriza la primera etapa de su carrera copa todavía mucho espacio aquí con "Free Man in Paris", que está basada en un viaje a París que hizo con su íntimo amigo David Geffen, el tema cuenta con los cameos en los coros de ni más ni menos que David Crosby y Graham Nash. También hay mucho 'folk' y del bueno en "Just Like This Trains" muy Neil Young/toques jazz, "People's Parties" (¡menuda interpretación vocal de la Mitchell!!), "Same Situation" pero acompañada de su piano y querencia pop, es en este punto donde compruebo claramente lo mucho que le debe Tori Amos a esta gran mujer, esas melodias...

Pero el tema que más me está atrapando en estos momentos es el majestuoso "Down to You" que comienza con una suave línea de piano y que tiene cambios inesperados, que te va llevando poco a poco a otro nivel, entre las nubes, con esos coros 'gospel' y que acaba con unas cuerdas hermosísimas. Tori Amos seguro que siempre amó este tema, pondría la mano en el fuego.

No quería cerrar este reseña sin hablar de "Twisted", qué maravilla diosss!!. Supongo que en aquella época y para los fans de Joni tuvo que ser una auténtica voladura de cabeza escuchar un tema tan alejado de su sonido folk porque "Twisted" se nutre instrumentalmente del bajo de Wilton Felder (ahora sí, en primer plano) y la trompeta en un tema sencillo y vacilón de corte 'swing jazz' en donde la cantante nos demuestra con su garganta que puede regresar a los años 30 y 40 sin problema y liderar una 'big band' si se le antojase. Este 'aviso' final ya sí que iba a ir en serio para futuros trabajos a pesar de parecer el típico tema final de un disco en donde te desmarcas un poco de tu estilo y de tu cancionero más conocido.

A partir de aquí, el nuevo camino para Joni Mitchell se abría lleno de posibilidades tras el éxito masivo de "Court and Spark" pero no se durmió en los laureles haciendo pop folkie sino pariendo discos en donde el jazz era el nexo de unión de todos los estilos y géneros que esta mujer dominaba. Luego vino "The Hissing of Summer Laws" (1975), vino Jaco Pastorious, vino Charles Mingus...

Me despido esta semana con una interpretación en directo obligada de "Raised On Robbery"...

Rock & Roll!!!

POR AMOR A LA MÚSICA: HAWKWIND & GINGER BAKER "SPACE CHASE" del álbum "LEVITATION" (1980)

Mi turno en el Juego de Juegos de la blogosfera. Después de dos semanas viéndomelas ciertamente 'canutas' para ofrecer algo a la altura, por desconocimiento principalmente, he empezado a ver la luz poco a poco. Es tan complejo y diversificado hasta el infinito el mundo del Jazz que uno llega a agobiarse con tantas referencias, géneros, colaboraciones...¡Y eso que nos estamos centrando en un instrumento por semana!...¡Jesús!

Toca proponer un INSTRUMENTO/CLAVE para empezar y después de dudar y dudar, me he quedado con LA BATERIA. Siempre me atrajo este instrumento de percusión eternamente asociado al rock'n'roll, pero me doy cuenta de todavía ha estado más asociado al mundo de jazz desde sus inicios. Grandes bateristas han surgido de todos y cada uno de los movimientos y estilos, así, a bote pronto en el 'dixieland' tendríamos a Baby Dodds, en el estilo 'Chicago' a Gene Krupa. Gene Clark y Max Roach dentro del 'swing' fueron los referentes principales para que la batería alcanzase un lugar protagónico en los combos jazz, añadiendo melodías en lugar de ser un mero acompañante rítmico. Pasando al 'free jazz' 60's citaré entre otros a Tony Coleman y Billy Higgins, ambos siendo parte 'contratante' de las bandas de Miles Davis y Ornette Coleman respectivamente, ¡ahí es nada!; con el 'jazz fusion' y el 'jazz rock' la cosa se diversifica hasta el límites insospechados, inabarcables, empiezo a reconocer nombres y bandas porque aquí se encuentra el que, en un principio, iba a ser mi primera opción, Billy Cobham y su proyecto con Dreams pero mi 'soulseek' no rastreó como debiera y encontró tarde y mal el álbum (¡FUCK!), pero también estaban ahí Robert Wyatt, Phil Collins, Bill Bruford y un largo etc, del que no continuaré para no agobiar con tanto dato y para no parecer un 'falso erúdito' cuando ni tan siquiera controlo lo mínimo de jazz.

Como ya os podéis haber dado cuenta por la imagen y porque por supuesto faltaba en el breve recorrido de bateristas de más arriba, mi opción como 'instrumentista jazz' ha sido uno de los grandes bateristas de todos los tiempos y del que ya hablé hace poco haciendo la reseña del Sunrise of the Suffer Bus" de Masters of Reality, el excepcional y privilegiado Ginger Baker, principalmente conocido por la masa por formar parte de Cream junto a Jack Bruce y 'manolenta' Clapton.

El legado de Baker es grandioso, y no sólo por su discografía junto a Cream sino porque convirtió la figura del baterista en estrella junto a, podríamos decir y sin ir más lejos, Ringo Starr. Su estilo es realmente espectacular, muy vistoso y agradecido, y una de sus primeras fijaciones y puntos de partida además de los grandes percusionistas jazz fue la pegada y la tendencia a la improvisación instintiva de otro grande del rock'n'roll, el inigualable Keith Moon.

Sus proyectos y colaboraciones son realmente interesantísimas, entre otras Blind Faith junto a Clapton y Steve Windwood con una portada de las que hicieron época, BBM ya en los 90's con Baker, Jack Bruce y Gary Moore, el disco de Hawkwind de 1980 "Levitation", el citado más arriba álbum de Master Of Reality junto a Chris Goss, etc...y esto tan sólo en el mundo del rock'n'roll porque si nos vamos al jazz con sus proyectos de fusión 'jazz/rock' en los 70's con Ginger Baker's Airforce, Baker Gurbitz Army y su extensa carrera en solitario con un disco que parece clave como "Stratavarious" (1972) junto al pionero del 'afro beat' Fela Kuti e incesantes experimentaciones de 'jazz/fusion/étnica' africana ya deja bien claro y trituradito el significado y la embergadura del arte a las baquetas de este GIGANTE de la batería.

No os perdáis, ¡Ni por un segundo! esta actuación con Ginger Baker's Airforce en la que el baterista hace un 'solo' (desde 1:44) con su instrumento que os va a dejar babeando, ¡os lo aseguro!...



Pero tenemos que centrarnos definitivamente en las directrices del juego y Ginger Baker debe colaborar en una canción o disco de pop o rock'n'roll en esta manga de "Por Amor a la Música" y yo me he ido por una banda (¡¡otra!!) a la que le tenía unas ganas horribles gustándome como me gusta el 'space rock'. Si Ginger Baker fue un pionero con su instrumento, Hawkwind fueron también pioneros pero con un estilo, el rock más lisérgico y pasado el vueltas, el rock sideral o espacial. Ahora que estoy flipando y celebrando "Last Patrol" de Monster Magnet con ese 'comeback' ácido a sus primeros tiempos más psicodélicos y espaciales, sentía que no debía pasar esta oportunidad para con uno de sus referentes e influecias claves como lo han sido siempre Hawkwind, a pesar de que no pertenezca a su magistral discografía 70's.

Alucina entre 'Venus & Marte' con "Space Chase"!!!...



Si continúas 'el viaje' aquí te contaré que la banda de Dave Brock encadenó hasta pasada la mitad de los 70's una serie de discos magistrales que ningún amante de los sonidos duros y progresivos (perdidos en una nube alucinógena) debería perderse, pero Hawkwind empezó la década de los 80 en muy buena forma tras el sonado bajón de su anterior "PXR5" (1979), la banda sufrió a finales de los 70's una crisis de identidad mutando del Rock Progresivo con tintes alucinógenos a las atmósferas 'new wave' y, en algunos momentos, electrónicas sin demasiada gracia ni pegada por lo que la confección de "Levitation" y el fichaje estelar de Ginger Baker le insuflaron a la banda aire fresco y un replanteamiento de ideas y concepto dejándose influenciar claramente por la NWOBHM y volviendo a los sonidos duros pero también al 'space rock' de toda la vida.

El álbum es muy bueno aunque con cierta irregularidad y abuso de pasajes instrumentales como "Psicosis" y "Prelude" que no aportan demasiado al conjunto. Sin embargo, temas como el trotón y pegadizo "Levitation", el más tranquilo y bien trabajado "Motorway City" (muy buenas guitarras aquí!), "Who's Gonna Win The War" (que fue el single) con esa intención descaradamente progresiva al igual que el tema que cierra el álbum "Dust of Time" se decantan a la perfección por esa nueva vuelta al 'Prog' que tan buenos resultados les dieron cinco años atrás. También hay bellas acústicas en la machacona "World of Tiers" y en un tema redondo como "The Fifth Second of Forever".

Pero yo me quedo con los temas más psicodélicos y 'space rock'n'roll' como la mencionada "World of Tiers", un tema completamente instrumental al igual que mi elegido para remarcar la excelente labor de Ginger Baker a las baquetas, os hablo de "Space Chase" que supongo que os habrás estado acompañando en esta lectura llegados aquí. Un tema trepidante, tanto instrumentalmente hablando como en cuanto a la atmósfera conseguida, con unos redobles de Baker que se funden con los sonidos espaciales y teclados omnipresentes, unas guitarras que te llevan a otro nivel, que te teletransportan sin remedio a los anillos de Saturno. Un tema acojonante, que te atrapa.

La labor del ex-batería de Cream es tremenda y completamente recomendable, parece un jodido metrónomo con esos ritmos que le impone a la banda y esos cambios y redobles que denotan de donde viene este hombre, pero es que también se le escucha a la perfección entre tanta muralla de ácidas guitarras y soniditos espaciales, se le nota la categoria, la raza, la fuerza y les vino de categoría a Dave Brock y los suyos. ¡Vaya que si les vino bien!

Me ha costado conseguir este video porque de Hawkwind en aquella época con Baker no se encuentra demasiada cosa pero lo váis a disfrutar 100%.

"Levitation" para todos ustedes!!! ENJOY!!

JENNIFER KEITH CLIP!!! "BEI MIR BIST DU SCHOEN" (2011), CANTÁNDO AL PASADO CON AROMA PIN-UP!!!

Menuda sorpresa me llevé la semana pasada buscando y rebuscando saxofonistas para el juego "Por Amor a la Música", porque encontré una deliciosa señorita a la que no le había prestado la atención que debiera teniéndola delante de mis narices.

Y os hablo de Jennifer Keith, la que para muchos tan sólo es conocida por su colaboración como segunda voz en Royal Crown Revue al lado de Eddie Nichols, empieza a tener una carrera más que interesante como 'Jennifer Keith Quintet' al lado de Mando Dorame de R.C.R.

Empiezan a compararla con las grandes 'divas' de la época dorada como Julie London, Peggy lee y Patsy Cline, aunque no creo que sea para tanto. En cualquier caso, en el 2011 sacó su debut como cantante solista llamado "Jenny is Her Name"...y yo emparrado y dejando pasar esta joyita!!

Si pincháis en su web os podréis hacer, no sólo una idea de la bella estética 'pin-up de esta mujer, sino que también descubriréis la clase y el estilo perfectamente 'vintage' que consigue con su garganta y con sus compañeros en el quinteto con los tres temas que han colgado como descarga 'FREE'. Jazz, Swing, toques Soul, el sabor de aquellas 'big bands' época 'Rat Pack', algo de blues 'high class', en definitiva la perfecta combinación para crear un álbum redondo con 12 temas que deben ser una auténtica lujazo para el sentido del oido.

Os cuelgo el video del último tema del álbum, una auténtica 'delicatessen' "Bei Mir Bist Du Schoen", con una Jennifer Keith dándose prisa en atusarse y maquillarse para la ocasión para ofrecer una interpretacion sexy, con mucha clase y estilo en este bello tema. Otra vez Mando Dorame está que se sale con su saxo tenor.



¡Pero como!, ¿Podía faltar acaso una interpretación en directo y encima con los mismísimo Royal Crown Revue como banda de auténtico lujo para lucirse más si cabe?!?. Eddie Nichols no aparece en escena pero es que aquí no importa lo más mínimo porque ella solita llena el escenario sin despeinarse lo más mínimo

Aquí abajo la prueba...



Y aquí abajo otra prueba....je,je,je!!

POR AMOR A LA MÚSICA: MIKE NESS & MANDO DORAME "CRIME DON'T PAY", álbum "CHEATING AT SOLITAIRE" (1999)

Segunda ronda del nuevo nivel alcanzado en el juego "Por Amor a la Música", un nivel que me trae un poco de culo, para qué os voy a engañar, y del que me cuesta sacar oro en un principio, pero bueno, 'las pepitas' no se encuentran en la superficie, hay que 'rascarlas' y buscar algo más de lo acostumbrado. Le ha tocado a Chals abrir esta semana como anfitrión y nos ha propuesto EL SAXOFÓN como instrumento de Jazz interpretado por el saxofonista Michael Brecker en el disco "Berlín" (1973), del recientemente fallecido Lou Reed.

Si bien mi propuesta de la semana pasada (aunque publiqué este martes pasado) se tiraba por un grande como Dizzy Gillespie, esta semana me voy a tirar por algo más humilde, más pequeño (...) y mucho menos conocido para los amantes del Jazz más heterodoxo. Mi elección ha sido el saxofonista tenor Mando Dorame...

Mando Dorame es conocido por ser uno de los miembros fundadores de la banda de 'Neo Swing' Royal Crown Revue junto con el guitarrista James Archor y uno de los frontman's definitivos y con más 'clase' que he visto nunca, el inigualable Eddie Nichols. Existen pocos datos más allá de sus movimientos en R.C.R. y de su banda más reciente junto a la exquisita Jennifer Keith (antigua corista y 2ª voz para Eddie Nichols) pero no importa. Sus principios no estuvieron enmarcados tocando un estilo cercano al Jazz más puro pues este hombre empezó, allá por mediados de los 80's, tocando 'honkin' rhythm & blues' pero poco a poco se fue metiendo en el estilo a medida que la popularidad de Royal Crown Revue fue creciendo. Recuerdo perfectamente aquel movimiento 'neo swing' en la segunda mitad de los 90, como recuerdo el 'high energy' escandinavo, ¡cómo lo disfruté Pupilos!!, grandes bandas como Brian Setzer Orchestra, Big Bad Voodoo Daddy, Squirrel Nut Zippers, Big Sandy y Royal Crown Revue entre muchas otras, pusieron un poco de clase y glamour 'vintage' al final de una década apasionante musicalmente hablando.

Dorame no tardó mucho en grangearse un nombre en la escena musical, sus colaboraciones son incontables con gente como Sponge en aquel maravilloso "Wax Ecstatic", C-Blunt, Bette Midler, Vinnie Santino, Alex Schultz etc,.. y sus proyectos más o menos efímeros con 22 Jacks o el arriba citado junto a Jennifer Keith con su excepcional disco de debut de 2011 "Jenny is her Name" hacen de este saxofonista uno de los más solicitados para dotar a las canciones de muchos de un sabor 'high class'.

 Y desde luego Mike Ness no es tonto, mi propuesta para esta semana es la colaboración de Mando Dorame con el frontman de Social Distortion en sus acojonantes discos en solitario del año 1999. Mike, tras el éxito obtenido por el disco y la gira de "White Light, White Heat, White Trash" (1996) decide aparcar a la banda de su vida para centrarse en un viaje a las raices de la música americana con "Cheating At Solitaire", a priori, quién diría que este 'punk rocker' metido en una y mil movidas de drogas, peleas, etc,...iba a conseguirlo pero comprobé inmediatamente que este hombre también sabía meterse sin despeinarse con el country, el folk, el rock'n'roll, el rockabilly, el blues, incluso el swing y algún toque 'jazzy' ¡y vaya si supo hacerlo!. "You Win Again", "I'm In Love W/My Car", "Charmed Life", wow!! grandes composiciones y mucha pasión envuelta en sucios garitos y clubes de mala muerte inundados de humo y alcohol pero también en olor a campo y a polvorienta granja.

"Cheating..." también está muy nutrido de 'cameos' y es que, joder!, Ness se supo rodear muy bien para hacer un señor discazo, Bruce Springsteen, Brian Setzer, la mitad de los Royal Crown Revue, hasta JOhnny Cash fue invitado a pesar de declinar la oferta por encontrarse ya demasiado enfermo y a punto de irse al otro mundo.

La colaboración y el saxo de Mando Dorame se reduce a tan sólo tres temas, el primero "Misery Loves Company" ya os lo he puesto al principio como banda sonora para que leáis el texto. Pero me voy a centrar en el que más me gusta de los tres, "Crime Don't Pay"...



En "Crime..." el 'cameo' como 'guest star' se corresponde con la inconfundible guitarra de Brian Setzer pero ¡OJO! Setzer no es el único protagonista aquí porque ya desde el primer instante el saxo de Mando Dorame impone su personalidad y su buen hacer 'high class'. El tema se debate deliciosamente entre el 'swing' y el 'rockabilly', es un tema oscuro, cadencioso, alcoholizado. Una 'perita en dulce' para un señor álbum que se acaba de lucir con el 'solo' de Dorame. Buenísimo, aunque no sea nada virtuoso capta perfectamente el 'feelin'' que quiso imponer Ness.

El tercer tema es el también oscuro y humeante "No Man's Friend", otra 'delicatessen', sin duda y que no puedo dejar de poneros aquí abajo.



Meses más tarde y tras el éxito de "Cheating At Solitaire" llegó "Under The Influences", un disco centrado en 'covers' y que también contó con la colaboración de Mando Dorame.

POR AMOR A LA MÚSICA: STEVIE WONDER & DIZZY GILLESPIE, "DO I DO" en "STEVIE WONDER'S ORIGINAL MUSIQUARIUM VOL.1" (1982)

"Do I Do"! "Do I Do"!!...PRESS THE DISCO PLEASURE!!!



Bueno, por fin estoy aquí para saldar mi cuenta pendiente con el juego de una vez. No sé si, de primeras, el nuevo peldaño alzanzado por Forrest Gump me agobió demasiado pero el hecho de estar de viaje, sin poder acceder a la información (porque mi móvil es un trasto) y no encontrar de buenas a primeras nada me incomodaba en cierta manera, por mi cabeza pasaron mil y una posibilidades sin apoyo cibernético de las que muchas de ellas se tornaron en opciones fallidas y eso, a pesar estar en un sitio muy chulo y disfrutar de mi mujer e hija siempre me rondaba por la cabeza, pero bueno, al grano. El nuevo nivel que Forrest propone es la elección de un instrumento interpretado por un músico de Jazz en un disco Pop/Rock. Su elección ha sido la TROMPETA para esta semana, hablando de la colaboración de Freddie Hubbard con Billy Joel en "Zanzibar", del álbum "52nd Street".

Visto lo visto en las entradas de los demás jugadores, la verdad es que no lo han hecho nada mal, incluso se han tirado algunos por las opciones menos conocidas en cuanto a músicos jazz, pues bien, yo me voy a tirar por una conocidísima, primero por desmarcarme de las demás propuestas y segundo porque me apetecía entrar muchísimo en la música de Stevie Wonder. Mi opción es uno de los monstruos del Jazz, es Dizzy Gillespie...

No es que me sienta pequeño, más bien me siento diminuto, insignificante, no digno al escribir unas breves palabras sobre Gillespie. El Jazz es mi gran cuenta pendiente con la MÚSICA, nunca me he metido en condiciones y garantías suficientes como para sacarle el jugo a tan enrevesados ritmos y a artistas tan privilegiados, no sé, siempre se me hace complicado escuchar jazz con atención teniéndolo siempre de fondo, como atmósfera para ciertas situaciones. Bien, con 'el Progresivo' estoy 'progresando adecuadamente', espero que esta manga de 'Por Amor a la Música' me sirva para rascar, almenos, la superficie del jazz y conocer algo más allá de Miles Davis y Louis Armstrong.

Gillespie fue un grande, un iluminado, un privilegiado que llevó su música y su instrumento a otro nivel, fue un genio practicamente desde sus inicios y, junto a Charlie Parker en la década de los 40, se convirtió en el máximo exponente del 'bebop' y la semilla y el punto de partida del Jazz Moderno partiendo del 'Swing' y de las 'Big Bands'. Su extensísima discografía, sus colaboraciones con infinidad de artistas (Ella Fitgerald, John Coltrane, Milt Jackson, Lalo Schifrin, Stevie Wonder, Ray Brown, etc, etc, etc,...) y sus incursiones en múltiples estilos es inabarcable, siendo también un referente crucial para el mestizaje del Jazz con la música afro-cubana con la que siempre sintió una especial predilección enriqueciendo la música al lado de gente como Mario Bauza o Miriam Makeba entre otros.

Pero vayamos ya a la colaboración requerida para este juego porque, a principios de la década de los 80, en concreto en el '82, Stevie Wonder quiso hacer una retrospectiva o 'greatest hits' de su exitosa carrera en la década anterior, su época 'clásica' para entendidos, vamos. Nunca me había metido con Wonder...NUNCAAA!!! y, de nuevo, este sacro-santo juego me ofrece la oportunidad de desgustar las grandes canciones que ha parido este hombre gracias a un recopilatorio hecho por el mismo, personal e intransferible y, sobre todo, gracias a esa colaboración con Dizzy Gillespie.

El álbum lleva por título "Stevie Wonder's Original Musiquarium Vol. 1" y se compone de 16 temas en un álbum doble, 12 de ellos son sus grandes 'hits', esas grandes canciones que de alguna manera u otra habrás escuchado en algún momento de tu vida, ¡seguro!, ahí está la eterna "Superstition", las archiconocidas "You Are the Sunshine of my Life" y "Higuer Ground", las souleras "Living in the City" y "Superwoman (Where Were When I Needed You)" (esta intencionadamente más pop). En definitiva un cojonudo y efectivo 'greatest' que aconsejaría a todo el mundo que quiera meterse en la discografía 70's de Stevie. Las otras 4 canciones son completamente nuevas y, como no, tres de ellas se convirtieron inmediatamente en 'hits' de aquella primera mitad de la década de los 80's, caso de "That Girl", "Ribbon in the Sky" y la protagonista de este post, "Do I Do" con esa colaboración 'deluxe' de Dizzy Gillespie...

La canción, a pesar de que mediáticamente se 'capó' hasta los seis minutos para incluirla como single con "Rocket Love", tenía una duración muy generosa de, ni más ni menos, ¡10:40 minutos!! en donde Stevie Wonder, en plena eclosión de la 'New Age' y los 'nuevos Románticos', fue a la suya creando un temazo 'Disco/Funk' que apabulla, que te hace pensar en la capacidad de este hombre para crear canciones con un ritmo irresistible, sexy y muy, muy cachondo. Hacia el minuto 4:15, la trompeta de Gillespie hace acto de presencia con una inmejorable presentación de Wonder ante el maestro en pleno tema. El 'solo' de Gillespie no es nada largo, se me hace incluso hasta breve, necesitaría un poquito más porque, de repente, la armónica le Wonder se hace con el poder protagónico con un 'solo' realmente excepcional, con mucho nervio. A partir de aquí, el tema se ensucia, los alaridos 'soul' de Stevie van subiendo en intensidad e incluso, hacia el final de la canción, el de Michigan se pone a rapear siendo una de las primeras estrellas masculinas en hacerlo...aparte de Debbie Harry... Una 'grand finale' con un clímax sucio y sudoroso que borda un tema bordado con letras de oro para la historia.

Aquí su versión 'single', sin el éxtasis vocal final ni el rapeo pero con el 'cameo' de Dizzy Gillespie. Un gran 'highlight' de aquella época, sin duda. Por cierto, una curiosidad, el clip se compone de dos escenas practicamente en paralelo, una en una disco típicamente 70's y otra en donde unos 'afros' bailan las danzas tribales al ritmo de Stevie y aquí es donde han saltado las alarmas de mi memoria visual....'la danza afro' es claramente la misma que utilizó Michael Jackson para el videoclip de "Black or White", mismos pasos, mismos movimientos, mismos planos...¡menudo plagio de su gran amigo Wonder!!.

IMELDA MAY "LOVE TATTOO", AMOR AL PRIMER MORDISCO!!!

 Es el primer sentimiento que me viene a la cabeza al volver a redescubrir semejante disco, sentí amor por Imelda May cuando, hace ya dos años y gracias al fenecido blog 'hellyeahrock'n'roll' de Koldo, su disco cayó en mis manos (mejor dicho, en mi disco duro..). Tampoco es que en su momento le diese demasiadas escuchas, fue un momento de cambio en mi vida en muchos sentidos y no prestaba la atención necesaria a los discos que valen la pena pero esto va cambiando en cierta manera y los albumes que 'lo valen' se entremezclan ahora con las incontables novedades que los meses de mayo y junio nos han proporcionado un 'final de curso' la mar de interesante y variado.

Imelda, bellezón 'Vintage' y Pin-Up rockabilly

 Como decía, este es uno de los discos que valen la pena, es un trabajo que entra a la primera desde el primer mordisco y sin hacer digestión alguna, un album que te hace volver una y otra vez, una y otra vez para maravillarte con la magnífica voz de esta mujer, la cantidad de registros que posee y las excelentes canciones que compuso hace cuatro años. Sin menospreciar "Mayhem" (2010), ¡Ni mucho menos! pero considero que la colección de canciones de "Love Tattoo" es bastante superior y la frescura de este sigue todavía intacta.

La declaración de intenciones que supone "Johnny Got A Boom Boom" es un aviso en toda regla para lo que se nos viene encima. Un tema jodidamente directo y a la yugular con una línea de 'contrabajo' irresistiblemente 'groovy' y una Imelda rasgando garganta, 'con ganas de pelea'. Todos los discos deberían de abrirse con un tema como este.



Pero, desde luego, no todo acaba con "Johnny..." porque la música de la irlandesa siempre se ha caracterizado por el mestizaje estilístico a pesar de que siempre se la englobe en parámetros 'rockabillys'. Así, el Swing, el Jazz, el Blues, el Soul, incluso ciertas pinceladas Pop se dan la mano con una naturalidad y expontaneidad insultantes.

Temazos indiscutibles y peleones como "Big Bad Handsome Man" (¡Qué trompeta por diosss!), los guitarrazos rockabillys de "Wild About My Lovin'", el rock'and'rolero "Smotherin' Me" (¡purasangre 50's!!), el aguerrido tema final "Watcha Gonna Do" lleno de vientos y atmósferas fronterizas, o mi tema favorito del disco, el homónimo "Love Tattoo", con una Imelda subiendo revoluciones vocales para acabar berreando como una posesa en una interpretación vocal que pone los pelos de punta por su jodida intensidad son los más incendiarios, los que más calientan ¡Y de qué manera! el cotarro en cualquier sucio y polvoriento local.

Los temas que ahondan en la vena más Jazz/Swing no bajan el nivel ni por un segundo, los matices aquí se multiplican por mil y la versatilidad y la sutileza vocal de May te deja knockeado corte tras corte. El primero que me atrapó tras los cañonazos de "Johnny..." y "Love Tattoo" fue "Knock 123" con un comienzo 'a capella' al que se le une una tímida instrumentación y un piano que acaricia la interpretación vocal de la cantante. Todavía recuerdo hace unos meses escuchar en mi bañera este tema con algunas velas tras pasar un agobio médico. Realmente purificador, os lo aseguro.

"Meet You At The Moon" es tan jodidamente bella y 'vintage' que duele, los aires 'jazzys' y Swing de "Feel Me" allanan el terreno a la perfeción para 'la rabia Jazz' de "Smoker's Song" que me parece un tema sencillamente acojonante y con muchas pelotas. Si por algo dicen que Imelda May está rejuveneciendo el género del 'rockabilly' siempre pondría este tema como ejemplo.

Me quedan dos temas por reseñar, ¡Y no quería hablar de todos!!!. "Falling In Love With You" vuelve a las atmósferas relajadas y sugerentes de "Knock...", por esta vez el piano toma el protagonismo así como el precioso 'solo' de trompeta. Y, por último (a pesar de que no sea el 'track' final), el machacón "It's Your Voodoo Workin'" con otro 'sólo' cojonudo por parte de la guitarra y unos aires siniestros que harían las delicias en cualquier película de terror de la Universal.

Lo dicho, cualquiera que no haya reparado en este disco, blogueros despistados que no le dísteis importancia en su momento, 'snobs' que piensan que esta música está 'pasada' y que Imelda May no inventa nada, a todos estos y los del bando contrario, es decir, a los que amamos esta música por encima de todo y que vemos a la cantante como un auténtico tesoro y un portento de mujer y de artista es hora de hacerse con el disco (en el primer caso) o de desenpolvarlo (en el segundo) unas cuantas veces más hasta quemarlo.

Aquí tenéis una actuación completa el verano pasado en el festival "Luna Lunera" de la localidad Zaragozana de Sos del Rey Católico. Seréis muy pocos los que la veáis entera pero para los que sí lo hagáis o lo tengáis como música de fondo en estas noches tan calurosas tendréis un experiencia más que placentera.

"LOVE TATTOO" RULESSS!!!

TOM WAITS "BAD AS ME", LA LOCURA DE UN DISCO SENCILLO.

"All abboard!!", así de rotundo y vociferante se nos muestra Tom Waits en su último album al acabar "Chicago", su primer corte. Pues bien, todos a bordo para experimentar un viaje a través de la incansable mente creativa y la locura desenfrenada de este impresionante artista.

Os puedo asegurar que llevo más de veinte escuchas de este disco y desde luego no se trata de sacar hasta el último detalle para hacer la obligada reseña (eso me pasó hasta la escucha quinta o sexta), se trata de otra cosa, más sencilla si cabe, tiene que ver con el palpitar de un artista inquieto y con el enganche que me ha producido este disco, porque sí, Waits a parido un disco buenísimo en contra de lo que se pueda leer por ahí. Se dice que 'máquina de huesos-Waits' no ha sido tan rompedor, que su creatividad no ha alcanzado esa lucidez de "Bone Machine", "Mule Variations" o incluso "Real Gone", que hay canciones que suenan a 'trasto viejo' o a sonoridades ya escuchadas porque se empieza a quedar sin ideas....y, joder!, no puedo estar más en desacuerdo!.

Este disco se me pasa de un tirón y sin darme cuenta, me sabe a sencillez, a naturalidad compositiva y lírica de un músico con todo hecho ya en el mundo musical y artístico. ¿Qué problema tienen los putos críticos 'snobs' a la hora de reconocer sonoridades de otros discos y otras épocas?. En mi caso, la verdad es que lo estoy disfrutando ya relajadamente y le he dado tiempo, pienso que incluso hasta lo he macerado, para poder divertirme con unas canciones menos exigentes con el oyente y con un digestión más fácil y placentera.

En líneas generales, me vuelven las asociaciones con otros discos de este año que muestran todas las facetas de una banda o, en concreto en este caso, artistas con mucho bagaje histórico y/o discográfico, caso del poliédrico disco de Alice Cooper o el delicioso disco de Jim Wilson de Mother Superior. "Bad As Me" es la plataforma que ha utilizado nuestro protagonista para regocijarse en su propia obra, para extraer de nuevo el jugo a esas épocas pasadas entre humo, teclas de piano y diferentes licores, reconciliarse con el comienzo de su cambio 80's y seguir explotando la vena 'destroy' y 'machaca-huesos' de sus rompedores discos de los 90's (aunque quizá ésta en menor grado).

Con "Chicago" tenemos esa carta de presentación urgente y nerviosa que nos introduce en el barco retorcido de Tom con una voz desquiciada y reptante repitiendo una y otra vez "Chicago!!!". Un blues/jazz tenebroso como sólo a él le sale.

"Raised Right Men" sigue con el tenebrismo sonoro (¡ese organillo!) pero compartiendo asiento con un blues muy cachondo y que tiene su punto álgido en el estribillo.

"Talking At The Same Time" es junto a "Kiss Me" las que más remiten a su primera época, dos de las canciones que más me han obsesionado de todas las escuchas que llevo; la ahogada y claustrofóbica voz de la primera es impresionante, hasta se puede palpar a esa persona agobiada porque todos los demás 'hablan al mismo tiempo' y "Kiss Me"... me parece tan cinematográfica, con esa textura sonora de vinilo polvoriento y esa producción... como si los instrumentos estuviesen dentro de ese club ya cerrado y nosotros la estuviesemos escuchando fuera, ya saliendo del local al amanecer.

El rock'n'roll más primitivo se apodera por un momento del disco con "Get Lost" no sin permitir el obligado toque Jazzy con esas trompetas tan molonas acompañando cada giro y compases del tema. De nuevo la voz de Waits vuelve a rendir al máximo nivel de su locura con ese momento casi 'a capella' a mitad de canción.

Querría resaltar ahora los dos temas más crepusculares del disco como lo son "Face To The Highway" con ese hipnótico xilófono (o eso creo) que dota al tema de esa atmósfera tan particular y "Last Leaf" con la acertadísima colaboración a la voces de todo un 'Kiff' Richards, excepcional tema, uno de los que más me gustan, voces que ya son una leyenda en vida cantándole a ese 'arbol' casi deshojado antes de que se 'seque' definitivamente. Un acierto haberlo grabado con las voces desacompasadas, con errores, como si la estuviesen cantando en un trastero o garaje mugriento pudiendo así diferenciar claramente la de cada uno.

En cuanto a los temas más tranquilos del disco, reflexivos a la par que desenfadados, tendríamos "Pay Me" con esas hermosas cuerdas y ese eficaz organillo para crear un bellísimo tema con la esencia folkie más pura; "Back In The Crowd" con la reconocible colaboración de David Hidalgo de Los Lobos dando el toque fronterizo y esa voz de Waits que se quiere aterciopelar a medida que la interpretación avanza. Por último tendríamos el tema que cierra el disco, "New Year's Eve", con una sentida letra y una tristeza instrumental muy conseguida para celebrar el año nuevo más triste que pudiésemos tener en nuestras vidas. No pasaría nada, tendríamos al genio de Pomona a nuestro lado.

Me dejo para el final los tres temas más locos y desenfrenados del disco. "Bad As Me" tira con bala al golpearnos ese blues bastardo en nuestros pabellones auditivos, a destacar esa armónica tan sucia que planea por todo el tema; "Satisfied", el guiño Stones en el título y en la letra nos deja otro sucísimo blues reconociendo a leguas la guitarra de Keith Richards marcando territorio en todo momento y disfrutando del rasposo y estridente registro vocal que se marca Tom. El video es fantástico y se adapta como un guante a otro de los temas más desquiciados y psicóticos del album. ¡Qué factura visual más cruda pero condenadamente sencilla!.




Y dejo para el final mi tema favorito, el industrial y crudo "Hell Broke Luce" cubriendo la faceta rompedora de su repertorio. Una composición de espíritu marcial, llena de 'loops' y repetitivos y breves riffs industriales. La garganta de Waits aquí se gana 'las lentejas' con unos fraseados arrastrados que ensucian más si cabe la composición más chocante del disco con un colofón final heredero de las gargantas de "Real Gone". Una jodida maravilla que aquí os dejo sirviendo de 'banda sonora' de una secuencia de "Full Metal Jacket" ("La Chaqueta Metálica") y que no le puede venir más al pelo.