POR AMOR A LA MÚSICA: GEORGE DUKE & MICHAEL JACKSON en "OFF THE WALL" (1979)


De nuevo entramos en el juego "Por Amor a la Música" Pupilos. Esta semana 'El Patrón' es Josi, del blog "67 Rockbiker" con un acertadísimo post sobre "The Afterman: Descension" de Coheed and Cambria con la colaboración del pianista John Medeski. Como es obvio, el instrumento de esta semana es EL PIANO (en su más amplia definición permitiéndose todo tipo de TECLADOS) que debe ser tocado por un instrumentista de Jazz en un disco de Pop o de Rock'N'Roll.

'Press Triangle' and 'Don'st Stop.....'Til You Get Enough'!!!



Como era de preveer, con el piano siendo un instrumento protagonista desde el mismísimo nacimiento del Jazz también cuenta con verdaderos colosos de los teclados, gente que ha marcado un antes y un después en la ilimitada creatividad que se le presupone a un género como el Jazz y en todas y cada una de las décadas y estilos por los que se ha ido bifurcando, grandes como Count Basie, Chic Korea, Bill Evans, Herbie Hancock, Keith Jarret, Sun Ra, Thelonius Monk, Tete Montoliu, etc, y este sí que es un largo etcétera porque la lista es interminable amigos.....

Mi opción como pianista/teclista ha sido, fortuitamente, George Duke, y digo fortuitamente porque estaba preparado para atacar con Herbie Hancock con aquel básico "Head Hunter" del '73 que me tiene 'tontito' pero, me asaltaban las dudas, no estaba seguro sobre si no era una colaboración en un grupo de rock/pop por ser un proyecto creado por Herbie y, además, que este debut de Hancock con The Headhunters suena a 'funk jazz' y muy poco a pop o rock. Pero bueno, George Duke 'On Air'...



Pues bien, este californiano se inició en el mundo del jazz desde bien jovencito tocando el trombón y el contrabajo en un trio de jazz en garages y clubs cutres. Muy pronto se inició con el piano y los diferentes teclados en los 60's que ya empezaban a dar que hablar en el pop y el rock'n'roll pero su prueba de fuego para consagrarse en la primera división del R & B y el jazz fue como 'performer' para la orquesta de Don Ellis, la Cannonball Adderley Band, así como tocando en directo y grabando con el violinista Jean-Luc Ponty que fue el responsable de unir la carrera de Duke a la de Frank Zappa pues se convirtió en su pianista/teclista principal en toda la década de los 70's (desde "Chunga's Revenge" (1970) hasta "Sleep Dirt" (1979)).


Por esta colaboración con el genio loco de Zappa siempre será conocido pero no hay que descuidar la extensa carrera como solista con más de 30 álbumes y sus colaboraciones con Phil Collins, Al Jarreau, Stanley Clarke, Billy Cobham, etc, así como de productor del mismísimo Miles Davis en álbumes como "Backyard Ritual" y "Cobra"....Su estilo propio, personal e intransferible siempre se movió en las postrimerías de la 'jazz fusion' pero también el funk y el R & B tuvieron mucho peso, así como sus incursiones sin ningún tipo de prejuicios en el mundo del Pop, la Disco y el Soul.

Murió el pasado 5 de agosto por lo que me gustaría que sirviesen estas humildes palabras como un tímido pero sincero homenaje a un hombre que ha dado tanto por la música.

Y hablando de pop, disco, soul y funk, como era de preveer con la foto de la cabecera de esta entrada me he decantado por el "Off The Wall" (1979) del 'Rey del Pop', ¡Cómo no!!...


Menuda portadita la que publicó en aquellos años 'Jacko', eh?. Bien, "Off The Wall", además de ser el quinto disco de Michael Jackson en solitario, digamos que fue su verdadera prueba de fuego y asalto muy en serio a la fama internacional y al estrellato más multitudinario. Dejando atrás su carrera con la Motown fue su primer trabajo para Epic Records y la primera colaboración con el archiconocido productor, compositor e instrumentista Quincy Jones, la magia entre los dos surgió de inmediato convirtiéndose en íntimos amigos, además de en un tándem compositivo insuperable que cuenta con la trilogía sagrada de Michael con "Off the Wall" y los archiconocidos y superventas "Thriller" (1982) y "Bad" (1987).

Para este álbum, Michael quería hacer algo que rompiese con el 'soul funk' de sus discos anteriores, quería algo más inmediato, algo no ya tan centrado en la melodía sobre todo y ante todo, sino también en darle mucha importancia al 'groove' a través de zambombazos 'disco' y algo de 'soft rock' y baladas con una clara intención pop. Michael quería llegar a las masas sí o sí, tanto fue su entrega junto al productor Jones que compuso y completó más de 30 canciones al lado de éste así como del crucial para Jackson, Rob Temperton además de dejarse querer por la magia compositiva de dos grandes como Paul McCartney y Stevie Wonder que le cedieron ambos una composición propia. A esto se le llama' trabajar duro dia y noche' para sacar algo magistral....je,je.



Para mi gusto personal, si bien es cierto que descubrí "Off The Wall" tras la reciente muerte de Jacko, me parece, de todas todas, un disco que en conjunto es muy superior a "Thriller" por mucha 'coreo zombie', mucho "Billy Jean" y "Beat It" que contenga, no soporto las baladas babosas de ese álbum y la cara 'B' me parece muy floja, pero bueno, 'is my opinion'... Con respecto a compararlo con "Bad" ya esto es 'harina de otro costal', "Bad" es inalcanzable para mí.

Pero volvamos a "Off The Wall", Michael también quiso imponer una atmósfera guarrindonguilla más presente de lo que tenía acostumbrado con Motown porque no sólo se sentía libre compositivamente, sino también a nivel de lo que quería provocar en el oyente, como si quisiese que sus fans escuchasen el álbum dentro de una discoteca llena de 'titis' a las que cortejar de la forma más provocativa. La cantidad de ruiditos y rasgados vocales, jadeos, grititos y susurros se hicieron más evidentes que nunca teniendo a un referente e influencia clara como Stevie Wonder en este tipo tan peculiar de sucia y sexual interpretación vocal.

El disco no puede empezar de mejor manera con una composición propia de Jackson, "Don't Stop 'Til You Get Enough" una composición netamente 'disco' repleta de 'groove' (George Duke se luce justo al final), al igual que las rompepistas "Rock With You", más melosilla/poppie y con unos teclados finales de Duke muy molones y "Get On the Floor" más desconocida pero una de las joyas escondidas de este album sin ninguna duda con ese ataque rítmico y 'tribal' lleno de grititos y gemidos varios. Tres joyacas 'disco/funk', sin discusiones.



Mentiría si dijese que a mí el Michael que más me gusta es el más sucio, agresivo y tremendamente sexual y en "Off The Wall" tenemos este 'rol' perfectamente encarnado en la ya mencionada "Get On the Floor" y las ardientes y funkys "Workin' Day and Night" con la impresionante pirotecnia vocal del cantante desplegando todo tipo de sonidos con sus cuerdas vocales, la disco/soulera "Off The Wall", qué estribillo y coros Pupilos,...y "Burn the Disco Out" con una línea de bajo tremendísima y perfectamente ensamblada 'a contratempo' con el piano de George Duke, ¡Increíble amigos!!, ¡Qué bandaza que se gastaba 'Wako Jacko'!.

Pero también hay POP con letras mayúsculas, ¡Y del bueno!!!, aquí tenemos la aportación de 'Macca' en "Girlfriend" siendo ya uno de sus padrinos en el 'mainstream' musical como también lo eran Stevie Wonder y Diana Ross. Si hubiese sido cantada por el ex-beatle hubiese sido una de sus clásicas composiciones melosas. La balada poppie "She's Out of My Life" era una composición que ya tocaba Michael en sus conciertos antes de ser grabada para el álbum, un tema meloso también pero no baboso, esta es la gran diferencia con las baladas babosillas de "Thriller" y "Bad", una canción que me llega, la veo real. George Duke traza un acompañamiento en primer plano perfecto y aterciopelado para esta interpretación tan suave. "It's The Fallin In Love" también es claramente de intenciones pop con mucho funk por los alrededores, es la que menos me llama del álbum pero un temazo, sin duda.


Y cierro con la otra joya escondida del álbum junto a "Get On the Floor", os hablo de la 'jazzy' "I Can't Help It" que es la composición que le cedió Wonder. Michael y Quincy se lucieron, ¡joder si lo hicieron!!!. Una atmósfera jazz indiscutible, unos teclados de Duke acuáticos, atmósféricos junto al rítmico bajo y, WOW! la interpretación de Michael con este registro jazzístico y ese pegadizo estribillo que no se me quita de la cabeza.

DREGEN "DREGEN" (2013)...¡LA MADRE QUE TE PARIÓ ROCKER!!!


Una de las decepciones del año, uno de los putos 'blufs' que no me esperaba...y mira que el primer single "Just Like That" no me desagradaba por mucho azúcar que contuviese...



Parece ser que todo el mundo se lo está cargando y desde luego, tras las cuatro escuchas que llevo, no es para menos porque la decepción no es que sea grande, es ENORME. Quién me iba a decir a mí que el fichaje estrella del "Horns and Halos" de Michael Monroe, encarnado en la figura de Dregen, iba a ofrecer este artefacto con un tufo tan 'beautiful people', con tan poca personalidad y tan falto de guitarras a las que siempre nos había acostumbrado, ¡joder, que estamos hablando de aquel que 'quemaba' guitarras en los tiempos de "Payin' the dudes" y que devolvió el 'sleazy/punk' a la palestra con la bomba atómica que supuso "Total 13"!!!.


No discuto que el sueco quiera evolucionar y no encasillarse en la casilla 'High Energy/Rock'N'Roll', ni que quiera hacer música más accesible y, por qué no, comercial, pero no me esperaba estas canciones con tan poca 'chicha', tan de 'usar y tirar' (excepto alguna excepción) tras el papel que ha desempeñado en el álbum de Monroe. Estaba muuuuy equivocado...

"Divisions of Me" es el tema que abre el álbum y uno de los que salvo de la quema, suena bien, potente, guitarrero y accesible, ¡no pasa nada amigos!!. Con el primer single, "Just Like That", ya saltaron las alarmas en la blogosfera y, oye, para mí no fue para tanto, la canción es un tema 'chicle' con muuucho azúcar y un tufillo a Terrorvision muy evidente, sorprendía sí, pero no asustaba....a mí siempre me gustaron Terrorvision!. El clip era más rockero que el tema, más agresivo que la música por lo que, ¿para qué ponerse nervioso?

Con "Flat Tyre On a Muddy Road" nos encontramos con la única sorpresa en positivo de "Dregen", un tema 'country/bluesy' con una atmósfera a medio camino entre el Tom Waits 90's, Uncle Kracker (guitarra de Kid Rock) y Fun Lovin' Criminals. ¿Qué Dregen medio rapea? Bah! no pasa nada, el aroma 'vintage' y esos aires 'rootsy' con voces femeninas me han parecido muy interesantes pero lo que está por venir....buffff.



"Gig Pig" es retrotraerse musicalmente al "Holy Wood (In the Shadow of the Valley of Death)" de Marilyn Manson. Esto sí que no me lo esperaba, pero en negativo, ¿Qué coño hace este 'sleazy/rocker intentando emular al Reverendo?!?!?!, pero es que, encima, esto se vuelve a repetir en varios momentos del álbum como en el corte siguiente "Pink Hearse", ¡Dregen filtrando guitarras!!! ¡Increible!. La mutación perfecta entre Terrorvision (instrumentalmente, de nuevo) y Manson (vocalmente). El otro tema PLAGIO/tributo al creador de "The Beautiful People" es "6 till 10" y aquí es donde ya he perdido todas las esperanzas con esos susurros y jadeos tan característicos 'de otro' y las texturas de sus últimos discos.

La desilusión y el desastre siguen porque "Bad Situation" recuerda a los Backyard Babies más aburridos y atmosféricos, "One Man Army" tampoco ofrece algo salvable más allá de tener un riff rockero en primer plano a medio camino entre AC/DC y U.F.O., "Refuse" no empieza mal pero se va desinflando sin remedio con el intento épico de estribillo pero sin nada de 'chicha'...pero tampoco de 'limoná', en resumen, que las guitarras aquí deberían de haber explotado como debe y no lo hacen.

Menos mal que el tema final no hace que salga demasiado cabreado porque "Mojo's Gone" coge un poco de nervio y dinamismo guitarrero, muy Imperial State Electric pero con un riff a lo Captain Poon en solitario, a pesar de ello me sigue faltando algo, no acaba de cuajar al 100%.

Y menos mal que había sólo diez temas porque 'el desaguisado' hubiese sido ya de órdago. No me has gustado Dregen y, a pesar de que hayas perdido toda tu melena por la colaboración con Monroe, tu reciente paternidad, tu autobiografía, tu debut en solitario ('Y todo al mismo tiempo!!! como afirmas) no te pasamos que, quizás, deberías de haber esperado un poco más para servir un producto más auténtico, más tú, mucho más cuidado y reflexionado en lugar de querer sacar un producto para dejarte ver entre celebridades varias y selecta 'Beautiful People'...

DEPECHE MODE: "HIGHER LOVE", "CONDEMNATION" with MARTIN GORE ON 'LEAD VOCALS'!!!


Tenía en 'borradores' esta entrada criando ya telarañas y quería sacarla cuanto antes porque es una curiosidad que a mí me produce mucho morbo y...¿Acaso este no es un blog "Iconomaníaco, morboso y sexy"?.

Para todo seguidor de Depeche Mode que no es un 'die hard fan' sabe que Martin L. Gore es y ha sido siempre el compositor principal pero el carisma y la entrega de Dave Gahan siempre han sido también tan descomunales que me ha hecho muchas veces olvidarme que el 'alma mater' de las canciones más grandiosas de los de Basildon parte del rubio teclista/guitarra.

Para esta gira de "Delta Machine Tour" me está sorprendiendo que Martin esté más presente vocalmente que nunca pues está relevando a su eterno amigo/enemigo Gahan en dos o tres temas, incluso cuatro en algún 'bolo' del comienzo de la gira, además de sus tradicionales momentos de protagonismo absoluto con sus baladas obligadas "Judas", etc,...¿Cansancio vocal del frontman Gahan? ¿Relevo socorrido para aguantar la extensa gira? o....¿Toco y CANTO estas canciones porque para eso son mías?

Aquí tenéis uno de los dos momentos que expondré aquí, primero "Higher Love"...



Está claro que, cuando Gore afronta un tema cantado por Dave son muy palpables dos cosas, la primera es que el chorro de voz de Gore es mucho mayor y no está nada cascado como sí lo están las cuerdas vocales de Gahan, el segundo es que, cuando Martin canta cualquier tema, su personalidad se impone y vemos la verdadera raiz de la canción, su punto de partida como habréis comprobado en esta versión de corte más desnudo y semi-acústico.

Este siempre fue uno de los temas clave en aquel tremendo "Songs of Faith and Devotion", mi disco favorito de Depeche Mode, y siempre abrió sus conciertos en aquel inolvidable "Devotional Tour" con esas telas cubriendo a la banda empezando la interpretación tras ellas. Un inolvidable momento que me marcó y que os dejo aquí abajo para que contrastéis las dos actuaciones...



Desde luego, si Martin se ha puesto al frente para cantar también "Condemnation" es signo inequívoco que relaciona aquel "Songs..." con el actual "Delta Machine" por su cadencia 'blues' en determinados momentos, la vuelta de la guitarra y la referencias erotico/sexuales pero "Condemnation" era y es otra cosa, aquí el 'gospel' y el 'soul se daban de la mano en un tema que dolía cada vez que lo escuchaba, un tema de castigo y redención que también salió de la cabecita de Martin y no de Dave como podría parecer por vivir momentos de adicción y todo tipo de excesos. Como siempre, la interpretación gestual y de movimientos de Martin siempre ha sido torpe, incluso hasta deficiente con respecto a los gestos y la entrega visual de Dave pero la voz, ¡QUÉ VOZZZ!!.



Como no, necesario es hacer comparaciones con el clip de aquí abajo, no os fijéis demasiado en vuestro veredicto (el que guste de hacerlo claro) con respecto a la escenografía, la gira de "Devotional Tour" fue un hito en tanto en cuanto a pantallas, imágenes y escenografías varias, la gira de "Delta Machine", al menos en estos temas, se han centrado en la interpretación de Martin en acústico de estos canciones, más allá de parafernalias visuales.



POR AMOR A LA MÚSICA: JONI MITCHELL & WILTON FELDER EN "RAISED ON ROBBERY", album "COURT AND SPARK" (1974)


Mientras ayer hacia la estructura de la entrada con la composición de videos e imágenes, me dió por comprobar si algún jugador había lanzado ya su propuesta y veo que vamos a coincidir Master "Forrest/TSI" y un servidor en la artista aunque, menos mal, no en el disco.

Cogemos 'la pelota del tejado' lanzada por Vinny Gonzo, del blog "Vinny, Vidi, Vici" que le toca dominar el barrio de "Por Amor a la Música", proponiendo EL BAJO (me lo esperaba, como no) como instrumento para ser tocado por un INSTRUMENTISTA JAZZ haciendo una colaboración en un disco de pop/rock. En su caso, su 'post' me ha dado una de las alegrías de la semana hablando de uno de mis grupos fetiche en el mundo del 'power pop', el maravilloso y bellísimo "Bellybutton" de Jellyfish, ¡WOW, no me lo esperaba Vinny!!. Gonzo se ha currado un postazo trabajadísimo pero a su vez lleno de pasión por una música que, como él dice, 'le ha robado el corazón', ¡Y como no!!, con semejante bandaza de melodías tan sublimes. Tengo que recuperar este disco ya!!!

Mi opción en el mundo de los bajistas jazz ha sido Wilton Felder y me he sentido tentadísimo a escoger a Jaco Pastorious o a Charles Mingus (no con Joni Mitchell) por desconocimiento ante semejantes monstruos del instrumento pero me suponía que algunos de los concursantes ya lo harían, aunque no pensaba que sería con la misma artista como con Forrest y su post sobre Joni Mitchell en "Mingus". Max Bennet también estaba entre mis elegidos, me llamaba también la atención este músico.


Wilton Felder siempre se le asocia con la banda de funk/jazz/soul The Crusaders, a parte de tocar el bajo eléctrico se le conoce muy mucho (yo diría que más) por su dominio del saxo pues ya desde sus comienzos en Houston en los 50's en la banda 'Swingsters' (con Joe Sample, Stix Hooper, Hubert Laws y Wayne Henderson) era su instrumento principal. Felder & Cia se trasladaron a California a finales de la década del rock'n'roll para cambiarse el nombre por 'Modern Jazz Sextet' pero se conoce que no les gustó demasiado como quedaba porque no tardaron en cambiarlo a Night Hawks, un nombre con mucho más gancho.


Ya en los 60's, el nombre y las intenciones estilísticas siguen en evolución constante porque empiezan a mezclar jazz con otros géneros, en concreto el 'soul', grabando para el sello Pacific Jazz bajo el nombre ya de 'The Jazz Crusaders'. Ya en los 70's, combinando más el saxo con el bajo y cambiando de compañía (¡y nuevamente de nombre!), los reformados The Crusaders evolucionarían hacia terrenos 'funk' con una clara intención 'jazz fusion'. La banda viviría sus momentos más gloriosos en esta década y Felder viviría todas sus encarnaciones y nuevas formaciones hasta el día de hoy. En cuanto a las colaboraciones de este hombre son, wow!!, casi infinitas, te pierdes con la cantidad interminable de colaboraciones y diferentes cameos que este hombre a hecho para muchos de los grandes, caso de Joan Baez, Stones en la gira del '75, Bobby Womack, Jackson 5, Nancy Wilson y un larguísimo e interminable etc....

....del que me he quedado con la fundamental JONI MITCHELL por continuar rellenando lagunas femeninas como me pasó con Emmylou Harris, Pat Benatar y Debbie Harry. Ahora sí es el momento!, press 'PLAY'!!!



Esta gran mujer y artista nunca me llamó excesivamente la atención hasta que, de nuevo, Master TSI la citó en la ronda de 'saxofonistas' y ahí me picó mucho la curiosidad, más que nada por omisión, porque no quiso hablar de ella en aquel momento provocando el efecto contrario en mí, pues deseé conocer su música y sus discos como nunca antes lo había sentido.

Sus primeros cinco discos están cimentados en el folk con tintes pop y ya en esta época se convirtió en lo que mucha gente neófita (como es mi caso) sabe de la cantante en tanto en cuanto a icono de la generación Woodstock y el 'flower power'...craso ERROR el mio...

He escogido "Court and Spark", el sexto disco de la Mitchell, porque creo que es una opción inmejorable para entrarle a su carrera, y no sólo porque colabora nuestro protagonista Wilton Felton y ser uno de sus discos más exitosos, sino también porque este álbum inicia una nueva via artística, una futura nueva etapa en los 70's coqueteando poco a poco con el jazz pero también con el pop y eso me ha llamado muchísimo la atención por el riesgo que eso le tuvo que suponer y...¡porque no tenía demasiadas ganas de meterme en un trabajo 'folkie'!.

Después de "For The Roses" (1972) y el éxito que obtuvo, Joni se tomó su tiempo para componer su sexto álbum, era la primera vez que se tomaba tanto tiempo para confeccionar un disco pues estaba acostumbrada a sacar un disco por año pero mereció la pena, el cambio estaba empezando a gestarse y la Mitchell quiso dar un giro a su música en este disco añadiéndole matices sin romper con sus raices 'folkies'. Os puedo asegurar que estoy completamente complacido, como ya he dicho antes no me hacía mucho la idea de encontrarme con un disco integramente 'folk' y "Court and Spark" desde luego que no lo es porque aquí hay un poquito de todo, canciones rematadamente pop, folk con mucha clase, ramalazos jazzisticos, y alguna pincelada de rock'n'roll y funk. Es un discazo como la copa de un pino, no lo definiría ya como una obra maestra porque me faltaría asimilarlo más pero se le queda muy cerca. ¡Qué canciones!!

Los primeros singles no pudieron ser más acertados porque aquí tenemos uno de sus incontestables 'hits', "Help Me", que ya denotaba cierto cambio, con sonoridades 'jazzys' muy claras pero con omnipresencia pop...



Pero con el tema que yo me quedo para resaltar la labor de Winton Felder es, como no, el más rockero, no es el tema en el que más se luce el bajista o en el que más se le oye pero es en el que más nervio y desparpajo tiene toda la banda y la Mitchell con sabores campestres pero muy rockeros. La composición comienza en plan 'doo woop' con unas armonías vocales que ya anuncian un tema optimista y la mar de divertido, pero aquí también se mete un 'solo' genial de saxo y otro segundo de guitarra eléctrica que lo realiza el mismísimo Robbie Robertson de The Band. Increible.

Pero es que el tema que le sigue (y hablamos ya del penúltimo corte) me tiene hipnotizado, aquí el jazz está claramente presente como lo está la atmósfera 'funk' acompañando a la cantante con unos coros 'soul' chulísimos y unas trompetas cojonudas. El bajo tan sexual, tan 'funky' que se oye aquí corre a cargo de Max Bennet, otro grande del instrumento.




Pero "Court and Spark" no tiene ni un tema de relleno, joder!, me han gustado absolutamente todos y, aunque a estas alturas ya pueda sonar a tópico con las mujeres que estoy descubriendo últimamente, para mí ha sido un auténtico descubrimiento del que voy a seguir disfrutando todo este fin de semana. El folk que caracteriza la primera etapa de su carrera copa todavía mucho espacio aquí con "Free Man in Paris", que está basada en un viaje a París que hizo con su íntimo amigo David Geffen, el tema cuenta con los cameos en los coros de ni más ni menos que David Crosby y Graham Nash. También hay mucho 'folk' y del bueno en "Just Like This Trains" muy Neil Young/toques jazz, "People's Parties" (¡menuda interpretación vocal de la Mitchell!!), "Same Situation" pero acompañada de su piano y querencia pop, es en este punto donde compruebo claramente lo mucho que le debe Tori Amos a esta gran mujer, esas melodias...

Pero el tema que más me está atrapando en estos momentos es el majestuoso "Down to You" que comienza con una suave línea de piano y que tiene cambios inesperados, que te va llevando poco a poco a otro nivel, entre las nubes, con esos coros 'gospel' y que acaba con unas cuerdas hermosísimas. Tori Amos seguro que siempre amó este tema, pondría la mano en el fuego.

No quería cerrar este reseña sin hablar de "Twisted", qué maravilla diosss!!. Supongo que en aquella época y para los fans de Joni tuvo que ser una auténtica voladura de cabeza escuchar un tema tan alejado de su sonido folk porque "Twisted" se nutre instrumentalmente del bajo de Wilton Felder (ahora sí, en primer plano) y la trompeta en un tema sencillo y vacilón de corte 'swing jazz' en donde la cantante nos demuestra con su garganta que puede regresar a los años 30 y 40 sin problema y liderar una 'big band' si se le antojase. Este 'aviso' final ya sí que iba a ir en serio para futuros trabajos a pesar de parecer el típico tema final de un disco en donde te desmarcas un poco de tu estilo y de tu cancionero más conocido.

A partir de aquí, el nuevo camino para Joni Mitchell se abría lleno de posibilidades tras el éxito masivo de "Court and Spark" pero no se durmió en los laureles haciendo pop folkie sino pariendo discos en donde el jazz era el nexo de unión de todos los estilos y géneros que esta mujer dominaba. Luego vino "The Hissing of Summer Laws" (1975), vino Jaco Pastorious, vino Charles Mingus...

Me despido esta semana con una interpretación en directo obligada de "Raised On Robbery"...

Rock & Roll!!!

UZZHUAÏA "SANTOS & DIABLOS" (2013)


PRESIONA!!, la historia está a punto de contarse...



Esperando que hayas sobrevivido a los decibelios y la fuerza del tema inicial de Uzzhuaïa te cuento, lo sabes pero te lo cuento, con la banda valenciana nunca podré ser objetivo, mi subjetividad no puede estar más agudizada aquí y no sólo por la cercanía geográfica y de amistad con uno de ellos (Izzra), sino también con la carga emocional y anímica cada vez que escucho un riff de Isra o de Alex, un redoble de Jose, una 'intro' asesina de bajo de 'Varone' o un estribillo cantado por Pau para arengar a las masas. Deseo que lo entiendas.

El camino no ha sido nada fácil hasta llegar a "Santos & Diablos", la banda ha ido sufriendo (como todas las que no son Bose's, Sanz's, Estopa's o Bisbal's) los varapalos de la crisis de la Industria musical pero también la de la otra crisis, la que hace cerrar 'garitos' y clubs por falta de público perdiéndose un circuito de conciertos y festivales que a una banda de directo como es Uzzhuaïa les hace falta como el comer para seguir manteniendo el fuego. Y lo han conseguido gracias a esa supervivencia, ya lo dice 'Izzra' en el espectacular libreto de la caja 'Deluxe' de "Santos & Diablos" que poseo: "..."13 veces por minuto" fue un disco de supervivencia...", pero ese instinto para continuar a pesar de la falta de bolos y del nulo apoyo de los medios mayoritarios no decayó en absoluto, la banda lo tenía claro, su vida es Uzzhuaïa aunque no puedan ganarse la vida ninguno de ellos sólo con la música.


Recurrir al 'CrowUzz-funding' fue un gran acierto y, como ya os comenté en post anteriores este verano, cuando se propuso esta opción, fue un gran acierto pero un mayor éxito duplicando con creces lo que ellos necesitaban para financiar todo lo que conlleva editar y promocionar un disco en los tiempos que corren y en uno de los paises menos rockeros que existen sobre la faz de la tierra, nuestra particular y 'cañí' piel de toro.

Pero "Santos & Diablos" ya es una realidad, ya lo tenemos entre nosotros, dándonos un puñetazo en la boca del estómago, explosionando nuestro cerebro, meciendo nuestra sensibilidad y expandiendo más que nunca nuestra alma. La madurez que ha alcanzado la banda, las tablas adquiridas gira tras gira y las grandísimas canciones compuestas en los cuatro anteriores trabajos de los valencianos así lo abalan. Uzzhuaïa se han convertido en una banda ha seguir, una banda de referencia en el mundillo rockero que quiere más, que aspira a llegar a mucha más gente y que, todavía (pienso) quiere comerse el mundo y vivir de esto a pesar de que se les resista el éxito masivo que merecen como nadie y del reconocimiento popular porque tienen motivos de sobra para ello.

Muchos piensan, opinan, con todo el respeto por supuesto, que sus mejores tiempos, su mayores gestas se centran en aquel escandalosamente bueno "Diablo Blvd." y en "Destino Perdición" pero aún amando estos dos discos como parte de mi piel y familia pienso que "13 veces por minuto" contenía temazos como el homónimo "13 VxM", "La Mala Suerte", "Ante la Tempestad" o "No quiero verte caer" entre otros, a mí me pareció un disco redondo, quizás no de sobresaliente pero un discazo al fín y al cabo.

Y en "Santos & Diablos" no iba a pasar lo contrario, la banda insiste en sus parámetros hard rockeros siempre con infinidad de matices, aunque quizás, en "Santos..." las guitarras potentes han vuelto a primer plano como nunca, incluso se han atrevido a acercarnos a terrenos metálicos más que nunca pero claro, estamos hablando de Uzzhuaïa, y la banda de Pau & Cia nunca se ha caracterizado por hacer discos lineales y a piñón fijo por lo que en este último trabajo también es la melodía, paradójicamente, la dueña y señora de la mayoría de los temas añadiendo más Pop que nunca entre guitarrazo y guitarrazo. Es un disco que me sorprende en ese sentido, sí señor.


El álbum empieza con el tema que te está acompañando (supongo) en esta lectura, directo, al grano, desenfrenado, poderosísimo justo antes del primer 'solo' de Izzra para quitarse el sombrero. Aquí ya nos damos cuenta de que el estribillo es completamente accesible y tarareable, ¡Hasta mi hija de cuatro años lo canturrea cada vez que lo pongo en el coche o en casa!. Le sigue la efectiva simpleza lírica de "Fugitivos", y me hace gracia, los versos cantados por Pau hasta recuerdan a... ¡Miguel Rios!! en algún momento pero con una instrumentación de vértigo y un 'solazo' hard rocker increible.

Llega "Santos & Diablos", el tema con más vocación de himno del trabajo, un absoluto éxito que tendrá que ser encima y debajo de un escenario (la gira acaba de comenzar, ¡revisa fechas!) con todo el puto público berreando el estribillo. Aquí, la línea de bajo de Álvaro 'Varone' es absolutamente adictiva y no os digo nada del poderoso baqueteo de Jose.



Una de las sorpresas del álbum para el que os escribe es "Directo al Mar", Pau rasga la voz más que nunca, es arenosa y agresiva a más no poder al igual que el atronador 'riff', es lo más cerca que Uzzhuaïa puede estar del 'Trash' sin desmarcarse de su reconocible sonido con esos machacones ataques a la sexta cuerda. Un excelente tema de huida y liberación.

El 'hard rock' se impone ahora en "Latidos" con ese riff cortante y afilado. Y es, en este tema de nostalgia musical (y alguna crítica a la situación músical actual y a los modos de escucha), donde veo claramente esa simbiosis perfecta entre poder decibélico y esencia 'pop'.

La angustia y el agobio existencial cubren "El Resplandor", el 'tempo' baja considerablemente, la 'balada' del álbum con permiso de "En Ciernes", con una profundidad que te atrapa sin remedio. La verdad es que pienso que es la segunda parte de "Blanco y Negro" contada, esta vez, en primera persona, no sé....

Para los dos temas siguientes la energia y las guitarras vuelven a imponerse con claridad; en "Bailarás en el Infierno" con un pequeño homenaje/tributo en forma de 'intro' a la banda de Iommy para luego recordar, en cierto modo, el sonido de Alice in Chains en el nuevo siglo con ese 'muro de sonido' típico de Cantrell. Me encanta también la letra aquí, el sexo todavía no había hecho acto de presencia... pero es que "El Solitario"... ¡me tiene jodidamente loco!!, con ese rock'n'roll punkarra y canallesco. El tema más crápula, alcohólico, y acelerado junto a "Una Historia...". ¿Os he dicho que me vuela la cabeza??!.

En "Cicatriz" los Uzzhuaïa más 'The Cult'/Héroes vuelven a homenajear en el riff a unas de sus bandas de cabecera, cómo no, siempre lo hacen sutilmente y por mí que lo sigan haciendo de por vida. No es el tema que más me llame la atención del álbum pero tiene un desarrollo guitarrístico final que me puede.

Llega otro tema que me pone muchísimo las pilas y otra de las sorpresas de "Santos & Diablos". ¡Uzzhuaïa jugando en la liga de los Monster Magnet de Dave Windorf!!. Ciertamente "A Un Millón de Años Luz", con su temática 'galáctica' de mensaje crítico y ecologista y esas guitarras que por momentos recuerdan a las de Windorf, se convierte en un refrescante tema 'space rock' que puede dar muchas alegrías en directo por su fuerza y 'Magnetismo', je,je,je... Lucimiento de fondo de 'Varone' ¡Menudo bajo dios mio!!

"En Ciernes" es otro de los platos fuertes, con una base acústica en donde te imaginas a Pau en cualquier calle del barrio del Carmen tocando la guitarra, nos encontramos con una canción bellísima e intimista, para perdedores que se resignan pero que remontan de los palos que te da la vida y las convenciones. Hacia la mitad del tema el ritmo se electrifica volviéndose rabioso y enfadado. Un buen contraste (uno más).

Y llegamos al final de esta 'historia que contar'con "1975", un 'track' que me pide en todo momento un 'hammond', no sé, hasta lo percibo sin que esté (...). Un tema para acabar con energía y con poder sónicó (la línea de bajo es matadora aquí también) pero con una melodía y un texto pop que, a estas alturas, ya se ha convertido en un contraste de lo más asimilado y aceptado por el oyente. Una canción para romper esquemas, para saltarse todas y cada una de las convenciones estúpidas e interesadas que nos rodean, un tema para rebeldes e inconformistas....y para eso ya está AXL, para recordárnoslo insertando en el track uno de sus famosos 'speechs' en directo de sus años de gloria. Un buen guiño para rematar la jugada.

"Santos & Diablos", un albumazo a la altura de la leyenda Uzzhuaïa, un paso hacia delante que ya fue apuntado con "13 VxM". La aceptación y asimilación de la belleza de la melodía sin desmarcarse ni un ápice de riffs atronadores y ritmos poderosos. Uzzhuaïa deberían de estar vendiendo discos como churros y reventando salas porque se merecen el éxito, SU ÉXITO, perseguido tras todos estos años de actitud inquebrantable y jodido rock'n'roll.

Por cierto Izzra, como me has 'montado' un bolo en la sala Zeppelin Live de Castellón...¿Te pensabas acaso que iba a perdermelo?!?, NO WAY!!!. Allí nos veremos.

SONGS STORIES VOL.2: ALICE IN CHAINS "ROOSTER". PERFECTO TRIBUTO A UN PADRE


"Rooster", menudo temazo de Alice in Chains. Fue el primer tema que escuché de la banda de Seattle y, como es lógico, uno de los que más me ha marcado siempre. Gracias a "Rooster" alguna fuerza oscura e inexplicable me empujó a esas opresivas atmósferas de Alice in Chains que me han acompañado desde aquel 1993 cuando el videoclip fue lanzado por MTV. Esa melodia y esas armonías iniciales ya lo son todo para que un tema se convierta en una obra de arte, y este es el caso.

Pero aquí estamos para contar la historia, la letra de la canción trata de las penurias y las salvajadas que el padre de Jerry Cantrell tuvo que sufrir(pero también infringir) en la guerra de Vietnam. El nombre de 'Rooster', parece ser que fue siempre el apodo de la familia Cantrell pero el 'nickname' también está asociado a los esforzados soldados que fueron utilitarios de la 'M60 machine gun', así como a la '101st Airbourne Division' en la que el padre de Cantrell sirvió para el ejército U.S.A., pero también se conoce el 'Rooster' como el apelativo peyorativo de los vietcongs al soldadito americano, algo así como 'Chicken Man' o 'hombre pollo'. Como véis, un nombre muy abierto para que cada cual extraiga sus propias conclusiones y se quede con lo que quiera.

 En cuanto a lo que cuenta la letra, la verdad, es muy explícita como para explicarla verso a verso pero sí que es interesante contar que fue el primer acercamiento padre e hijo tras un distanciamiento desde la niñez y es que, hasta ese momento, el padre de Cantrell nunca había hablado abiertamente de Vietnam con su hijo, ni tan siquiera de otras cosas más mundanas y normales. Tras la composición de la canción se pensó inmediatamente en la realización de un videoclip visto el filón creativa que se había creado aquí...



Es en este videoclip en donde se cierra el significado de todo esto. En un principio se les hizo una entrevista a los dos de 45 minutos sobre sus impresiones y experiencias que por supuesto se centran en lo que cuenta Cantrell Sr. y son las primeras imágenes en blanco y negro del clip. Para la realización del mismo se utilizó un montaje en paralelo con imágenes en blanco y negro del rancho del tío de Cantrell (hoy en dia residencia de la familia del guitarrista) con imágenes a color de imágenes reales del conflicto vietnamita junto con una interpretación dramática de actores a lo 'Platoon' en el propio rancho en donde se representan algunos de los hechos por los que Mr. Cantrell pasó.

Huelga decir que a Jerry Cantrell le sorprendió la sangre fría y la tranquilidad con la que su padre hablaba de todo ello, según sus propias impresiones confesó: "He was totally cool, totally calm, accepted it all and had a good time doing it. It even brought him to the point of tears. It was beautiful. He said it was a weird experience, a sad experience and he hoped that nobody else had to go through it".

Su padre presenció, según palabras del guitarrista, la interpretación de la canción a finales de 1992, en un club recién abierto por Iggy Pop. La emoción hizo el resto porque su padre rompió a llorar cuando su hijo se bajó del escenario y se encontraron cara a cara.

Aquí os dejo el sentido homenaje de Cantrell a su padre:

Ain't found a way to kill me yet
Eyes burn with stinging sweat
Seems every path leads me to nowhere
Wife and kids household pet
Army green was no safe bet
The bullets scream to me from somewhere
Here they come to snuff the rooster, oh yeah
Yeah, here come the rooster, yeah
You know he ain't gonna die
No, no, no, you know he ain't gonna die
Here they come to snuff the rooster, oh yeah
Yeah, here come the rooster, yeah
You know he ain't gonna die
No, no, no, you know he ain't gonna die
Walkin' tall machine gun man
They spit on me in my home land
Gloria sent me pictures of my boy
Got my pills 'gainst mosquito death
My buddy's breathin' his dyin' breath
Oh God, please won't you help me make it through?
Here they come to snuff the rooster, oh yeah
Yeah, here come the rooster, yeah
You know he ain't gonna die
No, no, no you know he ain't gonna die

El "Unplugged"  de "Rooster" no podía faltar aquí, con un Layne en estado 'quasi' cadavérico dotándole de un dramatismo y un dolor añadido a la canción.



Como curiosidad, Mike Starr fue la última vez que apareció en un foto con la banda, en concreto en el 'cover' de la portada del single. No tardó en abandonar el barco y ser sustituido por Mike Inez.

MICHAEL MONROE OFFICIAL CLIP!!! "STAINED GLASS HEART", EL ROCK'N'ROLL HECHO TERNURA TAMBIÉN ES R'N'R.


Por petición 'casi' expresa del colega Karlam (Stage III) me puse a visionar con atención el reciente clip Michael Monroe de "Stained Glass Heart", la canción contenida en su impresionante "Horns and Halos". Que no incluyese este video en la reseña del álbum que hice este viernes no implica que el tema no me guste...¡ni mucho menos!!!, ya comenté que esas guitarras iniciales me recordaban a la banda de Dave Grohl; más bien fue porque quise darle al 'post' una atmósfera más directa e 'in your face', más de directo, porque eso incluí clips de actuaciones para dejar bien a las claras la fuerza que tienen estas canciones en su incendiario directo.

Hecha la aclaración, he visto varias veces el clip y es una jodida maravilla, el tema gana incluso más en formato visual incluso. La banda aparece perdida en un parque de atracciones solitario, los enfoques y desenfoques constantes y las deformaciones visuales entre penumbras y demás oscuridades muestran a la perfección ese estado de 'desorientación y nostalgia' que desprende la canción. Michael Monroe aquí muestra su faceta más sensible y, siendo sinceros, hasta me impacta verlo tan tierno a sabiendas de cómo se las gasta este animal de escenario encima de unas tablas. Todos los componentes se vuelven a encontrar y, cómo no, Steve Conte es el nexo de unión (¿metáfora de lo que ha pasado en el disco?) que vuelve a unirlos con ese excelente 'solo' de guitarra que se marca encima de una empinada subida de una montaña rusa. La banda acaba el video tocando juntos y demostrando que, tras unos malos momentos de desconcierto e introspección es el rock'n'roll es que se impone para volver a ver de nuevo la luz y el optimismo aflore.

Por cierto, el 'look' de Dreguen lo único criticable aquí.



Contada esta historia por Lady 'Ca Ca' o Justin (hasta los cojones) Biever podría parecer de lo más baboso que te podrías hechar a la cara pero nadie mejor que Michael Monroe para hablar de 'oscuridades' y malos momentos que son superados por una actitud positiva y dedicida ante la vida.

ROCK'N'ROLL is BIGGER than LIFE!!!

ROB ZOMBIE CLIPS!!! "WE'RE AN AMERICAN BAND" O EL CIRCO AMBULANTE ZOMBIE EN DIRECTO!!!


Sigo empeñado en calentar el gélido ambiente de la piel de toro, es el turno del Zombie...

Era previsible Pupilos, Rob Zombie debía lanzar este 'cover' de los grandísimos y nunca suficientemente reconocidos Grand Funk Railroad que está contenido en su acojonante "Venomous Rat Regeneration Vendor" en formato clip. ¡Estaba cantado!!. "Venomous..." es uno de los discos del año en cuanto al rock'n'roll/freak más poderoso y Mr. zombie lo sabe...

¿Alguién reconoce al Zombie aquí?, ya tenía cara de cabroncete antes de que le 'mordiesen'!
Para seguir apoyando la extensa gira por la geografía americana ha lanzado un 'clip' con imágenes, no sólo de sus teatrales shows sino también de muchos momentos entre concierto y concierto mostrando la vida en la carretera. Esto último que os digo podría parecer más de lo mismo en este tipo de clips, pero, HEY!! ¡estamos hablando de Rob Zombie!

but first, ENJOY!, please!, ENJOY!!



Si has sobrevivido al bombardeo de imágenes te habrás dado cuenta que el imaginario zombie continua aquí como siempre lo ha concebido Rob, mujeres atómicas con sus 'big boobs' celebrando el ritual zombie, fotos de cuando eran críos, monstruitos varios, carteles y mensajes frikis en perdidas cutre-carreteras americanas, imágenes en primer plano de animales, motacas Harley's y, por supuesto, la propia banda en plena forma encima de los escenarios yankees (¡me encanta el 'momento cachete'!!) gozando del 'leitmotiv' 'Somos una banda Americana' como nunca, hasta los mismísimos 'roadies' tienen un hueco aquí en un inusitado detalle de humildad (quién lo diría) del siempre endiosadillo Mr. Zombie.


Pero si no queréis quedaros con el para mí excelente montaje de imágenes del 'official clip', aquí tenéis el mismo tema pero en un directo real, en concreto en el show de 'Jimmy Kimmel Live' en una fecha perfecta para ellos, pues el mini-show se correspondió con la celebración de Halloween. Aquí también hay momentos atómicos, para empezar, el mismísimo Jimmy Kimmel disfrazado ni más ni menos que de Blancanieves (!!!) sosteniendo el vinilo de Rob Zombie y a la banda disfrazada de clowns asesinos y psycóticos.



Desde luego Rob Zombie es un personaje y una banda que no da lugar a indiferencias y puntos medios, o te gusta o directamente lo odias, a mí siempre me puso mucho el frikazo hiperactivo de Rob y su particular bestiario visual y sónico desde los tiempos de "La Sexorcisto: Devil Music Vol.1", a pesar de haberlo odiado mucho tiempo por lo que les hizo a sus colegas de White Zombie, en concreto a Sean Iseult, pero con este último álbum he 'limado asperezas y rencores' y me he reconciliado con este tiparraco.

Por si os habéis quedado con ganas de más, os cuelgo también "Dead City Radio and the New Gods of Supertown" que se ha convertido ya en un clásico más del repertorio de la banda. ¡Cómo me gustan los pies de micro Pupilos!!

MICHAEL MONROE "HORNS AND HALOS" (2013), EL ROCK'N'ROLL CONTINUA PELIGROSO Y A FLOR DE PIEL!!!


¿Has puesto en tu dieta del friolero fin de semana algo de DINAMITA??...¡Pues aquí la tienes!!!



No quería que llegase este momento, así os lo digo Pupilos. Normalmente, cuando hago la reseña de un disco suelo dejar el disco de lado o bajar considerablemente las escuchas para centrarme en otros álbumes que también merecen un espacio en Pupilandia y no quería que me pasase con el flamante disco de Michael Monroe "Horns and Halos".


Con una banda de auténtico superlujo como Steve Conte (guitar), Sammi Yaffa (bass), Dreguen (guitar), Karl Rockfist (drums) y la bestia parda del rock'n'roll Michael Monroe, "Horns and Halos" no podía fallar, ¡de ninguna de las maneras! y es la perfecta continuación del también acojonante "Sensory Overdrive" (2011). En "Horns..." la novedad y el reclamo artístico (pero también publicitario) ha sido el ex-Backyard Babies, Dreguen, que ha estado a la altura sin problemas tras la marcha, la patada o la huida de Ginger (The Wildhearts) y eso, a mí me inquietaba un poco porque el nivelazo de "Sensory..." con Ginger era descomunal.

Si tengo que establecer comparaciones con los dos discos, diría que "Sensory Overdrive" es más variado, por momentos más reposadoo sónicamente hablando con esos cameos de Lucinda Williams, Lemmy, Jack Douglas y Todd Youth pero un disco indiscutible y ganador de todas todas; "Horns and Halos" yo diría que está más vitaminado e hipermineralizado, es más punky pero a su vez más pop y con ciertos toques 90's.



Y es que, no me digáis que tras visionar en directo el tema-título del álbum no se os ponen ganas de berrear bien alto y hacer el loco benerando el rock'n'roll. Michael Monroe, sonará a tópico, ¡lo ha vuelto a hacer!, pero ¡benditos tópicos! si ya se convierte en algo normal y esperado que el rubio finlandés saque un discazo tras otro desde aquel "Peace of Mind" del '96. Michael siempre se ha sabido rodear de los mejores, Michael es un superviviente nato que se las ha visto de todos los colores, Michael lleva el rock'n'roll metido dentro y no lo dejará nunca escapar por ninguno de sus poros pero lo que también es verdad es que Monroe nunca se descolgará con proyectos 'electrónicos' y/o seudo-experimentos alternativos porque ha nacido para rockear duro y esto lo ha vuelto a demostrar en su última colección de canciones.

No me negaréis que cartuchos envenenados como el inicial "TNT Diet" con el saxo de Monroe insuflando más energia si cabe, el himno punk/rock'n'roll de "The Ballad of the Lower East Side" (puro 'high energy'!!), o el citado "Horns and Halos" machacando tus oidos, o el salvaje  y asesino 'high energy' de "Soul Surrender" con un 'solazo' de Dreguen que recuerda "Total 13" 'no te vuelan la cabeza' ¡y hace ya mucho tiempo que no empleo esta expresión!!. De este palo más agresivo y urgente tampoco puedo dejar pasar "Happy Neverafter" que me tiene igual de enganchadito que los otros tres.


Pero aquí también hay gemas de rock'n'roll vacilón como "Eighteen Angels" que te van a ganar también de calle a pesar de no destrozarte los tímpanos como las anteriores. Magnífico el 'solo' de harmónica de Monroe, muy, muy apropiado. "Half the Way" y "Hand Are Tied" irían por este palo más cachondón y canalla, la primera más urgente y cortante y la segunda más clásica, muy Stones me ha parecido a mí "Hands Are Tied", con el glamouroso saxo de Michael compenetrándose perfectamente con las guitarras. En "Hands..." una curiosidad, pondría la mano en el fuego a que Miles Kennedy (Alter Bridge, Slash) le hace las segundas voces al finés pero en el libreto del CD no viene su colaboración. Ese final vocal tan AXL....ummmm.

¿Pop? pues también hay Pop amigos, entendiéndolo como lo entiende Monroe, es decir, 'power pop' punkarra como las deliciosas "Saturday Night Especial", la citada "Ballad..." o "Don't Block the Sun" aunque también "Child of the Revolution" que no tiene nada de punk pero la melodía es infecciosa en un perfecto tema 'hard/glam'.

Me dejo los temas que menos me entraron en un principio, el primero fue "Stained Glass Heart" que me sonó tan Foo Fighters con esas guitarras iniciales que me asustó en una primera escucha con lo que me quedaba de álbum por escuchar. No había que alarmarse, algún toque 90's y más alternativo nunca vienen mal, no todo va a ser Good'Old'Fuckin'Rock'n'roll. "Stained..." es melódico con un bello estribillo y cierta atmósfera de melancolia. El segundo es "Ritual" que, la verdad, releyendo la entrevista con Monroe en el Popu el mes pasado, no sé de donde se saca eso de que quería hacer algo a lo Lords of the New Church porque no lo veo demasiado, en cualquier caso un temazo, más oscuro y atmósférico pero a su vez muy crápula 'el jodio'. Buen clímax final, con esas guitarras escupiendo 'wha-wha's' y Monroe repitiendo como un poseso "...I Wanna Shake, Shout, Shine a Light, I Wanna Shake, Shout, Shine a Light, My Ritual"



Y bien, ¿Huelga decir que este es uno de mis discos del año?, je,je,je. Se ha ganado el podio de los mejores por derecho propio, porque Michael Monroe y los suyos han parido un disco brutal, de una inmediatez de asimilación y una actitud inquebrantables. No hay que ponerle sólo el crédito al 'llegado' Dreguen, aquí Steve Conte ha cortado el bacalao en todos los temas convirtiéndose, al menos para mí, en la verdadera mano derecha de Monroe y esto hay que reivindicarlo a pesar de que todos hayan rallado a un nivel muy grande.

LA MICHAEL MONROE BAND DEBERÍA SER INMORTAL!, a ver si Dreguen se deja de chorradas 'marilynmansonianas' y le hacen volver al redil.

MICHAEL MONROE, 'THE DUKE OF SUPERNATURE ROCK'N'ROLL'!!!

POR AMOR A LA MÚSICA: HAWKWIND & GINGER BAKER "SPACE CHASE" del álbum "LEVITATION" (1980)


Mi turno en el Juego de Juegos de la blogosfera. Después de dos semanas viéndomelas ciertamente 'canutas' para ofrecer algo a la altura, por desconocimiento principalmente, he empezado a ver la luz poco a poco. Es tan complejo y diversificado hasta el infinito el mundo del Jazz que uno llega a agobiarse con tantas referencias, géneros, colaboraciones...¡Y eso que nos estamos centrando en un instrumento por semana!...¡Jesús!

Toca proponer un INSTRUMENTO/CLAVE para empezar y después de dudar y dudar, me he quedado con LA BATERIA. Siempre me atrajo este instrumento de percusión eternamente asociado al rock'n'roll, pero me doy cuenta de todavía ha estado más asociado al mundo de jazz desde sus inicios. Grandes bateristas han surgido de todos y cada uno de los movimientos y estilos, así, a bote pronto en el 'dixieland' tendríamos a Baby Dodds, en el estilo 'Chicago' a Gene Krupa. Gene Clark y Max Roach dentro del 'swing' fueron los referentes principales para que la batería alcanzase un lugar protagónico en los combos jazz, añadiendo melodías en lugar de ser un mero acompañante rítmico. Pasando al 'free jazz' 60's citaré entre otros a Tony Coleman y Billy Higgins, ambos siendo parte 'contratante' de las bandas de Miles Davis y Ornette Coleman respectivamente, ¡ahí es nada!; con el 'jazz fusion' y el 'jazz rock' la cosa se diversifica hasta el límites insospechados, inabarcables, empiezo a reconocer nombres y bandas porque aquí se encuentra el que, en un principio, iba a ser mi primera opción, Billy Cobham y su proyecto con Dreams pero mi 'soulseek' no rastreó como debiera y encontró tarde y mal el álbum (¡FUCK!), pero también estaban ahí Robert Wyatt, Phil Collins, Bill Bruford y un largo etc, del que no continuaré para no agobiar con tanto dato y para no parecer un 'falso erúdito' cuando ni tan siquiera controlo lo mínimo de jazz.


Como ya os podéis haber dado cuenta por la imagen y porque por supuesto faltaba en el breve recorrido de bateristas de más arriba, mi opción como 'instrumentista jazz' ha sido uno de los grandes bateristas de todos los tiempos y del que ya hablé hace poco haciendo la reseña del Sunrise of the Suffer Bus" de Masters of Reality, el excepcional y privilegiado Ginger Baker, principalmente conocido por la masa por formar parte de Cream junto a Jack Bruce y 'manolenta' Clapton.

El legado de Baker es grandioso, y no sólo por su discografía junto a Cream sino porque convirtió la figura del baterista en estrella junto a, podríamos decir y sin ir más lejos, Ringo Starr. Su estilo es realmente espectacular, muy vistoso y agradecido, y una de sus primeras fijaciones y puntos de partida además de los grandes percusionistas jazz fue la pegada y la tendencia a la improvisación instintiva de otro grande del rock'n'roll, el inigualable Keith Moon.


Sus proyectos y colaboraciones son realmente interesantísimas, entre otras Blind Faith junto a Clapton y Steve Windwood con una portada de las que hicieron época, BBM ya en los 90's con Baker, Jack Bruce y Gary Moore, el disco de Hawkwind de 1980 "Levitation", el citado más arriba álbum de Master Of Reality junto a Chris Goss, etc...y esto tan sólo en el mundo del rock'n'roll porque si nos vamos al jazz con sus proyectos de fusión 'jazz/rock' en los 70's con Ginger Baker's Airforce, Baker Gurbitz Army y su extensa carrera en solitario con un disco que parece clave como "Stratavarious" (1972) junto al pionero del 'afro beat' Fela Kuti e incesantes experimentaciones de 'jazz/fusion/étnica' africana ya deja bien claro y trituradito el significado y la embergadura del arte a las baquetas de este GIGANTE de la batería.

No os perdáis, ¡Ni por un segundo! esta actuación con Ginger Baker's Airforce en la que el baterista hace un 'solo' (desde 1:44) con su instrumento que os va a dejar babeando, ¡os lo aseguro!...



Pero tenemos que centrarnos definitivamente en las directrices del juego y Ginger Baker debe colaborar en una canción o disco de pop o rock'n'roll en esta manga de "Por Amor a la Música" y yo me he ido por una banda (¡¡otra!!) a la que le tenía unas ganas horribles gustándome como me gusta el 'space rock'. Si Ginger Baker fue un pionero con su instrumento, Hawkwind fueron también pioneros pero con un estilo, el rock más lisérgico y pasado el vueltas, el rock sideral o espacial. Ahora que estoy flipando y celebrando "Last Patrol" de Monster Magnet con ese 'comeback' ácido a sus primeros tiempos más psicodélicos y espaciales, sentía que no debía pasar esta oportunidad para con uno de sus referentes e influecias claves como lo han sido siempre Hawkwind, a pesar de que no pertenezca a su magistral discografía 70's.

Alucina entre 'Venus & Marte' con "Space Chase"!!!...



Si continúas 'el viaje' aquí te contaré que la banda de Dave Brock encadenó hasta pasada la mitad de los 70's una serie de discos magistrales que ningún amante de los sonidos duros y progresivos (perdidos en una nube alucinógena) debería perderse, pero Hawkwind empezó la década de los 80 en muy buena forma tras el sonado bajón de su anterior "PXR5" (1979), la banda sufrió a finales de los 70's una crisis de identidad mutando del Rock Progresivo con tintes alucinógenos a las atmósferas 'new wave' y, en algunos momentos, electrónicas sin demasiada gracia ni pegada por lo que la confección de "Levitation" y el fichaje estelar de Ginger Baker le insuflaron a la banda aire fresco y un replanteamiento de ideas y concepto dejándose influenciar claramente por la NWOBHM y volviendo a los sonidos duros pero también al 'space rock' de toda la vida.

El álbum es muy bueno aunque con cierta irregularidad y abuso de pasajes instrumentales como "Psicosis" y "Prelude" que no aportan demasiado al conjunto. Sin embargo, temas como el trotón y pegadizo "Levitation", el más tranquilo y bien trabajado "Motorway City" (muy buenas guitarras aquí!), "Who's Gonna Win The War" (que fue el single) con esa intención descaradamente progresiva al igual que el tema que cierra el álbum "Dust of Time" se decantan a la perfección por esa nueva vuelta al 'Prog' que tan buenos resultados les dieron cinco años atrás. También hay bellas acústicas en la machacona "World of Tiers" y en un tema redondo como "The Fifth Second of Forever".

Pero yo me quedo con los temas más psicodélicos y 'space rock'n'roll' como la mencionada "World of Tiers", un tema completamente instrumental al igual que mi elegido para remarcar la excelente labor de Ginger Baker a las baquetas, os hablo de "Space Chase" que supongo que os habrás estado acompañando en esta lectura llegados aquí. Un tema trepidante, tanto instrumentalmente hablando como en cuanto a la atmósfera conseguida, con unos redobles de Baker que se funden con los sonidos espaciales y teclados omnipresentes, unas guitarras que te llevan a otro nivel, que te teletransportan sin remedio a los anillos de Saturno. Un tema acojonante, que te atrapa.

La labor del ex-batería de Cream es tremenda y completamente recomendable, parece un jodido metrónomo con esos ritmos que le impone a la banda y esos cambios y redobles que denotan de donde viene este hombre, pero es que también se le escucha a la perfección entre tanta muralla de ácidas guitarras y soniditos espaciales, se le nota la categoria, la raza, la fuerza y les vino de categoría a Dave Brock y los suyos. ¡Vaya que si les vino bien!

Me ha costado conseguir este video porque de Hawkwind en aquella época con Baker no se encuentra demasiada cosa pero lo váis a disfrutar 100%.

"Levitation" para todos ustedes!!! ENJOY!!

JENNIFER KEITH CLIP!!! "BEI MIR BIST DU SCHOEN" (2011), CANTÁNDO AL PASADO CON AROMA PIN-UP!!!


Menuda sorpresa me llevé la semana pasada buscando y rebuscando saxofonistas para el juego "Por Amor a la Música", porque encontré una deliciosa señorita a la que no le había prestado la atención que debiera teniéndola delante de mis narices.

Y os hablo de Jennifer Keith, la que para muchos tan sólo es conocida por su colaboración como segunda voz en Royal Crown Revue al lado de Eddie Nichols, empieza a tener una carrera más que interesante como 'Jennifer Keith Quintet' al lado de Mando Dorame de R.C.R.

Empiezan a compararla con las grandes 'divas' de la época dorada como Julie London, Peggy lee y Patsy Cline, aunque no creo que sea para tanto. En cualquier caso, en el 2011 sacó su debut como cantante solista llamado "Jenny is Her Name"...y yo emparrado y dejando pasar esta joyita!!


Si pincháis en su web os podréis hacer, no sólo una idea de la bella estética 'pin-up de esta mujer, sino que también descubriréis la clase y el estilo perfectamente 'vintage' que consigue con su garganta y con sus compañeros en el quinteto con los tres temas que han colgado como descarga 'FREE'. Jazz, Swing, toques Soul, el sabor de aquellas 'big bands' época 'Rat Pack', algo de blues 'high class', en definitiva la perfecta combinación para crear un álbum redondo con 12 temas que deben ser una auténtica lujazo para el sentido del oido.

Os cuelgo el video del último tema del álbum, una auténtica 'delicatessen' "Bei Mir Bist Du Schoen", con una Jennifer Keith dándose prisa en atusarse y maquillarse para la ocasión para ofrecer una interpretacion sexy, con mucha clase y estilo en este bello tema. Otra vez Mando Dorame está que se sale con su saxo tenor.



¡Pero como!, ¿Podía faltar acaso una interpretación en directo y encima con los mismísimo Royal Crown Revue como banda de auténtico lujo para lucirse más si cabe?!?. Eddie Nichols no aparece en escena pero es que aquí no importa lo más mínimo porque ella solita llena el escenario sin despeinarse lo más mínimo

Aquí abajo la prueba...



Y aquí abajo otra prueba....je,je,je!!

POR AMOR A LA MÚSICA: MIKE NESS & MANDO DORAME "CRIME DON'T PAY", álbum "CHEATING AT SOLITAIRE" (1999)




Segunda ronda del nuevo nivel alcanzado en el juego "Por Amor a la Música", un nivel que me trae un poco de culo, para qué os voy a engañar, y del que me cuesta sacar oro en un principio, pero bueno, 'las pepitas' no se encuentran en la superficie, hay que 'rascarlas' y buscar algo más de lo acostumbrado. Le ha tocado a Chals abrir esta semana como anfitrión y nos ha propuesto EL SAXOFÓN como instrumento de Jazz interpretado por el saxofonista Michael Brecker en el disco "Berlín" (1973), del recientemente fallecido Lou Reed.

Si bien mi propuesta de la semana pasada (aunque publiqué este martes pasado) se tiraba por un grande como Dizzy Gillespie, esta semana me voy a tirar por algo más humilde, más pequeño (...) y mucho menos conocido para los amantes del Jazz más heterodoxo. Mi elección ha sido el saxofonista tenor Mando Dorame...


Mando Dorame es conocido por ser uno de los miembros fundadores de la banda de 'Neo Swing' Royal Crown Revue junto con el guitarrista James Archor y uno de los frontman's definitivos y con más 'clase' que he visto nunca, el inigualable Eddie Nichols. Existen pocos datos más allá de sus movimientos en R.C.R. y de su banda más reciente junto a la exquisita Jennifer Keith (antigua corista y 2ª voz para Eddie Nichols) pero no importa. Sus principios no estuvieron enmarcados tocando un estilo cercano al Jazz más puro pues este hombre empezó, allá por mediados de los 80's, tocando 'honkin' rhythm & blues' pero poco a poco se fue metiendo en el estilo a medida que la popularidad de Royal Crown Revue fue creciendo. Recuerdo perfectamente aquel movimiento 'neo swing' en la segunda mitad de los 90, como recuerdo el 'high energy' escandinavo, ¡cómo lo disfruté Pupilos!!, grandes bandas como Brian Setzer Orchestra, Big Bad Voodoo Daddy, Squirrel Nut Zippers, Big Sandy y Royal Crown Revue entre muchas otras, pusieron un poco de clase y glamour 'vintage' al final de una década apasionante musicalmente hablando.

Dorame no tardó mucho en grangearse un nombre en la escena musical, sus colaboraciones son incontables con gente como Sponge en aquel maravilloso "Wax Ecstatic", C-Blunt, Bette Midler, Vinnie Santino, Alex Schultz etc,.. y sus proyectos más o menos efímeros con 22 Jacks o el arriba citado junto a Jennifer Keith con su excepcional disco de debut de 2011 "Jenny is her Name" hacen de este saxofonista uno de los más solicitados para dotar a las canciones de muchos de un sabor 'high class'.

 Y desde luego Mike Ness no es tonto, mi propuesta para esta semana es la colaboración de Mando Dorame con el frontman de Social Distortion en sus acojonantes discos en solitario del año 1999. Mike, tras el éxito obtenido por el disco y la gira de "White Light, White Heat, White Trash" (1996) decide aparcar a la banda de su vida para centrarse en un viaje a las raices de la música americana con "Cheating At Solitaire", a priori, quién diría que este 'punk rocker' metido en una y mil movidas de drogas, peleas, etc,...iba a conseguirlo pero comprobé inmediatamente que este hombre también sabía meterse sin despeinarse con el country, el folk, el rock'n'roll, el rockabilly, el blues, incluso el swing y algún toque 'jazzy' ¡y vaya si supo hacerlo!. "You Win Again", "I'm In Love W/My Car", "Charmed Life", wow!! grandes composiciones y mucha pasión envuelta en sucios garitos y clubes de mala muerte inundados de humo y alcohol pero también en olor a campo y a polvorienta granja.

"Cheating..." también está muy nutrido de 'cameos' y es que, joder!, Ness se supo rodear muy bien para hacer un señor discazo, Bruce Springsteen, Brian Setzer, la mitad de los Royal Crown Revue, hasta JOhnny Cash fue invitado a pesar de declinar la oferta por encontrarse ya demasiado enfermo y a punto de irse al otro mundo.

La colaboración y el saxo de Mando Dorame se reduce a tan sólo tres temas, el primero "Misery Loves Company" ya os lo he puesto al principio como banda sonora para que leáis el texto. Pero me voy a centrar en el que más me gusta de los tres, "Crime Don't Pay"...



En "Crime..." el 'cameo' como 'guest star' se corresponde con la inconfundible guitarra de Brian Setzer pero ¡OJO! Setzer no es el único protagonista aquí porque ya desde el primer instante el saxo de Mando Dorame impone su personalidad y su buen hacer 'high class'. El tema se debate deliciosamente entre el 'swing' y el 'rockabilly', es un tema oscuro, cadencioso, alcoholizado. Una 'perita en dulce' para un señor álbum que se acaba de lucir con el 'solo' de Dorame. Buenísimo, aunque no sea nada virtuoso capta perfectamente el 'feelin'' que quiso imponer Ness.

El tercer tema es el también oscuro y humeante "No Man's Friend", otra 'delicatessen', sin duda y que no puedo dejar de poneros aquí abajo.



Meses más tarde y tras el éxito de "Cheating At Solitaire" llegó "Under The Influences", un disco centrado en 'covers' y que también contó con la colaboración de Mando Dorame.

THE LAST VEGAS CLIP!!! "COME WITH ME", 1er ADELANTO DE "SWEET SALVATION"!!!


Hace poco más de una semana que se ha lanzado el primer adelanto en formato clip de lo nuevo de The Last Vegas, el tema lleva por título "Come With Me" y estará contenido en ese prometedor bombazo en el que puede convertirse "Sweet Salvation". Su publicación todavía habrá que esperar a marzo de 2014.


Pero, de momento, creo que todavía nos vamos a conformar, aunque nos quedemos con la miel en los labios porque el nuevo tema suena y sabe muy pero que muy rico. La banda de Chad Cherry ya grabó un señor discazo con "Bad Decisions", 11 temazos, 11 singles (¿Alguien apuesta por lo contrario?), en definitiva... ¡11 bombazos!!! que me volvieron loco en muchos momentos y por mucho tiempo. He seguido a la banda desde sus inicios, desde sus primeros ep's y he ido subiendo mi nivel de adicción a la banda irremediablemente...¡Amo a The Last Vegas!! y espero mucho de "Sweet Salvation".

Con respecto a la canción, nunca The Last Vegas y nunca Chad han sonado tanto a Jane's Addiction y a Perry Farrell, sí, siempre han sido claramente una de sus referencias principales y el timbre vocal del cantante siempre ha estado muy próximo a los alaridos de Farrell, pero creo que en el nuevo disco van a querer asomarse a sonidos más abiertos aunque no abandonen nunca los guitarrazos hardrockeros y la pose 'sleazy/glam' que siempre les viste. ¡Ojala Farrell sonase así de peligroso y expontáneo hoy en día!!

En cuanto al clip, pues bueno, también podría ser perfectamente un homenaje a Jane's porque los tonos psicodélicos, las imágenes surrealistas de máscaras y demás muñecotes y, por supuesto, las mujeres se corresponden mucho con aquel surrealismo salvaje, extremo y psicótico de aquella banda angelina que arrasaba a finales de los 80's y principios de los 90's, eso sí, The Last Vegas no abandonan su pose 'hard rocker' y las imágenes de la banda rasgando guitarras y derrochando actitud en un granero 'glammy' también tienen su protagonismo aquí, ¡¡como no!!

ENJOY BABIES!!!



God Save The Last Vegas!!!!

STALLONADAS PT. 7: CAUTERIZANDO 'LA PUPA' EN AFGHANISTÁN!!!

'John, se nota que no has visto "Operación Dragón" porque los palos filipinos ¡no son lo tuyo!'

Una de las secciones más 'onanistas' de Pupilandia que tenía más que abandonada desde julio...¡Por Diosss! las 'Stallonadas'!!!. Allá vamos.

En este caso volvemos a las aventuras y desventuras del sufrido marine John Rambo con la tercera parte de la saga. "Rambo III" (1988) es para mí el final de aquel John Rambo creible con un Stallone todavía en plenas facultades físicas (despliegue de fuerza, luchas creibles...) y mentales (un guión medianamente aceptable, frases lapidarias que no sonaban todavía resobadas, etc,...) para seguir engrandeciendo la leyenda del personaje, junto al boxeador de Philadelphia, que más fama le ha reportado. De "John Rambo" mejor no hablar y, bueno, veremos en qué consistirá esa futurible "Rambo V: The Last Stand" como epitafio final de la saga.

Con la tercera parte de Rambo, tenemos a John exiliado en Thailandia reparando templos budistas y pecados varios contra la administración estadounidense. Su labor es, más bien, espartana pues a parte de ser obrero se dedica a ganar unos 'cuartos' luchando con Palos Filipinos para así donar las ganancias de las apuestas a los monjes para seguir su labor espiritual. Pero la cosa no podía tardar mucho en liarse porque, tras la negativa a participar en la causa afgana contra los invasores rusos, cogen al Coronel Trautman (que ha ocupado su lugar) y John se ve envuelto de nuevo en una guerra que no es la suya para rescatar a 'su papi' y devolverles la libertad a los afganos (curioso como se ha dado la vuelta a la tortilla tras el 11-S, que no?).

Y bien, la peli es un sinfin de pirotécnia y despliegue militar y marcial, muy parecida y al mismo nivel en agresividad gratuita y explosiones 'a go go' a Rambo II y, como no, el héroe sufre, como en todas, pero en esta más si cabe con luchas bestiales cuerpo a cuerpo, disparos en la pierna, choques frontales tanque/helicóptero, pero yo sobre todo me quedo con la escena más 'gore', una escenita que ya no recordaba y que he encontrado por ahí por casualidad, sin una búsqueda concreta, es la escena en donde Rambo se cura a sí mismo una herida en el costado por una de tantas explosiones...


Con un Stallone hinchado de 'ego' pero herido por el fracaso comercial de "Over The Top" ("Yo, El Halcón") (1987) volvió a resucitar al marine de la manera más virulenta e 'in your face' que se pudiese y esta escena lo demuestra, con creces, con el pobrecillo extrayéndose 'una pincha' del costado metiéndose el dedo en la propia yaga para, más tarde y entre jadeos ahogados de dolor, meterse la pólvora de una bala por la herida y así cicatrizar con fuego la 'pupita' de la que salen dos llamaradas en un momentazo pirotécnico sin igual, je,je,je.

Desde luego que, en aquella época, la escena me impactó muchísimo (hoy ya no tanto) pero también compruebas subliminalmente (o no tanto) lo que Stallone se gustaba a sí mismo en una época en la que su físico estaba tan definido; primeros planos de abdomen y pectoral en tensión supina en la extracción y el forzadísimo momento en el que abre el casquillo de la bala poniendo todo su brazo al servicio de la cámara son irrepetibles en el imaginario visual de este héroe sin igual, pero, por favor, sírvanse y deleitense...



Me despido con una de las instantáneas más famosas de John...