POR AMOR A LA MÚSICA: RON WOOD "GIMME SOME NECK" (1979), RONNIE TAMBIÉN SABÍA ESTAR A LA ALTURA!


En primer lugar, pedir disculpas a los demás jugadores y al anfitrión 'Josi' (a pesar de habérselo hecho saber con antelación) por mi retraso en el juego, he estado ocupado con una actividad escolar que me dejó martes y miércoles fuera de juego y ayer fue cuando me puse las pilas con mi opción de esta semana.

Ahora, prepárate para el viaje, durará '7 días'...



Último envite del juego 'Por Amor a la Música' en el nivel de invitados ilustres CLAVE colaborando en discos con muchos colaboradores'. Esta semana se estrena Josi, del blog '67rockbiker', como anfitrión y ha propuesto como CLAVE las bandas The Small Faces/The Faces para que busquemos aportaciones de sus integrantes en discos con muchas 'all stars'. En su caso, ha propuesto un tremendo y apasionado tributo a una de las bandas y a uno de los discos definitivos de los 70's. Os habla Josi de "Smokin'" de Humble Pie escogiendo al nunca suficientemente reivindicado Steve Marriot.

Por cuestiones de tiempo esta semana, no me he querido complicar demasiado escogiendo algo rebuscado y me he decantado por el bueno de Ronnie Wood escogiendo su tercer album solista "Gimme Some Neck" del '79. La 'opción Steward' estaba descartada por obvia y porque no me ponía nada, la de 'Ronnie Lane' me era completamente desconocida y la de Marriot ya está bien explotada por otros jugadores, así que Ron me llamaba mucho la atención inicialmente porque sigo con la lectura de "Vida" de Richards justo en el momento de la incorporación 'no oficial' de Wood y también por aquella 'all star Band' denominada 'The New Barbarians' que le sirvió para presentar "Gimme Some Neck" en directo con 'guest stars' de la talla de Keith Richards, Stanley Clarke, Ian McLagan (The Faces), Bobby Keys y Joseph Zigaloo Modeliste (The Meters) en aquel verano del '79. Pero no nos adelantemos, venimos aquí para hablar sobre todo del album.

La portada es un 'collage' realizado por nuestro protagonista con una combinación tanto de instantáneas suyas como de dibujos e ilustraciones de Ron que, a parte de ser guitarrista, siempre desarrolló su vena artística y visual realizando desde los 70's exposiciones constantes de sus cuadros y retratos.

En cuanto al album, se grabó en los Pathé Marconi Studios en Francia y, como ya he dicho más arriba, es el tercer disco en la discografía del simpático Ronnie. Se estrajeron dos singles, "Seven Days" como regalo de Dylan y "Buried Alive".



En la grabación se dieron cita auténticos grandes de la escena rock'n'roll 70's:

Mick Jagger: guitarra, harmónica, backing vocals
Keith Richards: guitar, backing vocals
Charlie Watts: drums
David Mason: guitar
Mick Taylor: bass guitar
Robert 'Pops' Popwell: bass
Jim Keltner: drums
Mick Fleetwood: drums
Ian McLagan: keyboards
Swamp Dogg: Piano
Harry Philips: Piano
Bobby Keys: saxophone
Jerry Lynn Williams: piano, backing vocals
John Lind: backing vocals

Con este plantel...¿Podía fallar un disco como "Gimme Some Neck"?...¡Pues claro que no!!!

En un principio, se podría pensar que Ron Wood no tiene una voz tan carismática como la de Jagger o la de Steward, no, definitivamente sus registros son mucho más limitados aunque muy solventes pero, ¿y eso qué importa cuando estás defendiendo un disco genuino y honesto de blues/rock'n'roll con algún toque 'country' como éste?. La esencia y el sonido de las bandas de las que procede Wood se perciben en todo momento, se palpa esa atmósfera alcohólica y tabernera Stones/Faces y, qué cosa más curiosa, si me hubiesen dicho que algunos temas son de The Dogs D'Amour (salvando las distancias y los años) ¡hasta me lo hubiese creido!!.

"...rock'n'roll o Jack Daniels?, tú eliges 'Kiff'!"

Los temas que en un principio más me captaron la atención ayer fueron el tabernero corte inicial "Worry no More" (de Jerry Williams) reconociblemente Faces, el alcoholizado "Buried Alive", el vitamínico y rockero "Infecksun" con todos los instrumentos sacando chispas de viejo rock'n'roll, la aportación de Dylan con "Seven Days" en un collage morboso entre el sonido stoniano y el poeta de Duluth y, por último, "F.U.C. her" con otro rock'n'roll de la vieja escuela en donde los dedos de 'kiff' Richards se intuyen claramente y la voz de Ron Wood raya a un gran nivel con ese desgarro, incluso hasta con falsetes.

Los demás temas no es que llamen menos la atención pero, al ser más reposados y reflexivos, necesitan de alguna escucha más para ser asimilados y sacarle su jugo y su 'feelin'', caso de "Lost And Lonely" con unos estratégicos coros soul -para ponerte la piel de gallina-, además de descubrir a Jagger en las segundas voces, el stoniano y bluesero "Breakin' My Heart" (otra vez con Jagger por detrás), el breve y bello interludio acústico de "Delia", "Come to Realise" esencia Faces con los exquisitos teclados de Ian McLagan y unos estribillos (los del tema) para el directo acojonantes.

Pero no me dejaré tampoco el claro toque campestre de "We All Get Old" con la especialidad de Wood , la 'slide guitar'. Un medio tiempo bellísimo también. El tema final con "Don't Worry" es el perfecto fin de fiesta con esa expontánea simbiosis Stones/Faces en primer plano y que sólo le puede salir al risueño Ronnie. Voz rasgadísima, excesos rockeros y un Bobby Keys que se luce brevemente en primer plano con esos saxos.

Todo funcionó tan bien en el estudio que, sin quererlo, una nueva banda se había formado, 'The New Barbarians' (aunque antes ya estuvieron como 'The First Barbarians'), que, como excusa para no pasar aquel verano del '79 aburridos en su mega-mansiones sin movimientos en 'los cantos rodados', decidieron realizar una gira de 20 conciertos en Canadá y 80 en EEUU con todo tipo de comodidades, excesos y eternas fiestas. Para la eternidad quedó registrado aquel directo denominado "Buried Alive: Live in Maryland '79" y aquel "Festival de Knebworth" del mismo año teloneando a Led Zeppelin.



Aquí os dejo con una hipnótica y absorvente actuación de 'The First Barbarians' en el 'Live in Kilburn' del '74 con Andy Newmark (drums) y Willie Weeks (bass) juntos a Ian McLagan (keyboards), Keith Richards y Ronnie Wood. La acojonante 'intro' y el tema "Am I Groovin' You" me hacen pensar que...¡ya no se hacen actuaciones así hoy en día!!!, todo es tan real, tan potente, tan genuino.

ENJOY!!!

LINNEA KIGLEY EN "RETURN OF THE LIVING DEAD" (BAILES 'HOTTIES', PT. 13), ACALORAMIENTO TERRORÍFICO EN LA LÁPIDA!!!


Cuando hice el 'post' sobre la pin-up y también actriz Julie Strain, la catalogué como "The Queen of the B-Movies" y me parece que ya tenía en los 80's una seria competidora en este trono, la actriz Linnea Kigley. Gracias al empecinamiento del asiduo comentarista (y también Pupilo) RII-DII y sus insistentes referencias en los 'post' de la sección 'bailes hotties', al final lo ha conseguido el cabroncete y no tengo más que darle la razón porque el bailecito que se curra la Kigley en "The Return of the Living Dead" (1985) es dinamita 80's pura y dura.

No entraré en demasiados detalles sobre su carrera, más que nada porque me lo reservo para un 'post' muy visual dedicado a Linnea... Tan sólo unos breves apuntes como que su extensa carrera cinematográfica es más que admirable con más de 100 películas en su haber además de combinar algunas películas 'XXX' con alguna de corte más 'soft' o categoría 'S'. Pero su letra favorita y su mayor reconocimiento está en la 'B' por lo que la primera que obtuvo el apelativo de "The Queen of the B's" fue la Kigley y no la Strain.

La película en cuestión, "The Return of the Living Dead" (1985) del director Dan O'Bannon, no deja de ser un delicioso subproducto ochentero con todos sus elementos y accesorios: mucha laca, colores chillones, calentadores 'a lo Eva Nasarre' y terror cutre con dosis de humor más o menos aceptable.

Y la escena que protaniza este 'post', justo el momento antes en el que el personaje de Linnea (Trash) y sus acólitos se disponen a disfrutar de una 'horror party' en un cementerio que está 'a punto de levantarse'. 'Trash' empieza la fiesta poniéndose realmente cachonda sentada en una tumba y hablando de sus terroríficos gustos y sus bizarradas sangrientas. Tal es la libido que libera que, sin ningún tipo de pudor y dejándose llevar por el encanto 'sexy' del siniestro lugar, empieza a desprenderse de la ropa que le da calor para subirse encima de la lápida y deleitar a las almas en pena con sus hipnotizantes caderas y su anatomía completa. Todo un 'highlight' de la época pupilos.

El clip que tenéis aquí abajo está sin censurar pero está doblado (creo) en ruso. Confunde un poco pero no son los diálogos lo que importan aquí. Atención al detalle subliminal del obelisco del fondo como sutil (o no tanto) símbolo fálico.




Y aquí os lo vuelvo a repetir, eso sí, con el video censurado con graciosos subtítulos en los 'lugares prohibidos' (estos de Youtube!) y, esta vez sí, unos diálogos bien claritos en la lengua de Shakespeare. Merece la pena visionarlo otra vez Pupilos. No me digáis que no.

ENJOY!!!

CRASHDÏET "THE SAVAGE PLAYGROUND" (2013), EMPEZANDO A DESPEGAR POR SEGUNDA VEZ!!!

Pupilandia ultimamente está muy 'sleazy' pero había que cubrir unos cuantos discos interesantes que se me pasaban del pasado año y de éste, además de cubrir este espacio de suciedad callejera, laca y excesos rockeros.

Le toca el turno a Crashdïet, o lo que es lo mismo, los 'Cocaine Cowboys'...



Y bien, sigo siendo de la opinión de que, en cuanto al género 'hard rock/sleazy', The Last Vegas y su redondo "Bad Decisions" superó tanto a Casablanca como a Crazy Lixx en 2012, pero es que pienso que también a los trabajos de este 2013 de Hardcore Superstar y éste que nos ocupa, "The Savage Playground", de la también banda sueca Crashdïet.

Hace más o menos un mes casi combinaba los cinco discos, haciendo el parón obligado para el juego "Por Amor a la Música", y, tanto "C' Mon Take On Me" como este "The Savage Playground" los veía infinitamente inferiores pero la cosa ha ido cambiando con las escuchas y, aunque no supere el nivel del album de The Last Vegas, contienen una muy buena colección de canciones ideales para ser escuchadas a volumen '11' en el coche (con las ventanillas bajadas, 'of course') además de para ser coreadas hasta la extenuación en sus bolos.

Breves datos para poneros en situación a los que sois neófitos con esta banda. Crashdïet han sacado cuatro discos (incluyendo éste)....¡Y han tenido tres cantantes!!!. El primero, Dave Lepard, grabó su debut, "Rest In Sleazy" (2005) y se suicidó por ahorcamiento; el segundo, Olli Twisted (frontman de Reckless Love), se unió a ellos tan sólo para grabar "The Unattractive Revolution" (2007) y marcharse donde más encaja, que es en su banda de toda la vida; el tercero, Simon 'Simme' Cruz, el 'rocker' de infinita cresta, es el que todavía perdura en el grupo habiendo grabado "Generation Wild" (2010) y el disco del que vamos a hablar hoy "The Savage Playground" (2013).


Para ser sinceros, tuve una época muy Crashdïet con su primer disco del 2005 y sus dos discos de 'demos', me parecieron la encarnación perfecta y bien reciclada de Motley Crüe. Sonaban muy sucios pero con unas melodias y estribillos irresistibles, su imagen me impactó muchísimo en su momento y disponían de buenísimos temas pero todo esto cambió con el metalizado y mucho menos 'hard rockero' "The Unattractive...". La verdad es que no me dijo gran cosa y tan sólo le dí dos o tres escuchas para ni tan siquiera escuchar su tercer trabajo. Se podría decir que con "The Savage Playground" 'me han vuelto a entrar' al igual que me ha pasado con Hardcore Superstar.

El album contiene trece temas y un 'bonus', el juerguista y divertido "Liquid Jesus". Lo que en un principio me llamó la atención es la larga duración de los temas que superan en su mayoría los cuatro minutos. Que este dato no sea considerado como negativo, al revés, dice mucho de la capacidad compositiva de estos suecos, pues son capaces de componer canciones más desarrolladas y con muchos más matices y cambios de ritmo.

Pero, OJO!!, no estamos aquí hablando de un disco de 'rock progresivo', ¡Ni mucho menos!!. Esto es 'hard rock/metal' del bueno que bebe de los Crüe, de Faster Pussycat, de los Guns, de Ratt, etc,...Los cuatro primeros temas son el perfecto puñetazo en la mesa para demostraros de lo que os hablo; el trabajado inicio de "Change the World", "Cocaine Cowboys" mi tema favorito con ese sabor a excesos, pegadizo hasta decir basta!!, el ochentero "Anarchy" y "California" que me ha ganado con ese estribillo melódico y unos coros muy apropiados.



El punto negativo de este disco lo veo en la producción, en concreto en cómo han registrado la batería. No sé, hasta me he bajado el disco dos o tres veces para comprobar que no era un error de 'bytes' y sigo escuchando un batería hueca y sin fuerza y que, en determinados momentos, se escucha muy poco (el bombo es que ni se escucha!) comiéndosela por completo la guitarra y la voz. La verdad es que en comparación con la tremendísima producción del "C' Mon Take Me On" de los Hardcore, la de Crashdïet es claramente mejorable en ese sentido.

Pero el disco, a pesar de este detalle y de no tener los TEMAZOS que sí que tiene la primera mitad del disco de Hardcore Superstar, no se hace irregular en ningún momento, o menos conseguido (como sí pasa con la segunda mitad del album de Jocke Berg y los suyos). Me han gustado mucho el metálico "Circus", el guarrísimo "Sin City" muy a lo Vince Neil, la caña pero también la melodía de "Drinkin' Without You", el riff 'Appetite' y la atmósfera pecadora e insana de "Snakes in Paradise" con un final orquestado muy chulo, el frenético y, por momentos, hasta 'Nu Metal' "Damage Kid", la melosa y también 80's "Excited" y el colofón final con el trabajado "Garden Of Babylon" de siete minutos, la interpretación de Simon más entregada y más Ratt de todo el trabajo. "Garden..." es, junto con el inicial "Change..." y algún otro tema más, de las canciones en donde escucho muy poco la bateria de Eric Young. A pesar de ello, es un temazo como la copa de un pino, lleno de atmósferas y momentos de calma con arrebatos de agresividad y clímax cojonudos.

Conclusión, "The Savage Playground" no le gana la partida al trabajo de los Superstar, quizás por esa producción, quizás porque no tiene temas tan demoledores como "Above The Law" o "One More Minute" pero es un trabajo con muy buenas canciones, de eso no hay duda. Los de Simon Cruz y Martin Sweet todavía les queda mucha 'calle por joder', eso seguro.

UZZHUAÏA, LOS 'SANTOS & DIABLOS' DE VIÑAROCK 2013 ESTRENAN TEMA!!!


Y Uzzhuaïa mostró por fin el primer adelanto del album "Santos & Diablos" que tiene prevista su publicación para octubre. El sorpresón fue el pasado 5 de mayo en el festival de Villarobledo, el añejo ya Viñarock.

El tema tiene el mismo nombre que el título del inminente disco, "Santos & Diablos", y, suena potente, con mucha garra, me quiere recordar a algún corte de "Destino Perdición" incluso. Pau Monteagudo vuelve a demostrar por enésima vez el por qué es uno de los mejores vocalistas del país y la letra (hablando de polos opuestos es muchos sentidos) sigue tan bien ensamblada con la música como de costumbre.

Esto promete mucho pupilos. A la banda valenciana se la ve con ganas de comerse el escenario y todos rallan a un nivel impresionante, con mucha actitud.

Os dejo con "Santos & Diablos"...



Y como 'bonus', uno de los mejores temas de aquel impresionante "Destino Perdición", "Magnífico Fracasado"...

POR AMOR A LA MÚSICA: IOMMI "IOMMI" (2000), EL DEBUT QUE NUNCA LLEGABA SE HIZO REALIDAD!!!


Que la oscuridad te lleve...¡adéntrate demonios!!!...



De nuevo volvemos al juego "Por Amor a la Música" esta semana. Recordaremos que este nivel trata sobre discos con colaboradores e invitados ilustres entre los que, el anfitrión de la semana, decide un artista o una banda que aparezca siempre entre los discos elegidos por cada jugador. Esta semana la banda elegida ha sido BLACK SABBATH gracias al 'anfitrión' de esta semana, Vinny Gonzo, del blog "Vinny, Vidi, Vici" con su apasionada reseña sobre el disco de Tenacious D "The Pick of Destiny". Y la verdad, no podría ser más acertado estando "13", el esperadísimo album de Black Sabbath sin Bill Ward, ya tan cerca (13 de Junio) de mortales rockeros como nosotros.

Mi elección ha sido clara, no me he andado con rodeos ni con indecisiones, me he ido directamente a por el arquitecto del 'Metal' en todas sus vertientes, géneros y combinatorias estilísticas, la leyenda en vida Tony Iommi. Barajé dos posibilidades, la primera fue el concierto tributo a Freddie Mercury de 1992, "The Freddie Mercury Tribute Concert: Live At Wembley" que me sé de memoria sus mejores momentos pero al que no haría justicia con una reseña al tener tan poco tiempo para asimilar/comentar los tres discos de los que se compone este homenaje. Por lo tanto mi elección ha sido su debut en solitario del 2000, su disco "Iommi".

No deja de sorprenderme que un músico tan importante y con un reconocimiento tan aplastante a partir de los 90's sacase su primer disco solista ya en el siglo XXI pero bueno, por todos es sabido que su vida siempre ha sido Sabbath -¡ÉL ES SABBATH!- en todas sus versiones y que, en algunos momentos de su carrera también le han impuesto el nombre de la banda madre por presiones de la discográfico de turno, caso de "Seventh Star" bajo el nombre de 'Black Sabbath with Tony Iommi'.



"Iommi" (el album) se compone de diez temazos brutales 'marca de la casa' con la particularidad de ser cantados por estrellas del rock'n'roll, el rock alternativo, el 'nu metal' y el Metal que en aquellos primeros coletazos del nuevo siglo estaban en el candelero de la fama y el éxito (no todos pero sí la mayoría). Los temas fueron compuestos por Tony Iommi y el productor Bob Marlette con la aportación individual de cada uno de los cantantes invitados, a excepción del tema con Billy Corgan (tenía que ser él) en el que no colaboró Marlette. De aquellas sesiones también se extrajeron algunas canciones que no fueron incluidas en el resultado final, caso de Phil Anselmo que aportó dos temas más ("The Bastard" el más conocido) además del oficial, el citado Corgan con otro tema y, aunque Iommy nunca definió número, declaró también que con Billy Idol la cosa había funcionado muy bien habiendo compuesto 'unos cuantos'. Pero había que ser justos y dar un tema para cada invitado (para no herir sensibilidades) así que aquí se dan cita gente tan dispar como Henry Rollins, Skin (Skunk Anansie), Dave Grohl (Nirvana, Foo Fighters), Phil Anselmo (Pantera, Down), Serj Tankian (System of a Down), Billy Corgan (Smashing Pumpkins), Ian Astbury (The Cult), Peter Steele (Type O' Negative), Ozzy Osbourne y Bill Ward (Black Sabbath) y Billy Idol. Esto en cuanto a los cantantes. Menudo plantel de estrellas, que no?


 Pero las colaboraciones no acaban ahí porque, a nivel instrumental, tenemos:

Tony Iommi: Guitarras
Terry Phillips: bajo en track 1
Bob Marlette: bajo en track 2
Laurence Cottle: bajo en tracks 3, 4, 5, 7, 8 y 9
Billy Corgan: Bajo y guitarra adicional en track 6
Peter Steele: Bajo en track 8
Ben Shepherd: Bajo en track 10
Ace (Martin Kent): Guitarra adicional en track 2
Brian May: Guitarra adicional en tracks 3 y 7
Jimmy Copley: Batería en track 1 y 5
John Tempesta: Batería en track 2
Dave Grohl: Batería en track 3
Matt Cameron: Batería en tracks 4, 7, 8 y 10
Kenny Aronoff: Batería en track 6
Bill Ward: Batería en track 9
Bob Marlette: Productor, co-escritor de todos los temas excepto 6


Paso a comentar el disco en sí. En líneas generales, suena tremendamente potente pero dejándose llevar por pequeños detalles de producción, soniditos y 'loops' varios muy apegados a una época en la que el rock alternativo, pero sobre todo el 'nu metal' mezclado con programaciones, mandaban a principios de siglo. Que no se asuste el lector más clásico porque se trata de simples detalles que ni enturbian, ni confunden para nada la labor de nuestro protagonista principal, Tony Iommi brilla con luz propia y las guitarras se imponen por encima de todo.

El tema de Henry Rollins ""Lauguing Man (in the Devil Mask)" es el que inaugura el album. Un corte que sorprende, de los que más se sale del estilo de Tony, para que me entendáis, es como si al guitarrista le diese por hacer de Page Hamilton de Helmet por un rato y divertirse con el experimento. De riff entrecortados y secos que empastan a la perfección con la agresiva actitud de Rollins.

"Meat" tiene a Skin como única colaboración femenina en el trabajo y, la verdad, si no me dicen que está Iommi aquí parece un tema de los buenos de Skunk Anansie exceptuando el clásico y reconocible puente 'Sabbath'. Tema muy melódico y delicado, con ramalazos guitarreros combinados con esa producción contemporanea.

El tema de Grohl, "Goodbye Lament", es uno de los que más me gustan, empieza muy 'Nu Metal' con esos 'loops' pero el 'riff Iommy' se impone, ¡Y vaya si se impone!!. Un tema que suena tremendo con un Grohl berreando en el estribillo como si la vida le fuese en ello. Uno de los 'highlights', de hecho fue el único 'single' del conjunto.



"Time is Mine", el corte de Phil Anselmo es, junto con el de Ian Astbury, mis preferidos, no sabría por cuál de los dos decantarme. En esta canción tan 'doom' tenemos a un Phil Anselmo más o menos contenido (excepto al final) y cantando realmente bien en su faceta más 'bluesy'. El tema es jodidamente tenebroso y me tengo que pellizcar para darme cuenta de que no estoy inmerso en un disco de Down. Realmente te das cuenta del sentido tributo que Pepper Keenan, Anselmo y los de Crowbar realizan con su banda de New Orleans.

Viene ahora el track del frontman de System of a Down, Serj Tankian y, a estas alturas, me empiezo a dar cuenta de que los riffs de Iommi se me hacen un poco repetitivos (no difiere demasiado del "Time Is Mine" de Anselmo). "Patterns" no es un mal tema, para nada!, Tankian aporta su marcada personalidad al tema y me doy cuenta de que su línea vocal es algo parecida a como la cantaría el mismísimo Ozzy si le hubiesen propuesto este tema al 'Madman'.

El tema de mayor duración, "Black Oblivion", es el más pretencioso, y, si se me permite, progresivo y épico. Billy Corgan no está nada mal, predomina en la primera parte del track con esos lamentos 'a lo Corgan' y su reconocible registro más furioso pero, tras un inquietante arpegio semi-acústico, la guitarra de Iommi toma totalmente las riendas con un trabajado a la par que reposado 'solo'.

Y por fin el tema del grandísimo Ian Astbury, "Flame On" que, como ya comentaba más arriba, es uno de los que me pone loquísimo. Desde luego, todo lo que toca el frontman de The Cult lo convierte en oro y en este track no iba a ser menos al imponer claramente su aura. Una canción que suena a unos Cult más oscuros y metálicos con un riff de Iommi que se sale un poco de la monotonía 'riffica' y monolítica de temas anteriores. Las programaciones son muy chulas en los descansos eléctricos. Un tema aplastante.



Vienen ahora los dos temas más discretos de todo el conjunto, el primero el del desaparecido Peter Steele que imprime esa profundidad cavernosa a "Just Say No Love". Un tema normalito con un riff que ya recuerda a muchas cosas de Sabbath. El segundo, "Who's Foolin' Who", el tema con sus compañeros de Sabbath, Ozzy y Ward es más de lo mismo pero en versión 'relax'. Un tema tradicional Sabbath con esos característicos acordes oscuros e impenetrables. Poco más.

Sin embargo, y para acabar el album, Tony y Billy Idol se descuelgan con "Into the Void". Un corte final que sigue demostrando lo buen cantante que es Idol con esa garganta aguardentosa y esos cambios de registro calma/agresividad que dan un poco de variedad a ese riff eterno y monolítico (pero menos lineal). El cambio de 'groove' le da mucha frescura a un tema que le viene que ni pintado a los grititos de Billy y esa actitud de 'outsider callejero' que le intenta imponer. El inquietante y relajado final es un excelente cierre para calmar tímpanos después de tanto decibelio y tanta guitarra saturada hasta el infinito.

Lo dicho, "Iommi" es un debut a la altura de la leyenda, quizás un poco repetitivo en cuanto a riffs pero un trabajo en donde todos cumplen a la perfección tanto vocal como instrumentalmente. Hay cortes que son un auténtico cañón y otros en los que sorprende ver a Iommi darle un toque diferente a su estilo y personalidad.

YA TARDAS!!!

Iommi & sexy friends

Y, como no, para cerrar no podía irme sin dejaros el inédito corte con Phil Anselmo "The Bastard" que, de haber sido incluido, hubiese sido el tema más potente y excesivo de todo el conjunto porque esto suena a Pantera por los cuatro costados.


HARDCORE SUPERSTAR "C' MON TAKE ON ME" (2013), RETORNO A LOS DESTELLOS DE GENIALIDAD CALLEJERA!!


Con una portada muy chula pero que ya podían haberle dado la vuelta, se presentan de nuevo estos 'hard & sleazy rockers' suecos con su nuevo trabajo "C' Mon Take On Me".

"You came to the party, just to see me...yeah!!"



Me tomé el octavo trabajo de la banda con muchas reservas ya que su etapa post- Silver con Vic Zino (ex- Crazy Lixx) y sus albumes "Beg For It" (2009) y "Split Your Lip" (2010) no me han acabado de enganchar con ese acercamiento claro a sonidos más duros y oscuros, incluso metálicos. Para un fan desde los principios con aquel  pildorazo irresistible de 'high energy/sleazy' "It's Only Rock'n'Roll" (1997) y del que reniegan como primer disco de su carrera, es más que evidente que esta banda ha cambiado considerablemente su propuesta y su sonido. Ya lo hicieron con su renacimiento en 2005 con dos albumazos 'sleazy/metal' que me volaron la cabeza, el homónimo "Hardcore Superstar" (2005) con aquella impresionante y ultra-festiva "My Good Reputation" (todavía me sigue produciendo un bienestar acojonante cuando la escucho) y con su perfecta continuación con el también irresistible "Dreamin' in a Casket" (2007). De lo que vino después con los albumes de 2009 y 2010 siento poco menos que indiferencia, no son discos malos pero no me atrapan.

Y bien, todo esto puede cambiar con este "C' Mon Take On Me". Almenos un poco...

"...vas bien PUPILO!, vas bien, ¡No la cagues!!"

Lo que siento al escuchar este album es que las cosas han vuelto un poco a su sitio, no se han desprendido de la piel metalera de sus dos discos anteriores, pero la melodía y las buenas canciones vuelven a asomarse claramente por encima de una producción potentísima, en donde todos los intrumentos suenan como verdaderos cañonazos sónicos. La primera parte del album es de sobresaliente claro, clarito, la segunda es bastante inferior aunque ni mucho menos mala.

Una cosa que siempre me ha pasado con los discos de Hardcore Superstar es que siempre ha habido almenos un tema que me ha obsesionado, caso de "Hallo/Goodbye" del debut, el citado "My Good Reputation" en el homónimo o "Wake Up Dead in a Garbagecan" en "Dreamin' in a Casket" y aquí, claramente, me ha vuelto a ocurrir (por fin!) con el single de presentación (que no el de adelanto "One More Minute"), el grandísimo "Above The Law", el himno de este album, una canción que llevo tarareando desde que me he desenganchado del "Bad Decissions" de The Last Vegas.



El disco no puede comenzar con un cariz más festivo con la inicial "C' Mon Take On Me" y que se les hechaba en falta el rollo 'party all night long', incitando a la gran fiesta del rock'n'roll. Gran instante inicial con esa frase "You Came to the party, Just To See Me...". Más claro el agua!.

Le sigue "One More Minute" incidiendo en el protagonismo de los guitarrazos metálicos de Vic Zino con unos estribillos iniciales muy teutones, me recuerdan un poco a Rammstein. Pero llegamos al perfecto y pegadizo estribillo y te das cuenta de que en este album han vuelto a dar en la diana con unas melodías infecciosas desde el primer instante...a pesar del rabioso y metalizado final...

Después de "Above the Law" viene un sutil experimento de Jocke Berg y 'Adde' Andreasson (principales compositores) porque tras esas guitarras densas y demoledoras de "Are You Gonna Cry Now?" se cuela un riff muy a lo Ghost B.C.. Desde luego, la banda de Papa Emerytus ha hecho estragos en Suecia, queda bien claro. A destacar el gran trabajo de Zino a la guitarra y la batería implacable de 'Adde'.

Me gustan también los medios tiempos de este album, caso de la balada "Stranger Of Mine" con un registro vocal distinto de Jocke Berg, más calmado y menos chirriante. Una canción para nada babosa, muy bien trabajada y con una buena orquestación. El medio tiempo que cierra el album, "Long Time No See", también es precioso, es el tema más cercano a Aerosmith que han grabado nunca con el cantante practicamente clavando los registros de Tyler y una atmósfera muy "Get A Grip" en los cortes más épicos.

De mitad hacia el final es cuando vienen las irregularidades. No le voy a quitar mérito a un muy buen corte como "Won't Take The Blame, Pt. 1", muy trotón por su riff, ideal para corear en salas y festivales hasta dejarse la garganta con su hepatante estribillo, pero su segunda parte "Won't Take The Blame, Pt. 2" es completamente innecesaria repitiendo la estructura y estribillo principales pero quitándole tonelaje guitarrero y metiéndole ruiditos. Sobra, queda dicho.

De esta segunda parte, me quedo con "Too Much Business" por su suciedad y su querencia callejera. Otro estribillo antológico, pegadizo y pegajoso cual sangüijuela hambrienta de sexo y fiesta. Ideal para sudar y humedecer el ambiente al lado de una jamona rockera en las primera filas de uno de sus shows. El solazo que se marca Vic Zino es acojonante y es lo más 'hard' que le ha salido desde que está con la banda. Definitivamente, creo que Jocke y 'Adde' ya lo han domesticado para la causa rockera. Menos mal.

Acabaré, por supuestísimo recomendándoos su escucha. "C' Mon Take On Me" suena como un puto cañón, perfecto, implacable y lleno de esas composiciones perfectas que siempre han sabido facturar esta panda de 'sleazys' suecos. Con las escuchas, y os aseguro que ya han sido muchas, está escalando puestos para meterse en el 'TOP' y no sabéis cómo. Hardcore Superstar me están buscando...

IGGY & SCHWEPPES 'LIMON DRY', ESTA 'IGUANA' NO PARA DE RETORCERSE!!!


Cómo admiro a este 'Superman' del Rock'n'Roll. Siempre recordaré aquel bolo en la sala Arena de Valencia cuando, con un Iggy desatado de 47 años, me preguntaba si yo tendría esa vitalidad con su misma edad (que quede claro que, ¡ni de coña!). Casi veinte años después, esta leyenda viva de la música del diablo nos sigue proporcionando buenas noticias. No contento con tener su reciente "Ready To Die" todavía calentito en las tiendas y realizar unos cuantos cortometrajes para promocionarlo con mucho humor y autoparodia, ahora se desmarca siendo la imagen publicitaria de Schweppes con un nuevo producto 'solo para adultos' con esta nueva bebida sin alcohol, 'Schweppes Limón DRY'.


'La Iguana' no es nuevo en terrenos de marketing y publicidad, recordemos su también reciente campaña para Paco Rabanne con el perfume 'Black XS L'excès', así que se tiene que haber sentido 'como pedro por su casa' haciendo 'spot' y  'book' fotográfico para la marca. Desde luego las fotos se las traen, ¡no me digáis que no! con esas muecas de desaprobación que son el verdadero gancho de la campaña. Aquí tenéis a un sonriente y risueño Iggy Pop en la mismísima presentación del producto la semana pasada en Barcelona.


Y si las fotos son poco menos que curiosas, el 'spot' no se queda atrás ni mucho menos. Con una idea parecida a la esencia de Paco Rabanne, es decir, la de ensalzar el 'status' de leyenda de Iggy así como su instinto animal y excesivo a la hora de probarlo todo, el anuncio nos muestra al cantante saliendo con su padre a una fiesta mientras reflexiona sobre cómo uno tan sólo se convierte en leyenda probando las sensaciones más fuertes y viviendo al límite.

La coña del anuncio es cuando, al llegar a la barra de la discoteca, se dispone a probar una sensación fuerte que se le resiste año tras año, y que no es ni más ni menos que 'Schweppes Limón DRY'. Me encanta la frase final:

"Iggy: ¡ARRRGH!!!...Es demasiado para mí Papá!!...
Iggy's Dad: (Descojonándose), no te preocupes James!!, el año que viene lo intentamos de nuevo...
Iggy: (Indignación y decepción)...¡Soy IGGY!!!"



Joder!, Iguana solo hay una en la tierra!.






LO NUEVO DE BLOODLIGHTS, "STAND OR DIE" SE PUBLICA HOY!!!..."ARMS AROUND YOU" CLIP!


Con una portada tan fea se publica hoy mismo, por fin!!, el tercer larga duración de la banda de Captain Poon (ex-Gluecifer). ¡Ya era hora!!



El título del nuevo disco, "Stand Or Die" sí que me dice mucho, me gusta, porque es toda una declaración de principios sobre su actual situación, después de haberlas pasado 'canutas' desde el 2010 casi sin bolos, con un disco desechado en su totalidad en 2011, sin un sello que les quisiese y sin un puto duro en sus bolsillos; de hecho, "Stand Or Die" ha sido financiado por sus propios fans por medio del 'crowdfunding' que ultimamente se está convirtiendo en la 'savia' económica de muchas bandas que, por encima de todo y a pesar de su poca suerte, desean seguir ofreciendo buena música y muchísimo rock'n'roll. La banda de Captain Poon es un claro ejemplo.

Por lo que uno va viendo y leyendo en alguna entrevista por ahí, parece que este disco va a estar alejado del rock'n'roll más amable y melódico de sus dos primeros trabajos, "Bloodlights" (2007) y "Simple Pleasure" (2010) y va a contener mucha más mala leche y suciedad de lo habitual. Siendo sinceros, el debut me gustó (pero no me mató) y "Simple Pleasure" me aburrió, era un disco sin gancho, con canciones correctas pero sin pegada. Bien, parece que "Stand Or Die" nos va a devolver a un Captain Poon cabreado y con un registro de voz más acorde con su nueva propuesta más 'in your face', más 'high energy', en definitiva, más Gluecifer. Si visionais el clip de abajo os daréis cuenta enseguida, ¡por fin Poon se le ve creible cantando!!. Creo, claramente, que de una puta vez se encuentra cómodo cantando (o berreando) de una manera parecida (que no calcada) a como lo haría Lemmy.

Todavía no hay fechas confirmadas para nuestro país pero estarán para Octubre en la piel de toro.



Este album me va a gustar/os va a gustar. Seguro!!

ALICE IN CHAINS "TWENTY-THREE" (2013): 'A JOCKE SHORT FILM', LA CARA CACHONDA DE 'ALICIA'!!!

Who's that guy?!?

Queda ya muy poco para la publicación de "The Devil Put Dinosaurs Here", tras este último retraso que lo posponía del 14 de este mes al 28.  Alice in Chains han vuelto a sacar su lado más cachondo y teatral para promocionar su inminente album a través de un cortometraje pasadísimo de vueltas que ofrece la cara más humorística y simpática de la banda de Seattle, tal y como ya hicieron con su anterior "Black Gives Way to Blue" y con aquellas "The Nona Tapes" de los 90's.

Os lo contaré de manera muy resumida porque merece la pena no desvelar nada y deleitaros con este falso documental que se han sacado de la manga. La historia nos muestra a un más que 'rarito' profesor de estudios fílmicos, 'Alan Poole McLard', que toma la decisión de promocionar y defender a capa y espada la música de Alice in Chains y las canciones del nuevo disco, escogiendo a cuatro personas de muy distinto pelaje y de bagajes musicales bien opuestos. Por supuesto, los cuatro músicos de la banda se caracterizan de estos cuatro personajes haciendo unas actuaciones la mar de simpáticas e incluso más creíbles de lo que en principio se supondría para unos músicos que viven por y para su música sin aspiraciones a lo Bon Jovi, Henry Rollins o Ice T.

Willian Duvall, alias 'El fumeta reggae'

Jerry Cantrell, alias 'Country Honky loves your Pony'

Sean Kinney, alias 'gafapastas rarito de los cojones'

Mike Inez, alias 'unta gleeben glabben globben globin' (¿Para qué inventarse otro?)

Y bien, las entrevistas de Alan se suceden en paralelo con momentos muy psicotrónicos y conseguidos de los que me estoy mordiendo la lengua para no desvelaros demasiado, bueno!, unos breves apuntes como esa relación friky del personaje de Cantrell con su pony, muy conseguida; la pose hierática del personaje de Inez que se rompe cuando su propia madre le manda tirar la basura, la insistencia del profesor para que 'El Fumeta' le entre la música de Alice.....¡y no digo más!!. Eso sí, siguiendo la línea de desconocimiento generalizado de la banda, hacia el final aparecen ilustres del rock'n'roll como Duff McKagan, Lars Ulrich y Robert Trujillo, Mike McCready (Pearl Jam), las hermanas Ann y Nancy Wilson, Kim Thayil (Soundgarden) y Brent Hinds (Mastodon) opinando sobre la banda y sobre la noticia de su último album. Sorprendentemente, muestran indiferencia, ironía, pasotismo, crítica,...Me quedo con el 'momento Duff' yéndose por 'los cerros de Úbeda' a la hora de hablar de la banda.



Como 'bonus', una entrevista realizada a Jerry Cantrell y Sean Kinney hablando del nuevo album, de su siempre presente recuerdo a Staley y a Starr y del recurrente y resobado tema sobre 'el estado del rock'.

LANDA & ROMERO, IMBORRABLES RECUERDOS EN LO MÁS PROFUNDO.


Ha pasado ya una semana desde la muerte de Landa y cuatro días desde la de Constantino Romero y no quería dejar pasar esta oportunidad que me brinda el blog para rendirles un humilde homenaje. No es mi intención venir aquí a contar las mil y una películas del actor y a citar los diferentes concursos y la cantidad de personajes a los que ha puesto voz el presentador. Como digo esto pretende ser algo más modesto pero mucho más íntimo y personal.

Es un hecho que toda una generación de 'entertainers' nos empieza a dejar pero pasé por un tiempo de hacer 'necrológicas' porque no quería que Pupilandia tuviese un estado de animo tan cenizo, de hecho creo que desde la muerte de Sancho Gracia no había hecho algo parecido, pero la desaparición de estos dos grandes del cine y la televisión me ha quebrado el alma y no sabéis cómo.

Empezando por Landa...joder!!, aquella infancia en la que los domingos por la tarde la parrilla televisiva se llenaba de Landa's y Morgan's es claramente irrepetible. Muchas fueron las tardes en las que uno se partió de la risa viendo al 'salido españolito' a la caza de las suecas e incitando más de la cuenta mi incipiente y todavía virginal 'libido'. Recuerdo perfectamente "Un fin de semana al desnudo", descacharrante, surrealista y atómica en cuanto a 'atributos' mamarios con la exhuberante Haydeé Balza como muñequita en aquella trama sin demasiado sentido.

Pero, para un servidor, "La Vaquilla" es la peli que recuerdo con más cariño de Alfredo, "Los Santos Inocentes" es un obra maestra, sin ninguna duda, Landa está de Oscar aquí, pero siento mucho más apego al despiporre y la sucesión de 'gags' con muchos cojones, además de tener una surrealista caracterización de personajes y una fotografía muy chula.

Os dejo con el excelente y burrísimo plano-secuencia y diálogo que más me gusta del largometraje...el cabreo sin tapujos del personaje de Landa hacia su 'jefe' (José Sacristán)... 

"...que le den mucho por el saco a la vaca!!, yo me voy a comer!!!"



Pero me queda 'La Voz' de la Televisión Española...


...el grandísimo y de vozarrón singular, Constantino Romero. Ligado a mi infancia y juventud por su etapa en "El Tiempo es Oro" y por ser, entre otros, la carismática voz de Darth Vader, ha sido siempre un referente para este Pupilo de trabajo, profesionalidad y capacidad interpretativa (me refiero a la multiplicidad de matices de su voz y a sus archiconocidas frases lapidarias, claro está). El citado Vader, Mufasa y su aleccionante diálogo desde los cielos, la asesina despedida del 'Terminator' con 'Sayonara Baby', aquel Clint Eastwood de 'Harry el Sucio' y, sobre todo, el del "Sargento de Hierro" (qué diálogos!!!), los James Bond de Roger Moore y, para acabar este aleatorio listado, aquel 'He visto cosas que nunca creeríais' del inquietante e implacable lider replicante (interpretado por Rutger Hauer) en "Blade Runner" conforman una carrera en el mundo del doblaje más que impecable, HISTÓRICA. Su carrera en el mundo de la televisión ha sido más que prolífica en multitud de concursos, sobre todo, pero yo siempre me quedaré con "El Tiempo es ORO" y su participación veraniega en aquel "3X4" sustituyendo a la sexy Julia Otero. Insuperable su porte seria y correctísima, con aquellas sutiles sonrisillas que dejaban, a todas luces, que se estaba descojonando por dentro....Profesionalidad ante todo.

"...Soy el sargento de artillería Highway, he bebido más cerveza, he meado más sangre, he hechado más polvos y he chafado más huevos que todos vosotros juntos!!!...CAPULLOS!..."

POR AMOR A LA MÚSICA: "RISE ABOVE: 24 BLACK FLAG SONGS TO BENEFIT THE WEST MEMPHIS THREE" (2002)


Me toca abrir el juego esta semana desde Pupilandia. Allá vamos...

Rise Above by Chuck D/Henry Rollins on Grooveshark

 Para quién todavía no lo sepa, esta manga trata sobre discos con muchos colaboradores de los que, el anfitrión, extrae un grupo o artista que también participe en los discos escogidos por los demás jugadores. Este fin de semana me ha costado decidirme, no os lo negaré, pues me ha llevado lo suyo decantarme entre Trent Reznor, Mark Lanegan, The Ramones y la banda elegida, que ha sido ni más ni menos que The Stooges, quizás por esa reciente publicación de "Ready to Die" o, quizás, por fanatismo hacia esta banda y su icónico lider POP. Que quede claro que 'la Iguana' daría ya muchísimo juego pero no he querido cerrar el círculo porque ahí están Mike Watt y James Williamson como opciones alternativas para las exigencias del juego. Desconozco si los hermanos Ron y Scott Asheton han colaborado en albumes de estas características, la verdad.

En cualquier caso, aquí tenemos la colaboración de Iggy Pop para este album benéfico consistente en 'covers' de Black Flag, el album "Rise above: 24 Black Flag songs to benefit the West Memphis Three".

 Fix Me by Iggy Pop on Grooveshark

Y bien, el disco, tal y como reza su título , consiste en conseguir fondos para la injusta causa y enjuiciamiento del triple asesinato de "West Memphis Three" en 1993, que, para quien todavía aún no lo sepa, consistió en inculpar, sentenciar a muerte y encarcelar en tiempo record a Damien Echols, Jessie Misskelley y Charles Baldwin en un procedimiento policial  y judicial torpe y precipitado por la presión social que hace tan sólo dos años pareció dar su último coletazo con la liberación de los tres incausados de una forma muy dudosa y rastrera, una especie de 'os dejamos que os declaréis inocentes pero debéis figurar como culpables'. Un puto desastre judicial, vamos. Pero...¿Quién se encargó de esta maravillosa idea que recaudó la friolera de 100.000 dólares para un equipo completo y profesional en ADN's?. Ni más ni menos que 'el increible Hulk', Henry Rollins, que se convirtió junto con Eddie Vedder en los adalides en el mundo musical de defender la inocencia de estos tres chicos.


El album en sí NO se podría calificar como un VVAA. (varios artistas) porque este es un disco tocado en su totalidad por la Rollins Band al completo, es decir, Henry Rollins y los componentes de una de mis bandas favoritas, Mother Superior (Jim Wilson, Marcus Blake y Jason Mckenroth), eso sí, y aquí está la guinda del pastel y atractivo de este disco, con colaboradores ilustres cantando los temas como el citado caso de 'La Iguana', Lemmy, Ice T, Inger Lorre, Corey Taylor (Slipknot), Chuck D (Public Enemy), Nick Oliveri (Kyuss, Queens of the Stone Age), Mike Patton (Faith no More), Tom Araya (Slayer), Cedric Bixler Zavala (The Mars Volta) y el pijo de Ryan Adams entre muchos otros. "Rise Above:..." en realidad se convierte en el octavo y último disco en estudio de la Rollins Band a pesar de tener ese afán benéfico.

Os dejo aquí mismo el único clip promocional que se hizo con Chuck D de 'guest star', el aplastante "Rise Above"...



Con respecto a las colaboraciones en sí, todas rallan a un nivel altísimo con muy pocas decepciones. Bien es cierto que este es un disco de guitarrazos que está muy alejado de las sutilezas melódicas y la genialidad instrumental pero la rabia y la actitud aquí es lo que cuentan por encima de todo lo demás a pesar de tener una excelente producción y sonido.

Antes de destacar algún tema, os dejo la presentación del documental "West Memphis Three" (2011) de Amy Berg (teniendo a Peter Jackson de productor) con el mismo Henry Rollins, el inculpado Damien Echols y su propia mujer.

  

Temazos, temazos son todos si de siempre te han gustado Black Flag y el hardcore punk en general pero yo me quedaría, como no, con el vacilón "Fix Me" de Iggy Pop y la contundencia sónica y cadenciosa de "Slip It In" con Henry Rollins & Inger Lorre.


Slip It In by Henry Rollins/Inger Lorre on Grooveshark

Los cortes más cañeros a nivel vocal tampoco se quedan atrás, así el tema de Neil Fallon (Clutch) "American Waste", el de Jeff Moreira (Poison the Well) " I've Heard It Before", "Depression" de Casey Chaos (Amén) y el "Revenge" con Tom Araya (Slayer) escupen todos una mala baba que impresiona. Por otra parte, están las interpretaciones más esquizoides de las que me quedaría con la de Cedric Bixler Zavala y la de Nick Oliveri en "I've Had It" y "Jealous Again" respectivamente pero si hay una que me siempre me ha vuelto loco es la de Mike Patton en "Six Pack". En su estilo, loco, loco, loco, muy Mr. Bungle burro.

Six Pack (Black Flag Cover) by Mike Patton on Grooveshark

Para acabar, existen también algunos cortes en donde se juntan ni más ni menos que Josh Homme, Nick Oliveri, Tim Armstrong & Lars Fredericksen (Rancid), Corey Taylor y algunos otros más de menor renombre en los coros y voces principales caso del tema que da nombre a este album, "Tv Party", "Annhilate this Week" y el citado "Six Pack".

Realmente interesante ver a tanta 'star' involucrarse en una causa de tanto calado en el mundillo rockero como ésta.

WARNING: Abstenerse de su escucha a los memos 'nerdys' y a los sensibleros de oido pero también de corazón...

HOW TO DESTROY ANGELS: LIVE AT "COACHELLA 2013", DE REZNOR'S ILUMINADOS Y MANDING'S SUBLIMES.


Muy interesante se me antoja la propuesta de directo de la banda de Trent Reznor, Atticus Ross, Mariqueen Manding y Rob Sheridan (con la incorporación al bajo y 'sintes' de Alessandro Cortini). Hace poco más de un mes comenzó la gira en el festival de "Coachella 2013", en concreto el 12 de Abril, con una puesta en escena que, por momentos, me recuerda a la gira de The Fragile (y aquel magnífico concierto de la Vall D'Ebrón) por su parafernalia escénica y visual, los How to Destroy Angels se están trabajando muy mucho el aporte visual acorde a las atmósferas y el sentir de sus composiciones.

Cortinas delante de los protagonistas con imágenes muy sutiles, esbozadas y minimalistas, iluminación muy trabajada, un sonido perfecto, clavado al del disco, y una sensación de querer mimar su música y de total implicación con la propuesta de HTDA, son las conclusiones que extraigo de esta nueva aventura de Reznor.





Pero no sólo hay que estar pendiente de Reznor, esta banda se me antoja mucho más democrática que la dictadura de Nine Inch Nails y aquí, a parte de las labores técnicas de Atticus Ross y del aporte visual de Sheridan, la que aquí sorprende muy mucho es Mariqueen Manding con una voz muy interesante y trabajada y unas interpretaciones que, a pesar del estatismo de la propuesta sónica, desprenden un magnetismo irresistible.

La actuación de aquí abajo pertenece a un día después, el 13 de Abril, en el Pearl Theatre de Las Vegas.



DEPECHE MODE: "BROKEN" & "GOODBYE" (LIVE STUDIO SESSIONS)


Dos golosinas para estos días del fin de semana en los que un servidor no va a estar conectado. Depeche Mode me siguen proporcionando muy buenos momentos tanto en estudio, con su más que notable "Delta Machine", como en directo, con esos shows de Vienna (y los que están por venir), así como también con sus interesantes versiones de los temas del album tocadas en directo en estudio.

Hay que reconocer que los de Basildon creen en sus canciones más que nunca y están extrayendo todo su jugo jugando con ellas, dándoles otro 'toque', aportando otro tipo de sonoridades que, en algún caso (os hablo de "Soft Touch/Raw Nerve") incluso mejora la del album. En el caso de "Goodbye" realmente no llego a decantarme por cuál me gusta más porque esta que os dejo más abajo es muy buena también.

Me siguen gustando mucho estos reinventados Gahan y Gore.




POR AMOR A LA MÚSICA: UNCLE TUPELO "STILL FEEL GONE" (1991)


Empieza el juego...

Gun by Uncle Tupelo on Grooveshark Nos ponemos las pilas de nuevo en el juego "Por Amor a la Música". El nuevo nivel trata de 'discos con múltiples colaboradores' teniendo a una banda o un artista en concreto participando en todas y cada una de las opciones elegidas por los jugadores implicados. Chals, del blog 'Chals On The Route' (también en 'On The Route') nos ha propuesto esta semana el disco de Golden Smog "Another Fine Day" proponiendo como claves 'discos en los que participe algún miembro de The Jayhawks o Wilco'.

En mi caso, y por partida doble, voy a proponer una colaboración conjunta entre dos piezas claves en esto del 'country alternativo' y el 'americana'. Os hablo de Gary Louris en el caso de The Jayhawks, y de Jeff Tweedy en el caso de Wilco. El disco escogido no ha sido otro de Golden Smog, hubiese sido la opción más recurrente y fácil, mi propuesta se remonta a antes de que Wilco existiesen y un instante antes de que The Jayhawks empezaran a parir 'trozos de cielo' con aquel "Hollywood Town Hall" del 92. Os hablo del Uncle Tupelo, os hablaré de "Still Feel Gone", su segundo album.

Breves apuntes de Uncle Tupelo. La seminal banda de Illinois formada por el mediático Jeff Tweady (Wilco), Jay Farrar (Son Volt) y Michael  Heidorn publicaron cuatro albumes, el primero de ellos, "No Depression" (1990), es un claro referente para todo esto que se hace llamar 'Alt Country'. La característica fundamental que hace a Uncle Tupelo tan especiales son esa facilidad para mezclar melodías tan reconocibles con el Country pero también con el Punk, algún toque 'seudo hardcore' y la música alternativa y distorsionada que se empieza a gestar a principios de la década de los 90's. La pareja compositora Farrar/ Tweady no tardan en tener problemas de todo tipo (alcohólicos, de amistad, traiciones sentimentales con sus parejas) y Farrar abandona el barco en el último disco de los Tupelo "Anodyne" (1994) para formar Son Volt junto con Michael Heidorn. Tweady, a su vez, propone a los integrantes de lo que quedaba de Uncle Tupelo -que eran en la última gira tres más- continuar como banda bajo el nombre de Wilco. Pero esta es otra historia...

El segundo disco de 'el tio Tupelo' es la perfecta continuación de "No Depression". En una época muy determinada a finales de los 90's y principios del nuevo siglo me hice con "Trace" de Son Volt y con "A.M.", "Being There" y "Summerteeth" de Wilco y siempre sonaban esas referencias obligadas a su anterior banda pero nunca logré meterme en su música y por fin le ha llegado el momento.

Este album contó con la colaboración de múltiples artistas debido a que todo el mundo se fijó en ellos tras "No Depression", aquí los más importantes:

Gari Louris (The Jayhawks): guitarra y compositor
Brian Henneman (The Bottle rockets): guitarra
Chris Bess: acordeón, piano
Rick Gilbert: Optigan
Paul Kolderie: Ingeniero, productor
Sean Slade: Productor

A parte de la colaboración de Louris como compositor y Henneman, que se había convertido en un habitual en su directos, destacaré la participación de los famosos productores del mediático album de Dinosaur Jr. "Bug", P. Kolderie y S. Slade con los que Farrar, Heidorn y Louris volvieron a contar por última vez, ya que no quedaron contentos con esa producción tan cruda pero a su vez tratada por capas y pistas distintas en vez de capturar más un sonido de directo. Personalmente no estoy nada de acuerdo con esta apreciación porque de las tres o cuatro escuchas que llevo, el album no me parece para nada artificioso y suena a banda compenetrada y expontánea en todas y cada una de las canciones que componen el trabajo. Ellos, sin embargo, renegaron muchas veces de este disco.

"Still Feel Gone" es un tesoro de los 90's muy bien escondido y que por fin he logrado encontrar. Mentiría si dijera que he escuchado "No Depressión" pero no me importa por donde empiezo, lo importante es que por fin he descubierto la magia de Uncle Tupelo, sus bellas melodías, sus constantes cambios de ritmo y sentimiento que se me antojan una constante en la discografía de estos magníficos compositores.

"Still Feel Gone" me atrapa desde el primer momento con la carismática "Gun" y ese sonido crudo y guitarrero acompañado de mucha tristeza y melancolía por parte de Jeff Tweady. Pero, en estas primeras escuchas, los temas que más destacaría en principio están en el tramo final del trabajo. En concreto os hablo de "Punch Drunk", "Postcard" y "D.Boom" que son tres auténticos trallazos cargados de energía cruda y electricidad pero también de mucha alma y perfectas melodías. De nuevo os advierto sobre esos magníficos cambios de 'tempo' en donde la sensibilidad acústica y la dureza eléctrica se baten en sangriento duelo para parir canciones de sensibilidad extrema.

No sé, a veces huelo a Mudhoney y otras los Pixies en tanto en cuanto a distorsión y crudeza se refiere pero mucho también a Neil Young. "Looking for a Way Out", "Fall Down Easy" y, en menor medida, "Discarded" serían dos pequeñas muestras.

Pero no todo es energía y visceralidad, la melancolía y la reflexión cotidiana se abren paso en "Still Be Around" pero también en el sentir country de "Watch Me Fall". Las labores vocales se las reparten entre los dos 'machos alfa' de Uncle Tupelo y, mientras Farrar suena más tradicional y entero, "True To Life", a Jeff Tweady se le nota más triste y roto, más afectado. Esto es "Cold Shoulder". Me ha gustado mucho, muchísimo, el tema que cierra el disco con la excelente "If That's Alright". Gran melodía y lágrimas, eso es todo...Uno de las grandes canciones de "Still Feel Gone".

Haceros un favor si no conocéis a esta banda. No tuvieron la suerte que merecieron a pesar de sus éxitos 'a posteriori' y este album es merecedor de que te adentres en él. Saldrás muy bien parado.

If That's Alright by Uncle Tupelo on Grooveshark Postcard by Uncle Tupelo on Grooveshark Punch Drunk by Uncle Tupelo on Grooveshark

RECKLESS LOVE, "NIGHT ON FIRE" CLIP DE ADELANTO!!!!...CON PINTURAS DE GUERRA 'FOSFIS'!!!


Por fin Reckless Love se han decidido a sacar el adelanto de su, se supone, inminente disco. La canción se llama "Night On Fire", un título muy alusivo a la idiosincrasia de la banda, su imagen y su concepto. Aquí el 'cover'.


Pero no tengo nada más, en su web tan sólo me encuentro con el cromático clip que acompaña al tema y nada más. La banda de Olli Herman dejaron caer que tendrían nuevo album para marzo pero todo parece ser que se va retrasando y me huelo que quieren hacer coincidir la publicación del disco con unas fechas más veraniegas como presentación perfecta para los festivales estivales.

El videoclip es deliciosamente ochentero ¿Os esperábais otra cosa de estos fineses glam-metaleros?. Eso sí, esta banda se curran de la leche sus propuestas visuales y ver en toda una playa el nombre de Reckless Love ardiendo es una ochentada con muchos cojones. La canción en sí es perfecta, no ofrece nada nuevo para el sonido y el cancionero de los de Herman pero nos da justo la dosis perfecta de Motley, Poison y Leppard y uno piensa que el verano ya está muy cerca...

La historia del clip cuenta la historia de un hechicero 'voodoo' que, gracias a la tecnología móvil más avanzada(...), tiene una 'alucinación glam-metal' con la banda tocando en una playa. Joder! las pinturas de guerra son absolutamente psicotrónicas y desde luego os juro que no me molestan en absoluto en una canción que rememora aquella década tan sabrosamente excesiva.

ENJOY!!!



CASABLANCA "APOCALYPTIC YOUTH" (2012), SORPRENDENTE DEBUT DE LA BANDA DE RYAN ROXIE!!!


A este paso voy a tener que hacer un nuevo 'TOP F*****G TEN' del año pasado con los discos que todavía estoy descubriendo del 2012. ¡Qué año tan cojonudo en lo musical!, tantos albums buenísimos con tanta disparidad de estilo y género que te hacen sentir que el veneno del rock'n'roll está todavía vivito y coleando entre nosotros. Uno de estos ejemplos es el disco de debut de Casablanca, "Apocalyptic Youth" (2012), la banda de Ryan Roxie, sí señor. El guitarra de Alice Cooper y colaborador de Slash en mi disco favorito del 'sleazy' de la chistera, "Ain't Life Grand", me ha sorprendido muchísimo con este debut de esta banda sueco-americana el pasado año 2012.

Os tengo que reconocer que, viniendo de escuchar a toda hora lo último de Buckcherry y el "Bad Decissions" de The Last Vegas del 2012, la primera escucha de "Apocalyptic Youth" no fue demasiado favorable, me esperaba otra cosa, más sucia, más cañera, con mucha más agresividad viniendo de Ryan Roxie y de esa portada tan callejera en ese callejón oscuro. No es un disco que entre a la primera a pesar de tener unas canciones muy sencillas. Mi problema fue que no me esperaba un disco tan 'vintage', tan 70's en ocasiones pero tan 80's como denominador común. Y aquí está el secreto de Casablanca, ya que no pretenden sonar como las bandas 'sleazy' actuales metiendo algo de metal y siendo más sucios que las ratas de alcantarilla. Su propuesta es mucho más luminosa y limpia de lo que cabría esperar y llevo dos o tres semanas enganchadísimo a este grandísimo debut con unas texturas claramente 'retro' y unas canciones realmente irresistibles y pegadizas.



Y ya que hablamos de 'texturas retro', lo primero que se hace realmente palpable, cuando ya te has acostumbrado a este sonido anclado en los 70's/80's, es que huele a Thin Lizzy practicamente en todo el album por lo que ya te queda bien claro que las pretensiones de la banda no son nada 'sleazys' (a pesar de su imagen) sino que están ancladas en un hard rock de corte más clásico y melódico. Alguna pincelada Kiss también se puede intuir por ahí, "Downtown" podría ser un ejemplo (ver clip de arriba), incluso ese sentimiento a lo Tom Petty en la canción que más me descolocó en aquella errática primera escucha, os hablo de la sutil y delicada "The Juggler".


Pero, a parte de esas pequeñas referencias, las líneas vocales, las dobles guitarras y los estribillos y melodías son un auténtico homenaje a la música de Phil Lynnot. El disco NO es un plagio de un sonido...¡ni mucho menos!!!, no inventan absolutamente nada pero es una verdadera celebración de la melodía, incluso de las bellas armonías vocales en temas como en la citada "Downtown", "Rich Girl" o la que cierra el album "A Lifetime on the Run".

Desde luego que los temas que más me han gustado son los más acelerados y sutilmente agresivos, caso del cojonudo y ochentero "Deliverated Wasted" con los estribillos más 'sleazys' del trabajo, "Love & Desperation" de nuevo con estribillos MUY GRANDES al igual que el cañerísimo "Secret Agents of Lust" y, sobre todo "Beast of Summer" que borda en todos los sentidos una composición de auténtico '10' con un 'solazo' de guitarra que...WOW!. Será mi canción del verano para este 2013, os lo aseguro!.



Por último destacar también "Last of the Rockstars" el tema más 'rootsy' y clásico de todo el album con una letra muy chula, así como, por supuestísimo, el tema que da título al album, el grandísimo también "Apocalyptic Youth" con un cantante, Anders Ljung, haciendo un trabajo vocal inmenso, un vocalista a tener en cuenta. En directo se sale el colega....¡toda la banda se sale!!...incluso la ambigua batería Josephine Forsman.

"Apocalyptic Youth", un grandísimo debut, de melodías y armonías ENORMES y de canciones sencillamente GENIALES.