Tras abrir la Caja de Pandora del año 1989 con el Doolittle de los Pixies el pasado lunes, le llega el turno a otro de mis discos de cabecera en aquellos primeros tiempos en donde 'curtir el oído' significaba 'pelarse' las clases de Dibujo y Escultura para descubrir un mundo nuevo en el parking de la Facultad de BBAA. Muchos discos me dejaron con la baba colgando, ¡MUCHOS!, el Siamese Dream, Welcome To The Sky Valley, Sailing The Seas Of Cheese, Vulgar Display Of Power, Dirt, Blood Sugar Sex Magic, Badmotorfinger, Kejanzo, Time's Up, RATM, Nothing's Shoking, Portrait Of An American Family, The Reality Of My Surroundings, La Sexorcisto: Devil Music Vol. 1, etc, etc, etc. La lista es interminable, chupamos mucho coche sintiendo ese sentimiento y excitación implícitas de ser practicamente contemporáneo de la publicación de muchos de los discos que cito y, obviamente, The Real Thing (1989), el tercer disco de estudio de Faith No More, fue uno de los que se gozó a un volumen considerable a través de los desgastados altavoces de mi Renault 18...
Como se nota que los Faith No More creen en su 'comeback' discográfico, Sol Invictus (2015). Ya reseñé los buenos adjetivos y los atributos merecidos AQUÍ y no está de más seguir sintiéndote contemporáneo y disfrutar de uno de los retornos discográficos del año (si no el que más).
Es por ello (oye!) que hace poco más de un mes lanzaron un videoclip en toda regla, realmente el primero de Sol Invictus, y eso es señal inequívoca de que las cosas van bien y de que la banda se encuentra a gusto. Así que, no hay mejor forma de celebrarlo que con un divertido y cachondo clip que defiende uno de los temas estrellas del álbum, "Sunny Side Up"...
A pesar de lo que pudiera parecer, el estar centrado en las 'Oleadas Stoner' y el 'high energy'/ 'Vintage Rock' escandinavo no me hace perder la perspectiva, soy un hijo musical de los 90's y las grandes bandas que salieron de aquella vorágine musical léase Grunge, Industrial, New Metal, Stoner, High energy, Neo Swing, Trip Hop y Crossover siguen llamando mi atención en mayor o menor medida por lo que, no Pupilos, Faith no More no se me iba a pasar ni lo más mínimo sintiéndome 'die hard fan' desde siempre de la banda de Patton, Gould, Bottum, Bordin y Hudson.
Último viaje al mundo de los productores/músicos, aunque esta semana se centre más bien en un músico/productor más bien. LA CLAVE DE LA SEMANA: LES CLAYPOOL. La inmejorable proposición final de esta manga ha sido propuesta por el recién estrenado en el juego Carlos Tizón/Nortwinds, del blog "Motel Bourbon" decidiéndose por una banda y un álbum del que me acuerdo mucho de mi época universitaria, ha elegido Suicidal Tendencies "Join The Army" (1987).
En cuanto al protagonista/clave semanal, qué deciros, joder, Les Claypool fue un referente inolvidable de aquella década de los 90 en la que, en la primera mitad, me tiré absorviendo todo lo que podía y venía de aquella escena alternativa/crossover/grunge/indie/rap-metalera. No daba a basto, ¡os lo juro! y sé que muchos de los de mi 'quinta' me comprenderéis porque no sólo me dedicaba a escuchar esos nuevos sonidos de principios de los 90's, sino que tambien me empapaba bien empapado de Sabbath, Zeppelin, The Stooges, Bowie 70's, Beatles, Metallica, Stones, Megadeth, N.W.A., Doors,...porque todavía tenía lo que las nuevas generaciones están perdiendo hoy, sí, porque los nuevos 'aspirantes' a rockeros o 'melómanos con acné' están perdiendo gravemente esa curiosidad y búsqueda de los clásicos o, simplemente, de aquellas bandas que están influenciando claramente a sus grupos favoritos o a las que más están pegando. Muchos de ellos no se dan cuenta de que son meras fotocopias de aquellas bandas y artistas claves.
La carrera de Les Claypool es tan prolífica (casi) y diversificada como la de dos de sus ídolos, el gran Frank Zappa y King Crimson. Uno podría perderse meses descubriendo los mil y un proyectos con banda y en solitario y las mil y una colaboraciones (todas ellas interesantísimas) en las que este privilegiado ha estado presente, es un puto culo de mal asiento que ha mantenido a su banda más mediática viva pero que nunca ha desperdiciado la oportunidad de dar rienda suelta a su locura compositiva al lado de bandas y artistas tan interesantes como Alex Lifeson (Rush), Jerry Cantrell, Gov't Mule, Hank Williams, Rob Wassermann, Heltfield & Ulrich y muchos otros (la lista es interminable!) pero de los que yo me quedo claramente con su aporte al sonido 90's de Tom Waits con discos clave como "Bone Machine" (1992), "Mule Variations" (1999) y "Real Gone" (2004) convirtiéndose en un inseparable del loco de Pomona desde entonces.
Pero al lío, Les Claypool y su banda de toda la vida, Primus, siempre
estarán en mi corazón y tatuados a fuego en mi alma porque fueron uno de los
combos que más sonaba en mi coche y en el coche de los colegas cuando nos' pelábamos' las clases
en la Facultad de Bellas Artes. Sólo el parking de la susodicha y
nosotros sabemos la cantidad de horas que le hemos echado al
conocimiento y disfrute de aquella primera mitad de los 90's (¡el ARTE en mayúsculas podía esperar!) en la que
no paraban de salir obras rompedoras que luego se convertirian en un
referente y muchas de ellas en obras maestras de su género. Primus
fueron claramente una de ellas junto a Fishbone, Kyuss, Faith No More, Alice in Chains, Pantera, Smashing Pumpkins, Prong, Sonic Youth, P.J. Harvey, Nine Inch Nails, Suicidal Tendencies, etc, etc, etc...
A la banda de Claypool, Larry 'Ler' LaLonde y Tim 'Herb' Alexander tengo el honor y la suerte de haberlos conocido desde el principio, no como muchos pseudo-rockeros después de "Antipop" (1999). Si bien es cierto que fue "Sailing the Seas of Cheese" (1991) el primero que cayó en mis manos, no tardaron mucho "Frizzle Fry" (1990), su primer trabajo en estudio, y su verdadero disco de debut como Primus (anteriormente 'Primate'), el enorme y por muchos olvidado 'Live Album' titulado "Suck On This!" (1989) que dejaba bien a las claras quien cojones iban a ser Primus...¡O quien cojones eran YA!!!
Mira que "Frizzle Fry" me dejó también 'tieso' como ya lo hizo "Sailing..." pero es que la brutalidad y el virtuosismo 'freak' de estos tres músicos ya en aquella época de finales de los 80 es para hacerles un monumento por la iluminada locura escuchada en este "Suck on This!".
La determinación de Les en publicar un disco en directo como 'debut' la asociaré siempre a aquel impresionante también 'debut Live' de Jane's Addiction así como al "Live at Siné" de Jeff Buckley, discos que me vienen ahora a la cabeza (hay algunos más) y que fueron confeccionados en esa época en este formato 'live' por ser una opción mucho más barata que meterse en un estudio cuando la escena alternativa todavía era 'underground' de verdad y no se tenían medios ni pasta suficiente para publicar en condiciones.
El directo fue grabado en el "Berkeley Square" de Berkeley, California los dias 25 de febrero y 5 de marzo del '89 contando con la necesaria y socorrida ayuda de 3000 dólares que el 'papi' de Claypool aportó para la grabación de los conciertos y la impresión de tan sólo mil copias para una tirada inicial. ¿Quién diría que luego se convertiría en uno de los directos más brutales de todos los tiempos??
"Suck On This!" no parece que sea un disco de debut de una banda pardilla e inexperta, aquí ya se nota la experiencia y el virtuosismo de Tim Alexander, las ralladas geniales de LaLonde y la irrefrenable locura vocal e instrumental de Claypool -¡y tan sólo llevaban tocando juntos dos meses!!!- , además es un excepcional complemento de "Frizzle Fry"... o al revés!!, porque la brutalidad y la crudeza de este directo gana muchos puntos en mi caso si lo comparo con "Frizzle..." que, al ser en estudio, las cinco canciones que se mantuvieron suenan mucho más limpias y 'domadas'.
¿Se puede destacar algún tema sobre otro?...¡Ni de coña!, aquí están las grandísimas "John The Fisherman" que deja bien clarito a la locura esquizoide a la que te vas a exponer, el brutal 'slapping' de "Jellikit" con el asombroso 'solo' de bateria de Alexander y "Tommy the Cat" con sus alocados, inestables y nasales fraseos por parte de Les. Atención también al 'solo' de bajo de Les que quita el hipo.
Pero es que los demás no tienen ningún desperdicio como en el caso de "Pudding Time" (Mr. Bungle tuvieron que aprender mucho de este tema!), el 'rompe-cuerdas-de-bajo' que es "Harold on the rocks" o la esencia 'trash' de "Pressman" con una calma tensa muy conseguida.
Y lo dejo aquí porque quiero que disfrutéis de la esquizofrenia y el frikismo de Primus en directo en aquellos años y que, a quién no los conozca, va a dejaros flipados y a quién sí....PUES TAMBIÉN!!!
ÓJALA TODOS LOS DEBUTS FUESEN COMO ÉSTE...ENJOY ITTTT!!!
Última ronda de esta manga del juego "Por Amor a la Música" en el que se escogía a una banda para hablar de los discos en solitario de sus integrantes. Cierra este ciclo Vinny Gonzo, del blog "Vinny, Vidi, Vici", eligiendo a Iron Maiden con su apasionada reseña sobre el reciente debut en solitario de Steve Harris "British Lion", así que haremos lo posible por estar a su altura. Desde luego que no me lo pone fácil porque nunca he sido un gran fan de los Maiden más allá de sus discos clásicos pero toca currar y descubrir, que para eso estamos aquí.
Rápidamente me decanté por la opción más obvia, Bruce Dickinson, con una carrera en solitario que me parecía más que interesante y con dos discos en directo de los que todo el mundo habla como imprescindibles. Recordé también aquellas reseñas de los 90's en el Popular 1 con su segundo y tercer disco, "Balls to Picasso" (1994) y "Skunkworks" (1996) respectivamente, que provocaron histerias en muchos y verdadera admiración en pocos. Y por aquí va los tiros en mi elección, quería algo rompedor ya que estamos descubriendo música y lo que hizo 'Bruce Bruce' con "Skunkworks" fue salirse completamente del 'guión Maiden' con un trabajo muy, muy interesante y con una amplitud de miras encomiable, sin ningún tipo de complejos a sabiendas de que los 'die hard fans' de 'la doncella' se le echarían encima pero, ¿Acaso no se marchó de Maiden para experimentar, ampliar horizontes y cortarse sus lacias 'greñas'???...
La portada fue realizada por un clásico, Storm Thorgerson, que ha creado portadas sagradas para el rock'n'roll, caso de Yes, Pink Floyd, AC/DC, Sabbath, Zeppelin, etc,... El nombre 'Skunkworks' ('trabajos de mofeta!) también era una ruptura en toda regla, pues el nombre es un término utilizado en ingenieria, campos técnicos e inteligencia para designar a un grupo dentro de una organización al que se le da cierta autonomía e independencia; sin apenas papeleo, legalidad y burocracia a la hora de realizar trabajos y misiones en proyectos avanzados o secretos. Muy lejos queda el concepto del nombre con la épica y la imaginería fantástica de la banda madre.
¿Y qué puedo decir del album? Pues, con las tres o cuatro escuchas que llevo, ¡que me tiene enganchadísimo!, que suena tremendamente bien 'a pesar/gracias a' muchos 'tics' noventeros y que su capacidad de apertura para 'beber' de las influencias 90's fue más que interesante porque tenemos un trabajo que no es simplemente una recopilación de guiños sin sustancia y rozando el plagio de las grandes bandas de aquella década como muchos tildaron a "Skunkworks". Dickinson, acompañado en la composición por Alex Dickson, crearon grandes canciones, deudoras de una época y de un sonido muy característicos, sí, pero grandes canciones al fin y al cabo con una paleta de matices muy interesante que no fue apreciada al 100% en su momento para la gran masa rockera (incluido yo mismo porque pasé del album).
En cuanto a la voz y el timbre vocal tan característico del cantante en Maiden aquí dió paso a una experimentación bien entendida y necesaria para él, llena también de matices y registros nuevos como se puede apreciar en "Headswitch" con una voz más nasal que puede recordar, por momentos, a Layne Staley con un riff brutal a lo Soundgarden, o "Inertia" que perfectamente podría pasar por un tema de Guano Apes...sin todavía existir Guano Apes!!! (su primer album es del '97) si Sandra Nasic la cantase con esos cambios calma/tormenta. También Bruce hace un buen trabajo melódico y de muy bellas armonías en "Octavia", un tema que experimenta claramente con el sonido de Smashing Pumpkins en "Siamese Dream".
Pero hay más que destacar, esas influencias frescas, esa nueva savia que se palpaba en aquella primera mitad de los 90 dejó mucha huella en este disco, en concreto el tema que abre el album, "Space Race" que es Stone Temple Pilots/Pearl Jam puro con ese riff demoledor y entrecortado y una melodía y estribillo que tengo todo el día en la cabeza.
Aquí la prueba de lo bien que funcionaba en directo...
Pero el tema que le sigue, buffff!! Qué temazo!!, "Back From the Edge" es dinamita progresiva pura y dura. Lo primero que me vino a la cabeza fueron aquellos TOOL de "Aenima" pero, JODER! este 'track' es puro Rush, cambios frenéticos, redobles de batería a lo Neil Peart y estructuras, giros y cambios de ritmo con el mismo gusto y clase que la banda canadiense. Uno de mis temas preferidos, sin duda alguna.
La perfecta demostración...
Y bueno, a partir de aquí, temazos A LO GRANDE sigue habíéndolos como "Faith", "Solar Confinement" que es realmente trepidante y cañero, "I Will Not Accept the Truth" que nos retrotrae a los Alice in Chains de "Facelift" con un desgarradísimo final por parte de Dickinson dejándose garganta, el 'crossover funky' de "Inside the Machine", la intensidad instrumental y la pegada de "Innerspace" y sobre todo MUCHO Soundgarden que parece que calaron bien hondo en Bruce porque en "Dreamstate" todo recuerda a la banda de Seattle, sobre todo el parecido con Cornell en los fraseos más reposados, el citado "Headswitch" y el tema que cierra el album, a medio camino entre Soundgarden (época "Superunknown") y Alice in Chains por su densidad y atmósfera opresiva. Atención aquí a los cambios de ritmo que son una gozada de saturación 'stoner'.
Lo que no os había contado es que la intención del cantante era haber llamado a la banda como el album pero la productora le recomendó (...) que lo hiciese con su nombre para vender más un album que se alejaba diametralmente del Heavy Metal al que los fans estaban acostumbrados. El album fue, desgraciadamente, el menos vendido de la carrera en solitario de 'Bruce Bruce'. Toda una injusticia con un album tan fresco y potente, con una producción de lujo y un sonido impecable. Tras la gira de presentación del album la banda se disolvió definitivamente y Bruce Dickinson volvió al redil más apegado al Heavy Metal volviendo a colaborar con Roy Z (la sociedad ya empezó con "Balls to Picasso") hasta su último disco en solitario en 2005.
¿Cómo puede decepcionar un album y un artista con canciones como esta?!??!?...
Otra semana más en tierras 'calientes'. No nos vamos a desplazar demasiado para el juego "Por Amor a la Música", la lengua nativa va a seguir siendo el castellano y tan sólo nos vamos de la isla cubana al continente, porque Vinny Gonzo, del blog "Vini, Vidi, Vici", con su post sobre Molotov y el disco "¿Donde jugarán las niñas?" ha propuesto como clave geográfica esta semana: México.
Tampoco es que controle demasiado la música mejicana pero tenía algunas opciones más que con la cubana. Bandas como Maldita Vecindad, Molotov o la escogida, Café Tacvba (además de Chavela pero penséme vinieron rapidamente a mi cabeza pero, ¡tenía un problema!, los únicos a los que quemé en su momento fueron Molotov y 'estaban cogidos' por nuestro anfitrión Vinny, de Maldita Vecindad no había escuchado casi nada y, bueno, lo de Café Tacvba siempre han sido una banda que han pululado por mi imaginario musical, que siempre parece que me han pedido que los escuche y mi subconsciente sin hacer demasiado caso...En fin, por resumir, en mi etapa turolense y aislado del mundo escuché, en una de esas noches etílicas de interinos y en el único pub del pueblo, una canción que me gustó muchísimo, era de Café Tacvba, muy percusiva, incluso tribal...pero no hice caso a la hora de investigar. Siempre, por una razón u otra, ha salido su nombre en sitios y momentos muy determinados y siempre me he preguntado lo mismo, ¿Por qué no me pongo con Café Tacvba? y la razón siempre es bien sencilla, el rock'n'roll predomina en mi dieta sónica y EEUU, Inglaterra, Suecia y, en menor medida, España me sacian con creces a la hora de encontrar lo que busco, o lo que me pide el alma.
Pero gracias, y digo bien, GRACIAS a este juego de "Por Amor a la Música" estoy descubriendo bandas más que interesantes en unos casos y, en otros, dándoles la oportunidad que merecían ciertos grupos a los que nunca les llegaba su momento.
Es el momento de Café Tacvba, es el momento de "RE"...
Procedentes de Ciudad Satélite (bonito nombre para una ciudad), la banda se forma en 1989 con Rubén Albarrán (voz principal y guitarra rítmica), Emmanuel del Real Díaz (segunda voz, caja de ritmos, teclados,...), José Alfredo Rangel ('lead guitar') y Enrique Rangel (bajo, contrabajo, ukelele...).
Su nombre fue tomado de un conocido café del casco histórico de Ciudad de México llamado Café de Tacuba pero, por problemas comerciales y de propiedad con el nombre, cambiaron la 'u' de 'Tacuba' por la 'v' de 'Tacvba'. Para mi gusto un acierto, porque le da más empaque y más categoría.
La banda comienza a dar que hablar desde que estaban en pañales por sus excelentes canciones y por una clara intención de llevar el concepto 'crossover/fusion' hasta el último extremo mezclando todo tipo de estilos, ritmos y melodías tanto autóctonas como internacionales. Se convierten en muy poco tiempo en un referente ineludible para crítica y público con ese 'pastiche' tan particular y expontáneo de música tradicional mexicana en sus diferentes vertientes, punk, pinceladas hip-hoperas, rock'n'roll, ska, samba, bolero...
Y llega el año 1994, Café Tacvba sacan su segundo album, "Re", haciendo referencia a la segunda nota musical. La temática de la banda giraría en torno al reconocimiento de las diferencias culturales a través de una música que abraza la fusión estilística y poliédrica como estilo. De forma inmediata comienzan a tener un éxito increible tanto en su país como fuera de sus fronteras, de hecho, está considerado su mejor disco con diferencia y es considerado en muchos 'rankings' como uno de los discos más influyentes y creativos de la música iberoamericana, además de hartarse a ganar premios, claro está.
Uno de los éxitos más reconocibles y celebrados del trabajo es "La Ingrata" que, pese a no estar demasiado acostumbrado a este tipo de ritmos y melodías, me enganchó de inmediato dándome cuenta, tras visionar el clip de aquí abajo, que en concierto se convierte en un auténtico himno de masas volviendo al público completamente LOCO!
En una primera escucha, las canciones con las que primero te quedas son las directamente relacionadas con el estilo musical que más escuchas, es por ello que el 'funky' "El Ciclón", la industrial "El Borrego" que recuerda a aquel destructor "Psalm 69:..." de Ministry, el 'pop' a lo Lennon/McCartney de "24 horas", la atmósfera 'grunge' de "Pez", el descaro bailongo de "El Tatloani del Barrio" (OJO a la letra!!) y el punkarra "La Pinta" te preparan perfectamente para la escucha con atención de los temas que, en estilo, no estás acustumbrado a escuchar. Os hablo de temas bellísimos como el bolero de "Esa Noche"...para empezar...
Pues sí, si os habéis dado cuenta y con un 'look' de lo más alternativo (incluso hasta en la camisa), Café Tacvba también tuvieron su pequeño espacio en los famosos "MTV Unplugged" de los 90's. Tan sólo he visionado este tema de aquel show pero ya le tengo hecho un hueco en mi limitado tiempo para visionarlo entero porque debe ser una pasada.
Esos otros temas más centrados en músicas más tradicionales y autóctonas (pero siempre fusionando estilos) serían los interesantes y dinámicos "Ixtepec" con unas buenísimas rítmicas, "Las Flores" y el frenético ska jamaicano en "El Jardín de la Infancia". Temás más relajados y reflexivos, muy críticos en ocasiones, se encuentrarían el liricamente brutal "Trópico de Cáncer", el oscuro y derrotista "Verde", la genial historia de "La Negrita" y el rítmico desengaño de "El Puñal y el Corazón".
Me despido por hoy con otro tema de los más mediáticos del trabajo, "El Baile y el Salón". Un bello tema de encuentros y sonrojos. Una canción que combinan bases electrónicas, acústicas, pop, funk y toques 'jazzys'. La guitarra aquí es una delicia.
¡Cómo se ha puesto de complicado el juego esta semana!!. El compañero Chals del blog 'On the Route' ha cruzado 'el charco' con la banda Blops y su disco "Del Volar de las Palomas" y nos ha planteado a los participantes que busquemos música por la geografía chilena, por tanto, la clave de esta semana: CHILE!
Llevo dos semanas 'sufriendo' más de lo acostumbrado, pero esta segunda me ha dejado totalmente blanco y con un cierto sudor frío recorriendo mi 'extendida' frente. Los únicos países de América del Sur en donde controlo algo son Brasil y México porque Argentina la tengo musicalmente con calzador pero ¿Chile?. WOW!! Gran reto amigo Chals, jodido reto mi señor porque no controlo (o no controlaba) absolutamente nada de este país...¡hasta ayer por la noche!. Con las bandas setenteras y progresivas no quise meterme, demasiado que asimilar a sabiendas de que también 'master TSI', Aldo y el anfitrión Chals estarían al quite en este sentido. Por aquí no había nada que hacer. Me fuí directamente a los 90's y me encontré con tres bandas que llamaron mucho mi atención, Los Tres, Chancho en Piedra y Los Tetas.
Aparte de por el nombre (muy adecuado para este blog) pensé que siempre me ha vuelto loco el 'funk' y el 'hip hop' (aunque menos) y la poca cancha que suele tener en Pupilandia, así que fue escuchar y visionar algún video de Los Tetas y tenerlo claro, clarísimo!.
La banda chilena se llamó en un principio 'Funkstein' estando compuesta por 'Rulo' (bajista), C-Funk (guitarra) y 'Pepino' (batería) al que no tardó en unírsele Camilo Castaldi, más conocido por 'Tea Time' que se convierto junto a C-Funk en los principales arquitectos del sonido de la banda que ya pasó a llamarse 'Los Tetas'.
Sus referencias quedaron bien claras desde el principio pues eran adoradores de los Parliament y Funkadelic de George Clinton, veneraban por igual al padrino del 'funk', James Brown, como los pesos pesados del 'soul' pero también se dejaban llevar por el 'hip hop' de NWA/Public Enemy y el emergente movimiento 'crossover/fusion' de principios de los 90 con Rage Against The Machine, Fun Lovin' Criminals, Red Hot Chili Peppers e Infectious Grooves a la cabeza con ramalazos hardrockeros y agresivos guitarrazos.
Su discografía es relativamente breve teniendo un sorprendente éxito inicial desde el año de su formación en el '94 con cuatro grandes discos. Los dos primeros fueron editados por la mismísima EMI, "Mama Funk" ('95), "La Medicina" ('98) y el tercero y el cuarto, "Independiente" ('00) y "Tómala!" ('02) respectivamente, fueron ya producidos y autoeditados por ellos mismos. Las crisis entre ellos empezó bien pronto produciéndose la primera deserción de Rulo y Pepino entre el 98 y el 99 y entrado Toli Ramirez y Tata en sus respectivos puestos hasta la excisión definitiva de la banda en 2004. La 'segunda vida' de la banda se produciría hace dos años, en 2011, y con la formación original con Rulo y Pepino de nuevo en el combo. Las rencillas y desacuerdos quedaron atrás y Los Tetas sacaron en 2012 un Ep de ocho temas titulado "El Movimiento" con cuatro temas nuevos, uno en directo y tres remixes de sus exitos más celebrados. En esta primera mitad de 2013 deberían de publicar la continuación a "Tómala!", su quinto album de estudio. La gira ya es un hecho por todo Chile, estando confirmados también países como Argentina y Perú por lo que parece que esta genial banda está de nuevo en forma y con ganas de volver a llevar la religión y el sudor 'FUNK' por toda Sudamérica.
Pero aquí venimos sobre todo a hablar de discos y, en este caso, del debut de la banda chilena "Mama Funk". En una primera escucha, irremediablemente me vienen a la cabeza más bandas españolas de funk/rock/metal que las referencias más internacionales y clásicas; 'O'Funk'illo' y las desaparecidas bandas 'crossover' 'Groove Crew' en Barcelona y la valenciana 'Mr. Smoke' me recuerdan la pegada mundial que tuvo la escena 'fusion' de los 90, además de que sus letras, muchas en castellano, te lleven a establecer esta relación más cercana y latina.
El album suena muy fresco y, quitando ciertos ritmillos y riffs muy 'de la época' y el género, su propuesta me parece que puede seguir muy vigente hoy en día. La estructura del disco se establece como era costumbre en este tipo de discos, es decir, muchas canciones, cambios sorprendentes de ritmo y estilo, muchos interludios intrumentales (la inicial y final "Este es el juego" 1ª y 2ª parte) o incluso 'coñas funk' como la divertida y tórrida "Los Tetas" y todas las referencias clásicas y modernas vertidas en una música, a veces más intimista y personal y otras mucho más reivindicativa, política y de denuncia social.
Los temas que más me han gustado, curiosamente son los que más han desarrollado en minutaje y en donde se entremezclan expontaneamente muchos estilos como ocurre con "Segundo Subterraneo" que empieza muy 'funk metal' para ofrecernos ese característico olor a 'funk 70's', trompetas Jazz y cambios de ritmos chulísimos.
Otro tema en esta línea de mestizaje estilístico es "Strike Da Posse" con unas frenéticas líneas iniciales de guitarra y bajo 'funkys' al que se le unen guitarrazos 'hard' muy Living Colour y un sorprendente Hammond. Los cambios de ritmo vuelven a ser un auténtica montaña rusa de 'glamour', buen gusto y creatividad...incluso hay un momento vocal muy 'death metal' que no desentona en absoluto. Una canción rompepistas total y levanta-festivales descomunal.
"Ganster" es otro temazo, tremendo, potentísimo muy R.A.T.M./Incubus, lleno de mala hostia y chulería. Las tranquilas atmósferas 'funk' de '"F****" también son una verdadera gozada, un track instrumental reposado, muy sexual que te va a encantar si quieres tener a tu chica o tu chico 'cerca'.
Y como no, los grandes singles que los dieron a conocer. En primer lugar, el 'groovy' "Corazón de Sandía" que habla mucho de la banda, de lo que ve y de lo que siente a nivel personal y social. Una composición muy Fun Lovin' Criminals.
En segundo lugar, el más urgente y nervioso "Hormigas Planas" que me recuerda endemoniadamente a 'O'Funk'Illo' y que está lleno de 'savoir faire' con ese 'crossover' funk rockero y coros souleros. Para mi gusto, funciona mucho mejor que "Corazón de Sandía" para presentar "Mama Funk" por su fuerza y vocación de himno en directo.
En esa línea 'O'Funk'Illo'/Red Hot/Fun Lovin' se encontrarían también los temas "André y Charlot", "La Paradoja" con unos fraseados muy Kiedis y "Sale Luca". Sin embargo, los temas que me retrotraen a los grandes clásicos del estilo sería el especial "Superteta" y de nuevo "André y Charlot" (¡Qué bueno es este tema!!).
Me quedará algún tema por comentar pero bueno, todo se mueve en esta línea que os estoy contando, con mucho gusto, sabiendo el terreno que pisan y comprobando que en este 'debut' lo dieron todo y más porque claramente parece que se querían comer el mundo. Los discos siguientes siguieron en esa línea creativa ascendente, "La Medicina" ('98) fue más bailable, incluso más accesible aunque no consiguieron vender tanto y su popularidad poco a poco fue decayendo en paralelo al movimiento 'crossover' mundial y que tan bien representaron en un país como Chile.
Aquí tenéis de nuevo "Corazón de Sandía" pero en directo y siendo una actuación de hace poco más de un mes...¡todavía lo siguen teniendo!...
Segunda colaboración en la propuesta de Master Tsi-Na-Pah, "Por Amor a la Música". En este caso le tocaba el turno al colega LoRbAdA de Bunker Sónico con una inmejorable reseña de uno de los discos en directo definitivos del rock'n'roll, el genial e inigualable "Strangers In The Night" de U.F.O. . En esta nueva ronda 'las palabras mágicas' son 'Strangers' y 'Night' y desde luego parece que casi todos nos estamos decantando por la segunda porque hay muchas y variadas posibilidades que con 'stranger' (a mí sólo se me ocurre el "Stranger Than Fiction" de Bad Religion).
Así pues, he tenido varias opciones, la mayoría de ellas muy previsibles y geográficamente localizadas en U.K. pero al final me quedé con el "A Hard Days Night" de The Beatles como opción previsible y la banda sonora de las película "Judgment Night" como opción menos trillada y más sorprendente. Ha sido al final esta segunda opción, por friky y menos esperada, el motivo por el que me he decantado por ella.
En primer lugar, os confieso que la pelicula no la he visto...¡Ni pienso! porque las críticas fueron bastante malas y porque nunca soporté a Emilio Estevez con sus poco creibles y forzadas maneras interpretativas además de que Cuba Gooding Jr. nunca fuese santo de mi devoción. Aquí venimos a hablar de su excepcional banda sonora que salió, al igual que la peli en 1993 bajo un rompedor concepto que Epic Records se sacó de la manga para vender la película en una época de 'fusion' sin límites entre estilos. En aquellos primeros noventa no sólo había 'grunge', también el metal, el rap y el rock'n'roll vivieron una segunda vida refrescando propuestas y fusionándose entre sí. Y esto es lo que pasó a la hora de confeccionar esta banda sonora, es decir, cada canción estaba integrada y compuesta por bandas punteras de Rock 'Fusion' y Metal con las 'últimas novedades' en bandas de Hip Hop cuando en aquellos tiempos al Rap todavía se le podía llamar por su nombre.
Recuerdo perfectamente que fue la primera banda sonora de estas características en tener un éxito masivo y sentó las bases para las bandas sonoras posteriores conteniendo muy poco espacio (o ninguno) para desarrollos y pasajes intrumentales dejando todo el protagonismo a las bandas implicadas que, en este caso, incluso se ocuparon de la producción del album.
Nombres de importancia capital en la música de los 90's como Pearl Jam, Sonic Youth, Faith No More, Biohazard o Slayer, entre otros, se batían en duelo, se fusionaban a la perfección o la cagaban directamente con formaciones raperas como Cypress Hill, Onyx, House Of Pain, Run D.M.C. o el mismísimo Ice-T que en aquella época ya se había dejado seducir por la música del diablo formando aquellos sorprendentes Body Count.
El disco no puede empezar mejor con el explosivo "Just Another Victim" con Helmet y House Of Pain ofreciendo la simbiosis perfecta, cortante y demoledora del hardcore y las bases hip-hop. Pero hay más temas en donde 'el puré' de estilos es expontáneo y natural, empezando por los nunca suficientemente reivindicados Living Colour Vs. Run D.M.C. con su "Me, Myself & My Microphone", el tema más conocido de la banda sonora (y que da título al album) "Judgment Night" con unos tremendos Biohazard en su mayor momento de gloria al lado de Onyx o el divertido experimento de Mudhoney Vs. Sir Mix-A-Lot con "Freak Momma" son claros ejemplos de empastación de bandas.
No debemos dejar pasar tampoco la asociación funky y cadenciosa de "Missing Link" con la extraña mezcla de Dinosaur Jr. Vs. Del The Funky Homosapien (!!!) así como escuchar el sonido de los primerísimos Therapy? Vs. Fatal en "Come And Die" con ese sonido tan característico de guitarras huecas y cortantes y una interpretación vocal llena de brutales berridos.
En cuanto a los temas 'caquita', dos de ellos corresponden a los temas relajados de la banda sonora y que, seguro, fueron compuestos en plena bacanal de marihuana en el estudio de grabación. El primero es el simplemente correcto "Fallin'" con De La Soul Vs. Teenage Fun Club, se deja escuchar pero como que no me pega en todo el conjunto; el segundo es el aburridísimo y repetitivo (como la propia banda) "I Love You Mary Jane" de Cypress Hill Vs. los inexistentes Sonic Youth (¿donde están aquí?)...¡y no me preguntéis a qué se refiere su título!!!. El otro tema 'quasi' insoportable en donde también están implicados Cypress Hill es "Real Thing" que se salva de la quema por su actitud más funky pues tiene mucho más nervio, ahora, eso sí, el Vs. son ni más ni menos que Pearl Jam y en la canción tan sólo aprecio a Vedder haciendo los coros más cutres que he escuchado en mi vida. Caquita!.
Dejo para el final los dos temas que más me sorprendieron en su momento por el cruce de cables que supuso y por ver 'otra cara' de algunos de tus héroes, en primer lugar el destructivo "Disorder" con Slayer dejándose acariciar por los típicos rapeados de Ice-T y reencontrándose con el hardcore/punk de sus inicios. En segundo lugar, el oscuro y tenebroso "Another Body Murderer" de Faith No More Vs. Boo Yaa T.R.I.B.E. que, literalmente, me siguen volando la cabeza con esos agresivos rapeos de cloaca, ese 'groove' funk-metal y esos berridos/alaridos/gritos/gemidos/....del mejor Mike Patton en una época en la que era considerado un iluminado, un diossss...
En fin, a pesar de que no a todo el mundo recomendaría esta banda sonora por los géneros musicales que toca, sí que merece la pena pegarle unas escuchas para ver como empastan entre sí caracteres y estilos, a priori, tan opuestos. Sin embargo, si fuiste tú el que mamaste aquella explosiva y heterogenea escena musical de la primera mitad de los 90's estás obligado a pegarle, no una, sino MUCHAS escuchas. Merece la pena, estáis advertidos!!
En plena temporada de exámenes, pruebas y recuperaciones de unos alumnos cada vez más desmotivados y pasotas no me queda otra que recurrir de nuevo al rock & roll como terapia para sobrellevar este final de curso.
Hace años (y no hace tantos) afrontábamos muchos de nosotros el final del curso escolar con los típicos agobios intentando recopilar apuntes perdidos gracias a la empollona de turno, quitándole alguna hora al sueño nocturno y dejando a un lado por unas semanitas la música, el cine y las artes marciales para conseguir el ansiado aprobado y tener un verano cojonudo y sin presiones paternas. Pues bueno, esto parece ser que se ha acabado, el sacrificio y el esfuerzo han mutado en dejadez y pasotismo; 'que suspendo cuatro, no pasa nada ya vendrá septiembre', 'que no me puedo ir al pueblo con mis coleguitas, no pasa nada la 'Play' y el Twenty o Twitter (¡yo que se!) aliviarán "mi castigo" estival.
Y es que toda esta situación, que se genera por el puto sistema educativo y el poco tiempo que hoy en día dedican los padres a sus hijos (por cuestiones labolares principalmente), está creando los vagos más vagos que existen y existirán por muchos años. Lo que no puede ser es que a dos semanas para acabar el curso haya ya un ambiente veraniego dentro de los centros en plenos exámenes y pruebas finales, lo que no se puede aguantar es a alumnos que te han estado dando por culo todo el curso intentando 'remontar' la cuesta final a costa de esforzarse tímidamente los últimos días, y el colmo de los colmos, cuando tienes que tragar que un alumnado repetidor y completamente desmotivado por todo y que nunca aprueba nada pase de curso por "imperativo legal" como regalo de este jodido e interesado sistema que sólo busca números y estadísticas y que no le interesa una mierda lo que ocurre en las aulas.
Mi desahogo, de momento, se para aquí porque me estoy encendiendo más, así que recurriremos en pupilandia al bálsamo rockero que todo lo cura con unos cuantos videos en directo y alguna que otra sorpresita dedicada para aquellos que todavía sois o estáis de alguna manera dentro de este sistema.
Más explicaciones, o mejor dicho, impresiones, abajo...
Desconocía este clip de los Red Hot Chili Peppers, con ese sabor tan 80's y esas imágenes escandalosamente psicotrónicas, nos ofrece a Flea & Cia todavía muy verdes pero con unas ganas tremendas de comerse el mundo. Momentos como los cabezazos descontrolados de Flea en la alambrada o el plano secuencia de los baños te recuerdan quienes eran los Peppers antes de "Blood, Sugar..."
En cuanto a la aparición de Mr. Fournier en "The Muppet Show", el show me ha dejado extrañamente sorprendido, la versión de "School's Out" con tanto monstruito es, como poco, atómica y nunca me hubiese imaginado a Alice de esta guisa, la verdad sea dicha.
Hay que reconocer que musicalmente siempre vamos a remolque de Estados Unidos e Inglaterra y en el caso del Crossover y la fusión 90's no iba a ser menos. Bandas claves como los Red Hot Chili Peppers, Faith no More, Fishbone, Mr Bungle, Primus, Urban Dance Squad o Living Colour entre otros influenciaron y de qué manera a una generación que no sólo quería deprimirse con la voz rota de Kurt Cobain y los alaridos de Layne Staley. La diversión también tenía cabida a principios de los noventa y más en un país tan festero y festivo como el nuestro. En esos años y con el rap, el funk y el metal casi al mismo nivel de popularidad, se gestó en España un movimiento que no tuvo demasiados adeptos y que no asustó ni de lejos a Alejandro Sanz, ni a Bosé, ni a nuestro amado Ramoncín pero que consiguió oxigenar un poco la pobre escena rock española que no salía del Heavy, del punk y del sobado rock urbano. La culpa la tuvo principalmente Liquid Rercords, una estrenada y descarada discográfica que apostó por las nuevas tendencias imperantes en los U.S.A. y que no dudó en apostar por bandas desconocidas hasta el momento que tenían mucha fuerza, ideas y ganas de comerse el mundo a pesar de seguir una brecha ya abierta en otros paises. En este caso, obviaré hablar de Def con Dos que también se englobarían por derecho propio al crossover y la fusión y de los comienzos de Hamlet sobre todo con "Sanatorio de Muñecos" pues apetece hablar de bandas que fueron más desconocidas y que luego desaparecieron del mapa a finales de la década (menos Psilicon Flesh).
En primer lugar tenemos a la banda más revolucionaria, fresca y descarada que surgió en Barcelona (más en concreto en Badalona) en aquellos años noventa. Afraid to Speak in Public fueron una cocktelera irrefrenable y neurótica de rap, metal, funk, harcore, jazz, ska, bossa y rock'n'roll bien entendida y perfectamente ensamblada. Fueron, salvando las distancias porque tuvieron su propia personalidad y estilo, los Faith no More patrios.
Su cantante, Monti, fue un frontman espectacular con una puesta en escena y una versatilidad compositiva y vocal que pocos (o ninguno) pudieron superar en aquella época.
Sacaron tres discos, el primero "Subcircus" era más harcore/rap/metal en lineas generales pero lo que ya apuntaban en este disco se confirmó de pleno y con creces con "Showcase" en donde la cocktelera estilística llegó a su clímax y la fusión desvergonzada de todo tipo de estilos generó un conjunto de canciones de una calidad y originalidad inusuales siendo un referente perfecto del movimiento. El tercero, "Afraid to Speak in Public", se volvió más complejo y oscuro con claras referencias a Voivod en algún corte pariendo un disco variado y retorcido como de costumbre aunque menos accesible y cachondo que el anterior.
El caso de los madrileños Psilicon Flesh también tuvo su aquel. Las bandas crossover/fusión de la capital tiraban más de metal y de hardcore que las de Barcelona, caso de los primeros Hamlet o de Def con Dos, pero el estilo que desarrolló este grupo tenía más sutilezas de las que, a priori, se apreciaban en su panterizado (con toques funkys) primer e.p. "Psilicon Flesh" con su primer himno de potente y estruendoso riff "Malfunction".
Mucho les costó sacar su primer e.p. (Subterfuge no se decidía) por lo que ficharon inmediatamente por Liquid Records sacando su primer lanzamiento en toda regla "Prime" en donde dejaron ver su regusto por la melodía beatles/Kinks y las composiciones más harcorianas y con más nervio de su repertorio dejaban paso a ciertas influencias emo core(Fugazi, No means No,..) con pinceladas de un rock de corte más "clásico" aunque con desarrollos exquisitamente variados y complejos.
En directo fueron también una apisonadora con un frontman, Rafa, de presencia salvaje y encarada aunque poco a poco fue demostrando esa sensibilidad 'beatle' ante el micro que plasmaba tan bien en sus discos. Mención especial a su guitarra, Matías, que sacaba pura magia de las seis cuerdas mostrando su gran versatilidad musical.
A partir de aquí, la banda se fue diluyendo sacando un disco de versiones (excelente en mi opinión) y limitándose por desgracia al entorno de la capital y poco más. Sacaron su último disco "Envinronmental" con una casi nula repercusión mediática aunque exquisitamente trabajado a nivel melódico y armónico.
Tras una separación, superaron ciertos problemillas y vuelven a estar en la palestra desde hace tres años sacando el recopilatorio "No Shame" con artwork precioso y surrealista obra de Rafa.
El estandarte levantino de este estilo fue el grupo valenciano Chococrispis, y quien lo hubiese dicho siguiendo a este grupo desde sus inicios....Death Metal!!!!. Poco a poco empezaron a evolucionar conviertiéndose en un grupo que con sus imprescindibles maquetas ("Los temas rechazados", etc,..) dieron ejemplo de un metal extremo al que le fueron añadiendo pequeñas pinceladas progresivas y tímidos flirteos (que más bien eran coñas) con estilos como el ska, el harcore o el funk.
Con su primer LP y siendo reclutados por liquid records, dieron el gran salto dejando definitivamente su anterior estilo para mutar y renacer a una música llena de guitarras potentes y pesadas pero enriquecida (esta vez sin flirteos ni timideces) con multitud de matices y estilos hasta ese momento inéditos en su música. La influencia de Voivod en su sonido siempre se dejó notar y siempre los tuvieron como retorcido referente pero el estilo se abrió más si cabe con su segunda puesta de largo el inconmensurable "Clorophile" que mejoró considerablemente en la producción (una lacra en "Love Gastronomy") y en la calidad y la madurez de sus temas.
Fue en este momento cuando su frontman, su bajista y su bateria forman Gigatrón grupo que, en un principio, nació para parodiar el Heavy Metal más guarro y socarrón. Este hecho no benefició en absoluto la música de Chococrispis que, con una propuesta mucho más seria y centrada (aunque no exenta de humor y alguna que otra coña) no conseguía en directo arrastrar a tanto personal como los conciertos/mofa del bastardo Gigatrón. Los diferentes intereses y alguna que otra estancia fuera de nuestro país de uno de los componentes hizo que perdieran la pasión y los Chococrispis fueron engullidos por el olvido.
Los últimos en dilatar en esta palestra tan particular son Groove Crew, grupo barcelonés con un e.p. y dos discos en su haber. Su paleta estilística se asemejaba a la cocktelera sónica de los Afraid pero en ellos pesaban más los ritmos hip hop, el scratching y las bases electrónicas con guitarrazos funky/punk. Su primer disco "Senseless" les acercaba irremediablemente a los mejores Senser con una frescura e inmediatez en las composiciones que invitaba e incitaba a la crítica socio-política y al desparrame festivo en unos conciertos de auténtica locura y desenfreno. Tuvieron ocasión de tocar en algunos festivales europeos (de hecho en Francia se hicieron un hueco relativamente importante) pero, tras publicar su menos inmediato y, por qué no decirlo, más flojo 2º disco desaparecieron irremediablemente del mapa y de ellos jamás se supo a nivel de lanzamientos discográficos y de proyectos de sus integrantes. De hecho no hay nada de ellos en youtube, ni en my space y unicamente hay una reseña en el webzine "la factoria de ritmo". Una pena su desaparición, porque su propuesta hubiese aguantado muy bien el paso del tiempo por la versatilidad sónica de la que presumieron.
